Б. ДОМАШНИКОВ (р. 1924). Май, Березняк. 1959. Холст, масло. 130x100. Башкирский художественный музей имени Нестерова. Уфа.

1974 ЯНВАРЬ ФЕВРАЛЬ МАРТ АПРЕЛЬ МАЙ ИЮНЬ ПОНЕДЕЛЬНИК    7 14 21 28    4 11 18 25    4 11 18 25  1  8 15 22 29    6 13 20 27    3 10 17 24   ВТОРНИК  1  8 15 22 29    5 12 19 26    5 12 19 26  2  9 16 23 30    7 14 21 28    4 11 18 25   СРЕДА  2  9 16 23 30    6 13 20 27    6 13 20 27  3 10 17 24 31  1  8 15 22 29    5 12 19 26   ЧЕТВЕРГ  3 10 17 24 31    7 14 21 28    7 14 21 28  4 11 18 25    2  9 16 23 30    6 13 20 27   ПЯТНИЦА  4 11 18 25    1  8 15 22    1  8 15 22 29  5 12 19 26    3 10 17 24 31    7 14 21 28   СУББОТА  5 12 19 26    2  9 16 23    2  9 16 23 30  6 13 20 27    4 11 18 25    1  8 15 22 29   ВОСКРЕСЕНЬЕ  6 13 20 27    3 10 17 24    3 10 17 24 31  7 14 21 28    5 12 19 26    2  9 16 23 30     ИЮЛЬ АВГУСТ СЕНТЯБРЬ ОКТЯБРЬ НОЯБРЬ ДЕКАБРЬ ПОНЕДЕЛЬНИК  1  8 15 22 29    5 12 19 26  2  9 16 23 30    7 14 21 28    4 11 18 25    2  9 16 23 30 ВТОРНИК  2  9 16 23 30    6 13 20 27    3 10 17 24  1  8 15 22 29    5 12 19 26    3 10 17 24 31 СРЕДА  3 10 17 24 31    7 14 21 28    4 11 18 25  2  9 16 23 30    6 13 20 27    4 11 18 25   ЧЕТВЕРГ  4 11 18 25    1  8 15 22 29    5 12 19 26  3 10 17 24 31    7 14 21 28    5 12 19 26   ПЯТНИЦА  5 12 19 26    2  9 16 23 30    6 13 20 27  4 11 18 25    1  8 15 22 29    6 13 20 27   СУББОТА  6 13 20 27    3 10 17 24 31    7 14 21 28  5 12 19 26    2  9 16 23 30    7 14 21 28   ВОСКРЕСЕНЬЕ  7 14 21 28    4 11 18 25    1  8 15 22 29  6 13 20 27    3 10 17 24    1  8 15 22 29

ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ. Полонез.

А. ДАРГОМЫЖСКИЙ. Танец.

С. ПРОКОФЬЕВ. Фрагмент.
Из музыки к драматическому спектаклю «Евгений Онегин».

М. ГЛИНКА. Мазурка.

Переложение Ю. Зенкова

И. БРОДСКИЙ (1884-1939). В. И. Ленин на трибуне. 1927. Холст, масло. 71x53. Русский музей. Ленинград.

ЯНВАРЬ 1 2 3 4 5 6 1974 ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В РСФСР в 1971 г. было 605 музеев, в том числе всемирно известные — Центральный музей В. И, Ленина, Ленинский мемориальный комплекс в Ульяновске, Государственный музей революции, Государственный Исторический музей, Оружейная палата, Третьяковская галерея в Москве, Эрмитаж и Русский музей в Ленинграде, музей-усадьба Л. К. Толстого «Ясная поляна», музей-заповедник А, С. Пушкина «Михайловское» и др.

МУЗЕЙ ХУДОЖНИКА

На одной из красивейших площадей Ленинграда, рядом с Русским музеем и Малым оперным театром, находится небольшой, но очень интересный музей. Это квартира художника И. И. Бродского, в которой он жил с 1924 по 1939 год — год своей смерти, Бродский, сложившийся как художник еще до революции, с первых лет Советской власти отдал все силы на создание нового искусства.

Художник, известный до революции как мастер лирического пейзажа и портрета, становится одним из основоположников советской историко-революционной живописи. Ранние пейзажи художника — «Сквозь ветви», «Золотая осень», «Сумерки» — отличаются мягким лиризмом, тонкой, ажурной живописью. Их можно увидеть в одной из двух мемориальных комнат музея — в мастерской художника. Все здесь (кисти, мольберт, письменные принадлежности) окружало Бродского при жизни. Крупные произведения, написанные Бродским после революции, — «Ленин и манифестация», «Расстрел 26 бакинских комиссаров», «Ленин в Смольном» — находятся в разных музеях страны, и в вводной комнате нашего музея представлены фотографии с них. Работу художника над образом Ленина, его творческие поиски можно проследить по фотографиям с рисунков и портретов.

Все помещение музея, кроме двух вводных комнат, занимает собранная Бродским замечательная коллекция произведений русских мастеров XIX — начала XX вв. Долголетняя дружба связывала художника с его великим учителем И. Е. Репиным. Подаренные Репиным рисунки и положили начало этому собранию.

В музее можно увидеть пейзажи В. Поленова и И. Айвазовского, А. Рылова и Н. Рериха, натюрморты А. Головина и К. Коровина, акварели Б. Кустодиева и П. Чистякова, рисунки и этюды В. Серова, Ф. Малявина, В. Сурикова, М. Нестерова, наброски М. Врубеля и К. Сомова. Особенно интересны «Портрет С. П. Кувшинниковой», один из редких портретов пейзажиста И. Левитана, и «Портрет Ф. И. Шаляпина в роли Мефистофеля» работы А. Головина.

По желанию художника после его смерти коллекция была передана в дар государству.

М. БАБУРИН. Торжество труда. Рельеф.

АПЛОДИСМЕНТЫ МИЛЛИОНОВ

Можно ли измерить интерес к искусству в цифрах? Да, можно, и язык цифр убедителен и красноречив. Более 5 тысяч концертов и представлений дают советские артисты ежегодно за пределами нашей Родины. За последние 10 лет за границу выезжало 100 тысяч посланцев советского искусства. Им аплодировали миллионы. «Приезжающие к нам солисты, — пишет канадская газета «Девуар», — приучили нас к такому высокому уровню мастерства, что мы установили для них особую шкалу, которую они приняли и которой постоянно придерживаются... Но эти русские не перестанут нас удивлять!» На другом континенте с канадской газетой, солидаризуется австрийская: «Всем хорошо известно, что Советский Союз не посылает за рубеж ни одного представителя искусства, чье мастерство не соответствовало бы высочайшим требованиям». Это признание вкуса, мастерства, требовательности и ответственности артистов говорит о высоком международном авторитете, завоеванном советским искусством.

Всеми поездками советских театров, оркестров, коллективов, артистических групп и отдельных исполнителей занимается Госконцерт СССР — крупнейшая в мире организация, осуществляющая артистический обмен с зарубежными странами. Сегодня он поддерживает связи со 120 государствами мира и представляет все виды советского искусства — музыкального, театрального, хореографического, эстрадного.

В начале 1970 г. в Париже проходили гастроли Большого театра. Как говорили французы, они открыли для себя советскую оперу. Вот как описывала одна из газет премьеру «Хованщины» Мусоргского: «Такого еще не знал ни дворец Гранье, ни вообще какой-либо театр мира: во время оперного представления публика заставила бисировать хор!»

А американская «Нью-Йорк Таймс» говорила по поводу других гастролей: «Если Советы хотят знать — самое мощное секретное оружие, служащее делу мира, — ансамбль Игоря Моисеева».

ФРИДРИХ ФЕЛЬМАН

Фридрих Фельман — один из основателей эстонской национальной литературы.

Он родился в Эстонии, в уезде Ярвамаа, учился в Тартуском университете на медицинском факультете, а также слушал лекции по лингвистике и литературоведению. Окончив университет со степенью доктора медицины, Фельман остался работать в Тарту.

В 1838 г. главным образом по его инициативе в Тарту было основано Ученое эстонское общество по изучению национального языка, фольклора и истории.

Литературное наследие Фельмана невелико, но многое из него Навсегда осталось в истории эстонской литературы. В 1839 г. Фельман выступил в Ученом обществе с докладом «Сказания о Калевипоэге». В сказаниях говорилось о народном богатыре Калевипоэге — правителе древних эстов, о его борьбе против враждебных народу сил. Противниками Калевипоэга выступают как сказочные образы, олицетворяющие злые силы природы (Рогатый, чародей и т. д.), так и реальные враги — рыцари-крестоносцы («железные люди»). Последние эпизоды эпоса относятся к периоду вторжения крестоносцев в эстонские земли (начало XIII в.).

В докладе Фельмана был впервые создан план эпоса. Друг Фельмана Фридрих Крейцвальд после его смерти завершил великое дело собирания национального эпоса.

Фельман известен и как автор своеобразных поэтических сказаний. Из них наиболее известно сказание «Заря и сумерки». С народным творчеством тесно связаны сказания «Рождение Эмайыги» (в переводе: «Рождение реки-матушки») и «Как народы языки получили».

В. ЛИДИН. У художников. М., «Искусство», 1972. В. ТЕЛЕМАКОВ. Возрождение красоты. Л., Лениздат, 1972. Пути развития русского искусства конца XIX — начала XX века. М., «Искусство», 1972.

• 1 января — Новогодний праздник.
• 1 января — 15 лет со дня победы (1959) кубинской революции. День освобождения Кубы.
• 1 января — 55 лет со дня образования (1919) Белорусской ССР.
• 1 января — 70 лет со дня рождения (1904) Урала Тансыкбаева, узбекского советского художника.
• 1 января — 90 лет со дня рождения В. А. Ватагина (1884-1969) советского скульптора.
• 4 января — 100 лет со дня рождения Йосефа Сука (1874-1935), чешского композитора и скрипача.
• 6 января — 90 лет со дня рождения И. И. Бродского (1884-1939), советского художника.

Г. ХРАПАК (р. 1922). Подъезжая к Москве. 1971. Холст, масло, темпера. 87x110. Художественный фонд СССР. Москва.

ЯНВАРЬ 7 8 9 10 11 12 13 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ПЕРВЫЙ ПРОЕКТ «НОВОЙ МОСКВЫ»

Первые мероприятия Советской власти по благоустройству Москвы были проведены еще в годы гражданской войны. На рабочих окраинах появилось уличное освещение, началась расчистка запущенных участков городских территорий, устройство скверов. На площадях и скверах сооружались памятники и обелиски, на стенах зданий устанавливались барельефные доски с революционными призывами.

С марта 1918 г. Москва стала столицей Советского государства. Тогда же начались работы над проектом планировки города. Их вели архитектурные мастерские Моссовета под руководством А. Щусева и И. Жолтовского. А. Щусев вспоминал об этой работе с особой теплотой: «Скажу о первых шагах архитектуры в революционной обстановке... Те великие принципы, которые были преподаны нашим вождем Владимиром Ильичем Лениным, создавали особый подъем в архитектурных кругах... Мы поставили целью сделать план реконструкции Москвы на новых социальных основах. Занялись и окраинами, и озеленением центра Москвы, созданием новых кварталов, разбивкой магистралей.,. Мы твердо шли с желанием открыть новые пути в архитектуре».

В 1924 г. проект «новой Москвы» был завершен. Авторы проекта сохранили исторически сложившуюся радиально-кольцевую планировку города. Существовавшая система улиц и ценные памятники зодчества составили опорную канву плана. Историческим центром столицы оставался Кремль. На Ленинградском шоссе предполагалось создать административный центр, в Зарядье — торговый, в Хамовниках — учебный, на Воробьевых горах — спортивный. Вдоль Москвы-реки должны были быть проложены широкие зеленые набережные. За Окружной дорогой проектировался зеленый пояс, большими массивами выходивший к центру.

Наиболее значительными мероприятиями, проведенными в соответствии с планом реконструкции «новой Москвы», были перепланировка Советской площади и строительство Всероссийской сельскохозяйственной выставки на территории нынешнего ЦПКиО им. Горького.

Этот проект остался в истории советской архитектуры первой теоретической градостроительной разработкой. Его историческое значение трудно переоценить. В нем впервые в истории градостроительства был продемонстрирован совершенно новый подход к проблемам проектирования города, намечены пути его социалистического преобразования,

Будущая магистраль

Современный общественный и деловой центр Москвы сложился вокруг Кремля. В него органически включится и Ново-Кировский проспект, строительство которого уже ведется.

Трасса Ново-Кировского проспекта была намечена еще в генеральном плане Москвы 1935 г. На этой магистрали появились такие крупные сооружения, как ЦСУ (архитектор Ле Корбюзье), административное здание (архитектор А. Щусев). Они как бы закрепили направление нового проспекта.

Начнется Ново-Кировский проспект у площади Дзержинского и закончится Комсомольской площадью с ее тремя вокзалами. Бульварное и Садовое кольцо пересекут проспект, деля его на три части. На пересечении с Бульварным кольцом, у старинных Мясницких ворот, создается новая Тургеневская площадь с памятником И. С. Тургеневу. Она будет иметь два яруса. Центральная ее часть, свободная от транспорта, проектируется как открытый дворик, который даст естественное освещение площадкам перед станциями метро.

Следует отметить, что на трассе Ново-Кировского проспекта много интереснейших памятников архитектуры, как например, «дом Юшкова» (архитектор В. Баженов). Архитекторы стремятся тактично связать новую застройку с тем, что создавалось веками.

Многоэтажный административный комплекс (архитектор Ф. Новиков), который будет воздвигнут на Тургеневской площади, как бы замкнет перспективу прилегающих к площади кольцевых магистралей.

За пределами Садового кольца проспект пройдет по улице Маши Порываевой, где будут расположены жилые дома.

Над проспектом, при пересечении с Садовым кольцом, перекинется одна из самых больших городских эстакад, машины будут двигаться по ней в четыре ряда с каждой стороны.

Проспект станет деловым центром столицы. Первые этажи административных зданий будут отведены под культурно-просветительные учреждения, кафе и рестораны.

Пройдет немного времени, и Ново-Кировский проспект станет одним из красивейших архитектурных ансамблей столицы. Коллектив создателей проспекта: архитекторы П. Штеллер, В. Нестеров, Р. Гвоздев, А. Гутнов, Б. Бодэ, Л. Иофан, В. Иванов, И. Прозоровская, Ю. Большаков, инженеры Г. Маркус, М. Старосельская, М. Могилянская и др.

Здание МХАТа

Больше семидесяти лет прошло с тех пор, как на сцене нового театра в Камергерском переулке труппа Художественного театра сыграла первый спектакль.

Уютное и многими любимое здание театра требовало серьезной реконструкции. Прославленному коллективу ныне построено новое здание на Тверском бульваре, недалеко от площади Пушкина. Авторы проекта — архитекторы В. Уляшов, А. Моргулис, инженер А. Цикунов. Руководитель творческого коллектива — лауреат Государственной премии РСФСР архитектор В. Кубасов.

Перед зодчими стояла задача сохранить всю неповторимость творческой атмосферы старого здания.

Архитектура нового МХАТа лаконична. На высокой террасе возвышается здание, облицованное армянским туфом. В его архитектуре преобладают горизонтальные членения. Их мерный ритм прерывается четырьмя пилонами фасада. Пилоны завершены композициями из фонарей. Широкая лестница ведет с улицы к отодвинутым в глубь здания входам. Они манят зрителей войти в совершенно особый, чудесный мир.

Зрительный зал рассчитан на 1400 человек. Атмосфера торжественности возникает в интерьерах, отделанных деревом, камнем, бронзой. Здесь все выдержано в тонах, характерных для старого здания МХАТа.

Новый театр на Тверском бульваре — один из самых совершенных в стране по своему техническому оснащению.

* * *

...Каждый понимает, что Москва — это мозг и сердце его великой родины, это город бессмертия, это огромное поприще для творческой деятельности.

У. ТАНСЫКБАЕВ (р. 1904). Голодная степь. Канал. 1971. Холст, масло. 112x160. Министерство культуры СССР. Москва.

ЯНВАРЬ 14 15 16 17 18 19 20 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ПЕВЕЦ СОВРЕМЕННОСТИ

«Случилось так, что я родился пейзажистом, — говорит о себе народный художник СССР, лауреат Ленинской премии Урал Тансыкбаев. — Смотри, — звала меня жизнь, — этого не было еще вчера, а сегодня ты первый видишь перед собою небывалое. Ты — свидетель и очевидец! И я спешу запечатлеть нашу стремительную новь. А писал я с тех пор, как стал художником, не только родной Узбекистан, но и Туркмению, казахские соленые степи, сады Таджикистана. Природа каждого края, чарующая, величавая, иногда суровая, раскрывалась передо мной везде в своем неповторимом своеобразии. Хотелось запечатлеть все: белизну снежных вершин Ала-Тау и Памира, перенасыщенную цветом зелень плодородной Ферганской долины, поднятые ковшами экскаватора буро-фиолетовые горы земли у Алмалыка, темно-синие артерии дорог и каналов, принесших жизнь в Голодную степь...»

Однако прежде, чем появились все эти раздольные, поражающие правдой и глубиной образа холсты, Урал Тансыкбаев должен был одолеть непростой и нелегкий путь в большое искусство.

В начале 20-х гг. в Ташкенте, в заводском клубе, открылась первая выставка его рисунков и акварелей. Сам будущий художник был тогда рабочим винодельного завода и не помышлял, что это начинается его новый жизненный путь. Но в местной печати заговорили о рождении народного таланта, и рабочего парня-узбека послали учиться сначала в студию при Ташкентском музее, потом — в Пензенское художественное училище. Душевной искренности, преданности искусству, уважению к подлинному мастерству учили его русские мастера. В те годы нередко, чтобы заработать на краски и холст, а то и на хлеб, Тансыкбаев-студент работал летом на виноградниках, зимой подрезал яблоневые деревья...

В творчестве своем молодой художник с увлечением подражал великим русским пейзажистам, но Тансыкбаев чувствовал, что только на родной среднеазиатской земле придет к нему собственная мелодия и зазвучит вольно и смело. Так и случилось. Дома родилась главная тема творчества живописца — рассказ о колхозном и индустриальном строительстве в советской Средней Азии.

...Пустыня и вода, пришедшая по каналу. Влага напоит иссушенную землю, и она зацветет. Художник успевает запечатлеть это начало величайшего превращения. И от картины к картине полнится вот уже не один десяток лет воссоздаваемая талантливым художником удивительная реальная сказка советских будней.

ВЕЛИКИЙ АРТИСТ

Многие замечательные деятели искусства в юности готовились стать людьми совсем других профессий — Чайковский окончил училище правоведения, Достоевский проходил курс военно-инженерных наук, Станиславский готовился стать инженером. Так и Ивана Николаевича Горелова, готовившегося изучать геологию и палеонтологию, мы знаем как Владимира Николаевича Давыдова, одного из первых народных артистов Республики (1922), гордость Александрийского театра в Петербурге и Малого театра в Москве. Давыдов сыграл за свою жизнь 547 ролей, 450 из них были русского репертуара. От комедийных и остросатирических (Расплюев «Свадьба Кречинского» Сухово-Кобылина, Тартюф «Тартюф» Мольера) до глубоко драматических (чеховские Иванов, Фирс). Его особенно притягивала русская драматургия: Грибоедов, Гоголь. Островский, восхищаясь его талантом, не раз говорил о своем желании видеть Давыдова в той или иной роли. Владимир Николаевич — один из самых выдающихся исполнителей ролей Молчалина и Фамусова. «Он сделал Молчалина красивым, что, конечно, очень важно и интересно, — писал П. П. Гнедич, — и отрешился от традиции представлять извивающегося ужа, а играл пушистого домашнего кота, ласкового, но который не забывает своей крыши. Это был Молчалин, который может проехаться красиво по бульварам верхом, который водит на балу фрейлину под руку и играет в вист с нею и с самим Фомой Фомичем». Фамусова Давыдов трактовал не как московского барина, а как чиновника, выросшего на мечтах о «крестишках и местечках», хотя и благодушного человека.

Владимир Николаевич был горячо любим зрителями. Его жизнерадостный и человеколюбивый талант помогал ему даже из самых незначительных персонажей создавать яркие жизненные образы.

Давыдов долгое время занимался педагогической деятельностью. «Мы ждали его уроков, как праздника, как счастья», — вспоминают его ученики.

Особенно с большим подъемом стал играть Давыдов после революции, когда в театр пришел новый зритель. «Да, это было наслаждение истинным искусством! — писали об игре Давыдова в первые же годы после Октября. — Такая игра доходит до рабочего зрителя, и он понимает, что настоящее мастерство требует выучки, большой работы, большой любви и преданности искусству...»

ЧАПАЕВ БАБОЧКИН

Киноискусство обладает одним свойством, отличающим его от театра, о котором мы иной раз забываем: в театре многократно исполняется одна и та же пьеса, а следовательно, исполняется одна и та же роль различными актерами в различной режиссерской трактовке; киноискусство фиксирует образ, созданный писателем, режиссером и актером раз и навсегда, уподобляя его тем самым литературному или пластическому образу. Вследствие этого образ, воплощенный тем или иным талантливым актером, приобретает настолько реальные самобытные черты, что часто зритель не способен уже отделить этот образ от литературного или исторического прообраза.

Так в жизнь нашего зрителя вошел, например, Бабочкин — Чапаев, и едва ли сейчас кто-либо из зрителей этого замечательного фильма может себе представить Чапаева иным, чем он запомнил и полюбил его в исполнении артиста Бабочкина. Есть известный документальный портрет Чапаева, но этот портрет остается только фотографией, а с обликом Бабочкина связана динамика чапаевского образа, все особенности характера, поведения, голосовые интонации — короче, весь образ Чапаева в действии. И это настолько значительно и сильно для зрительского восприятия, что облик Чапаева, запечатленного в хроникальном кадре, невольно заслоняется обликом Чапаева, воссозданного талантом режиссеров и артиста.

О В. В. СТАСОВЕ

Всякому известно, или всякому должно быть известно, какую могучую поддержку оказывал Стасов развитию свежего реалистического искусства... До сих пор остаются блестящими и непревзойденными те характеристики, которые даны им великим передвижникам. Он прекрасно умел различать крупные дарования от подражателей. Он прекрасно умел вскрывать и художественные достоинства, и социальный смысл картин, остающихся до сих пор подлинной славой русской живописи. Вряд ли не более еще сделал он в области музыки. Все великие представители того неоспоримого музыкального расцвета, который пережила Россия, многим обязаны Стасову... Стасов советами и личной дружбой, героической защитой и популярными истолкованиями очищал дороги и защищал фланги и тыл прокладывавшей себе путь художественной интеллигенции.

Смычку волшебному послушна...

В историю хореографического искусства вошла как исключительно яркое дарование Авдотья Ильинишна Истомина. «Она имела большую силу в ногах, апломб на сцене и вместе с тем грацию, легкость, быстроту в движениях; ее пируэты и элевация были изумительны». Так отзывался о ней автор «Летописи русского театра» П. Н. Арапов.

А. С. Пушкин запечатлел образ балерины в «Евгении Онегине»:
Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена.
Стоит Истомина; она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола;
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет.

• 14 января — 150 лет со дня рождения В. В. Стасова (1824-1906), русского художественного и музыкального критика.
• 17 января — 175 лет со дня рождения А. И. Истоминой (1799-1848), русской танцовщицы.
• 18 января — 70 лет со дня рождения (1904) Б. А. Бабочкина, советского актера, народного артиста СССР.
• 19 января — 125 лет со дня рождения В. Н. Давыдова (И. Н. Горелов) (1849-1925), русского актера, народного артиста Республики.
• 20 января — 70 лет со дня рождения (1904) В. М. Орешникова, советского художника.

М. САВИЦКИЙ (р. 1922). Партизаны. 1963. Холст, масло. 125x135. Художественный музей БССР. Минск.

ЯНВАРЬ 21 22 23 24 25 26 27 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Поэма о янтаре

Янтарь... Это книга веков. Комар или муха, паучок, коготок птицы или листок папоротника, нашедшие себе прекрасную вечную гробницу в куске застывшей смолы, помогают проникнуть в тайны минувшего.

Янтарь встречается во многих странах, однако только на берегах Балтийского моря оказалась уникальная природная кладовая солнечного камня. Самые богатые янтарные россыпи находятся на Калининградском полуострове. Следует добавить, что на побережье Балтики добывается янтарь высшего качества. Вот почти все «причины» возникновения одного из уникальнейших музеев мира — сокровищницы янтаря в городе Паланге. Здесь вы сможете услышать удивительную литовскую легенду.

...На дне глубокого и неспокойного Балтийского моря в янтарном замке жила богиня Юрате. Однажды Юрате услышала песню. Ее пел сильный, молодой и красивый рыбак Каститис. Он забросил сети прямо над дворцом Юрате. Богиня влюбилась в смелого рыбака, завлекла его в свой янтарный замок. Узнав, что бессмертная Юрате полюбила простого рыбака, старший среди богов Перкунас разгневался, послал молнию и разрушил янтарный замок, утопил рыбака, а Юрате приковал к развалинам замка. Ее слезы в виде мелких кусков янтаря море выбрасывает на берег. А когда вечно холодные морские глубины начинают волноваться и бушевать, волны поднимают крупные куски — обломки разрушенного Перкунасом дворца.

Вот этой легендой о происхождении янтаря и начинается экспозиция музея в Паланге. Около 16 тысяч «солнечных камушков» собрано здесь. В разделе «Литва и янтарь» собран любопытный археологический материал. Тут и янтарные изделия эпохи неолита, и изделия, найденные в погребениях первого тысячелетия нашей эры.

Паланга — сегодня главная мастерская Литвы по обработке солнечного камня. Здесь трудятся художники — профессионалы и народные умельцы.

* * *

Русская народная песня есть драгоценнейший образец народного творчества...

* * *

Странствуя по польским землям, я наполняюсь духом народных песен. Из них вдохновение переливается во все мои сочинения.

Д. Дудинский. Иллюстрация к рассказу Аркадия Гайдара «Р. В. С.»

ЗИМНИЕ СТИХИ

П. ШИЛЛИНГОВСКИЙ. Великий вождь пролетариата В. И. Ленин

так снимается кино

Павильон — это цех, где ведется самая важная и ответственная работа по созданию фильма. Здесь происходят съемки.

...Пустой и темный громадный зал высотою в два, а то и в три этажа. Отсюда, от дверей, его даже и не разглядишь как следует. И потолок, и дальние углы пропадают где-то во мраке. Справа и слева видны нагромождения каких-то фанерных щитов и перегородок. Соорудили это помещение по какому-то странному проекту. Про потолок, видно, забыли, стены в нескольких местах обрываются, не соединившись одна с другой, так что прямо с улицы можно шагнуть к дивану или письменному столу.

Для съемок фильма именно такая конструкция жилища и необходима. Через крышу и через стенные проемы в эту квартиру будут глядеть прожектора, освещая действующих лиц и место действия фильма. По всей этой жилплощади будет передвигаться киноаппарат и подглядывать за актером.

В конце павильона — груда камней, обломки скал. Небольшого роста человек легко ворочает каменные глыбы. Каждый камень сделан из ваты и тряпок, выкрашенных под цвет скал. В фильме «Возвращение Максима» один из центральных эпизодов происходит на баррикадах, где рабочие сражаются с полицейскими, отбиваясь от них камнями. Многие камни попадают в цель, и пораженные ими люди замертво падают на мостовую. Но кончал работать киноаппарат, и «раненые» и «убитые» бодро поднимались на ноги. А на экране эта сцена производила впечатление настоящего побоища.

В произведение искусства вложены душа и сердце его создателя. В фильме или спектакле все может быть ненастоящим, бутафорским — стены комнаты, обстановка, вещи; но чувства художника, его желания, его раздумья всегда настоящие, подлинные. Они-то и составляют заражающую силу искусства.

НЕГРИТЯНСКИЙ ПЕВЕЦ

В тот вечер, когда открылся концертный зал вашингтонского «Кеннеди сентр», на сцене с Национальным симфоническим оркестром под управлением Антала Дорати выступил молодой негритянский певец Симок Эстес, исполнивший «Свободную песню» Уильяма Шумана — кантату на стихи Уолта Уитмена.

Симон Эстес мечтает стать членом труппы «Метрополитен-опера», но его не принимают туда, хотя он обладает великолепным голосом. «Белые зрители не хотят видеть на сцене чернокожего партнера белой женщины, — говорит Эстес. — Многие этого даже не осознают, но это так. Под какими только предлогами мне не отказывали! Мой голос слишком громок или слишком слаб, я слишком высок или слишком мал ростом, слишком толст или слишком худ. В Америке находились оперные труппы, соглашавшиеся принять меня, но тогда кто-нибудь из богатых «покровителей» говорил: «Я не дам вам денег», — и мне отказывали».

Симон Эстес родился в 1938 г. в Сентервилле, штат Айова, где его отец получил работу в угольной шахте, переехав из Миссури. Дед Симона был рабом на миссурийских плантациях. Всего в Сентервилле было 9 тысяч жителей, из них 286 негров. В школе, вспоминает Симон, детям негров не разрешали принимать участие в школьных спектаклях. «Нам ничего не разрешали, кроме занятий в спортзале, — говорит Симон. — Все виды деятельности, требующие интеллекта, были закрыты для нас. Нашим родителям приходилось снова и снова объяснять это нам, детям».

• 21 января — 50 лет со дня смерти (1924) Владимира Ильича Ленина.
• 22 января 1905 — Расстрел царскими войсками мирной демонстрации рабочих в Петербурге (Кровавое воскресенье). Баррикады в столице. Начало первой русской революции. 22 января — 70 лет со дня рождения А. П. Гайдара (Голиков) (1904-1941), советского писателя.
• 24 января — 100 лет со дня рождения Т. Л. Щепкиной-Куперник (1874-1952), русской советской писательницы, драматурга и переводчицы.
• 25 января 1918 — III Всероссийский съезд Советов принял «Декларацию прав трудящегося и эксплуатируемого народа» .
• 26 января — 40 лет со дня открытия (1934) XVII съезда ВКП(б).
• 26 января — 150 лет со дня смерти Теодора Жерико (1791-1824), французского художника.
• 27 января — 15 лет со дня открытия (1959) внеочередного XXI съезда КПСС.

ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577-1640). Союз Земли и Воды. Исп. между 1612-1615. Холст, мйсло. 222,5x180,5. Эрмитаж. Ленинград.

ЯНВАРЬ 28 29 30 31 1 2 3 ФЕВРАЛЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

«СОЮЗ ЗЕМЛИ И ВОДЫ»

Творческое наследие великого фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640) необозримо. Бесконечная вереница образов оживает под его волшебной кистью. И все они хранят печать мудрого отношения художника к жизни, прославляют духовную и телесную красоту человека, могущество и величие природы.

«Король живописцев и живописец королей», как называли Рубенса современники, прочными нитями был связан с родной Фландрией. Глубокая национальная основа его искусства с большой силой воплотилась в одной из лучших картин Рубенса эрмитажного собрания «Союз Земли и Воды». Картина была написана между 1612 и 1615 гг. Это были годы, когда Фландрия накапливала свою экономическую мощь. Тяготение страны к независимости, рост национального самосознания породили небывалый расцвет искусства. И именно Рубенс с наибольшей полнотой выразил стихийный расцвет таланта фламандского народа.

Аллегорическая сцена союза богини земли Кибелы и бога морей Нептуна была наполнена для современников Рубенса конкретным и понятным содержанием. Антверпен в эти годы добивался свободного выхода к морю, стремился к возрождению своих обширных торговых связей.

Фигуры главных персонажей объединены в одну пирамидальную и устойчивую группу. Ее можно очертить плавной, спокойной линией.

Столь же уравновешенно и одновременно празднично ликующе красочное решение картины.

Живопись рубенсовских картин поистине драгоценна. Это тончайший сплав красок, положенных на холст свободной, уверенной рукой темпераментного художника. «Союз Земли и Воды» — гимн могуществу человека, его власти над стихиями. К картине из Эрмитажа можно полностью отнести слова Э. Делакруа: «Слава этому Гомеру живописи, отцу пылкого энтузиазма в искусстве, где он всех затмевает, пожалуй. не столько совершенством в каком-либо определенном отношении, сколько скрытой силой и трепетом жизни, запечатленной во всех его работах».

НЕУВЯДАЮЩАЯ ПЬЕСА

Художественный театр — МХАТ! С ним связана славная страница русского и советского театра.

Чеховские спектакли представляют целую эпоху в творческой биографии театра. Они определили не только судьбу театра, но и расцвет его талантов, рождение новой режиссуры. Формирование Чехова-драматурга тоже шло под влиянием Художественного театра. Триумфальная премьера «Чайки» в декабре 1898 г. стала для театра знаменательной. Основателей театра и Чехова объединяло многое, и прежде всего понимание того, что искусство должно служить передовой общественной мысли, быть жизненно правдиво и совершенно по форме. Сколько прекрасных спектаклей родилось на сцене театра от этого союза! «Чайка», «Три сестры», «Дядя Ваня», «Вишневый сад».

Чехов написал «Вишневый сад» осенью 1903 г. Станиславский телеграфировал писателю: «...Потрясен, не могу опомниться. Нахожусь в небывалом восторге. Считаю пьесу лучшей из всего прекрасного, Вами написанного. Сердечно поздравляю гениального автора...»

Пьеса была поставлена за три месяца и в начале 1904 г., незадолго до смерти Антона Павловича, в день его именин, показана зрителю.

Острое ощущение конца старого уходящего мира и предчувствие больших перемен в жизни России накануне революции 1905 г., своеобразное столкновение этих разных сил общества, трагифарс, трагикомедия. Вот какова была новая пьеса Художественного театра. Роли исполняли: Книппер, Станиславский, Леонидов, Москвин, Артем, Качалов, Лилина, Грибунин.

До сих пор сохраняется в репертуаре театра этот спектакль. Время вносило свои коррективы и ставило новые акценты. Приходили новые исполнители и среди них такие, как Андровская, Тарасова, Степанова, Хмелев, Тарханов, Грибов, Добронравов. Но оставалось неизменным то, о чем писал Немирович-Данченко Чехову: «...ты по праву можешь сказать: это мой театр».

ИЗ КОРЕЙСКОЙ КЛАССИЧЕСКОЙ ПОЭЗИИ

несколько цифр

В 1971 г. в УССР был 71 профессиональный театр (в 1913 г. всего 1 театр), в том числе 5 театров оперы и балета, 43 — драматических и музыкальной комедии, 23 — детских и юного зрителя. В республике в 1971 г. имелось 3 консерватории, Институт искусств, 30 музыкальных училищ и около 400 музыкальных школ.

Вид Варшавы со стороны Вислы. Фрагмент с замком. 1786 г.

Символ польской культуры

Варшавский замок был выстроен в конце XIII в., почти одновременно с городом. После того как Варшава стала в 1596 г. столицей Польши, он сделался резиденцией властей.

В 1619 г. завершились работы, связанные с переделкой здания в стиле позднего Возрождения и раннего барокко. Замок стал центром культуры, и в нем еще при жизни великого Шекспира ставились его пьесы, а в середине XVII в. в нем был оборудован специальный театральный зал, где постоянно выступала итальянская опера.

В период шведского нашествия в 1655-1656 гг. замок был сильно разрушен. В XVIII в. его в очередной раз переделали: пристроенный со стороны Вислы фасад в стиле барокко стал важным элементом панорамы города.

С Варшавским замком тесно связаны события эпохи Просвещения. Здесь работала Эдукационная комиссия — первый в Европе государственный просветительный орган, здесь же была принята конституция 3 мая 1791 г. После Октябрьской революции Польша стала самостоятельным государством. В это время замок был реконструирован и приобрел свой прежний исторический вид. Немалую роль в этом сыграли возвращенные Польше Советским Союзом культурные ценности, вывезенные русскими царями.

Во время гитлеровского нападения Варшавский замок постигла судьба, подобная судьбе многих бесценных памятников старины. Фашистская авиация неоднократно бомбила замок. После оккупации Варшавы саперы вермахта пробили в уцелевших стенах около 10 тысяч отверстий для динамитных зарядов: Гитлер приказал сровнять с землей этот символ польской истории. Оставляя Варшаву под натиском Советской Армии, фашисты выполнили варварский приказ.

А в 1949 г. Сейм Народной Польши издал специальное постановление о возрождении Варшавского замка. Однако реализации этого постановления пришлось ждать многие годы: у государства были более насущные нужды. Только в 1971 г. правительство Польши приняло окончательное решение: в 1974 г., т. е. к тридцатилетию образования ПНР, Варшавский замок займет свое место в неповторимой панораме восстановленного Старого города.

однажды...

Когда Артуро Тосканини дирижировал оркестром, никто не осмеливался ему возражать. Но однажды в ньюйоркской Метрополитен-опера он сделал замечание известной певице и она возмутилась:

— Не забывайте, что я звезда нью-йоркской оперы, — сказала она.

— Сверкайте в меру, — сухо ответил Тосканини.

Л. ТРЕТЬЯКОВА. Л. В. Собинов (К 100-летию со дня рождения). Новое в жизни науки и техники. Серия «Искусство». М., «Знание», 1972. К. АДЖЕМОВ. Незабываемое. Воспоминания. Очерки и статьи. М., «Музыка», 1972.

• 30 января — 70 лет со дня первого представления (1904) пьесы А. П. Чехова «Вишневый сад» на сцене Московского Художественного театра.
• 31 января — 50 лет назад (1924) II съезд Советов СССР утвердил первую Конституцию СССР.

С. САФАРЯН (p. 1923). Саят-Нова (Певец любви). 1963. Холст, масло. 230x170. Картинная галерея Армении. Ереван.

ФЕВРАЛЬ 4 5 6 7 8 9 10 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

КОТОВСКИЙ ЛЮБИЛ МУЗЫКУ

Красного комбрига Григория Ивановича Котовского я впервые увидел осенью 1919 г. Был я тогда военным капельмейстером и политруком музыкантской команды 58-й стрелковой дивизии. Конечно, имя Котовского приходилось слышать мне и раньше, знал я и легенды, ходившие о нем. Но познакомился с ним впервые в Умани, в штабе Реввоенсовета Южной группы войск 12-й армии, куда был послан по служебным делам.

Узнав, что я капельмейстер дивизионного оркестра, Котовский охотно поделился со мной своей мечтой — создать в бригаде духовой оркестр. Высоченную фигуру Котовского, его добрую ослепительную улыбку я запомнил на всю жизнь.

Храбрейший из храбрых командиров, Григорий Иванович Котовский стал героем многих книг, стихов, кинофильмов. Его имя широко известно в нашей стране. Но мало кто знает, что Котовский был также музыкально одаренным человеком.

Сестра его вспоминает, что Гриша еще в раннем детстве проявлял большие музыкальные способности. Мальчиком он крепко полюбил песни и веселые танцы своего родного молдавского народа. В праздничные дни Григорий часто приходил на «жок» (гуляние), вместе с товарищами отплясывал «булгаряску», потом просил музыкантов учить его играть на трубе и кларнете. Впоследствии Григорий Иванович прекрасно исполнял на этих инструментах технически сложные молдавские «дойны» — народные песни...

О героическом своем командире мне много рассказывали его конники. Бывало, на привале, после сражений и тяжелых переходов, во время отдыха бойцов, Котовский брал в руки кларнет или трубу и играл им задушевные родные напевы. И трудно было оставаться равнодушным к тому мягкому, красивому наигрышу.

Любовь к музыке осталась у Григория Ивановича на всю жизнь.

По инициативе Котовского был в дальнейшем сформирован военный оркестр. Комбриг очень заботился о нем, любил его, гордился им. И часто сам играл на кларнете в этом оркестре.

* * *

Жизнь, где бы ни сказалась; правда, как бы ни была солона; смелая, искренняя речь к людям.., — вот моя закваска, вот чего хочу и вот в чем боялся бы промахнуться. Так меня кто-то толкает и таким пребуду.

Тончайшие черты природы человека и человеческих масс, назойливое ковырянье в этих мало изведанных странах и завоевание их — вот настоящее призвание художника... В человеческих массах, как в отдельном человеке, всегда есть тончайшие черты, ускользающие от хватки, черты, никем не тронутые; подмечать и изучать их в чтении, в наблюдении, по догадкам, всем нутром изучать и кормить ими человечество, как здоровым блюдом, которого еще не пробовали. Вот задача-то! восторг и присно восторг!

Д. ГОБЕРМАН. Росписи гуцульских гончаров. Л., «Искусство», 1972. И. БОГУСЛАВСКАЯ. Русская народная вышивка. М., «Искусство», 1972.

А. ДЕЙНЕКА. Иллюстрация к книге н. Асеева «Кутерьма»

Встречи с Мейерхольдом

Однажды осенью 1928 г. В. Маяковский неожиданно предложил нам: «Хотите оформить четыре первые картины моей новой пьесы «Клоп» в театре Мейерхольда?»

Нам нравилась необычность и новизна приемов, вводившихся Мейерхольдом в театре. Он уничтожил невидимую границу между сценой и зрительным залом, актеры проходили через зал мимо нас. Зрители как бы сами участвовали в спектакле. Он снял занавес — это тоже было ново. Каждая постановка приносила какую-нибудь неожиданность, острая выдумка доставляла радость.

...Мы соглашаемся. Маяковский просит завтра прийти в театр — будет читка пьесы.

Пьеса прочитана. Мы в последний раз высказываем свои сомнения: справимся ли с предложенной нам работой. Но Мейерхольд с улыбкой успокаивает:

— Все оформление надо будет делать главным образом из настоящих вещей, купленных в магазинах, чтобы зритель увидел на сцене те самые вещи, которые он покупает для себя, в свой дом. Надо ударить по пошлости, наводнившей наш рынок.

Чтобы удобнее было искать гримы, мы сделали шаржи на всех актеров. Мейерхольд считал это правильным, так как шарж давал остроту образа данного человека, и это позволяло нам варьировать поиски грима и костюмов.

Сняв пиджак, в сером полосатом вязаном джемпере, Мейерхольд обычно сидел в зале, ряду в десятом. Перед ним стоял столик и висел колокольчик, рядом находились помощники. Идет репетиция. Сцена свадьбы. Мейерхольд внимательно следит за каждым словом, за каждым жестом артиста. Но вот зазвенел колокольчик, Мейерхольд кричит: «Стоп!» — и, ссутулясь, быстро идет, почти бежит на сцену.

С большим юмором и достоверностью показывал Мейерхольд, как нетрезвый парикмахер на свадьбе завивает волосы. С вилкой в руке, приблизившись к посаженной матери он, манерно выкручивая пальцы, на высокой ноте, заплетающимся языком, говорил:

— Нет, мадам! Настоящих кучерявых теперь, после революции, нет... Шиньон гофре делается так... берутся щипцы...

На премьере «Клопа» зрители кричали: «Мейерхольда!..

Маяковского!..»

Актеры за руки вывели на сцену режиссера и автора. Мейерхольд стоял в черном костюме; и его встрепанная седина, и острый взгляд умных серых глаз, и улыбка, и красивые руки — все уже было теперь хорошо нам знакомо.

Перед зрительным залом стоял хорошо знавший жизнь, беспокойный, вечно ищущий нового, талантливый художник.

Глиняные звери

Игрушки таджикского мастера Гафура Халилова (кишлак Бафой близ Ура-Тюбе) восходят своими истоками к самой глубокой древности. Круг сюжетов мастера вполне традиционен. Однако у него нет ни одной игрушки, которая повторяла бы другую.

Иногда в игрушке Халилова легко узнаются козленок, лошадка, черепаха. Иногда же довольно трудно определить, кто изображен мастером. Обычно это сказочные фантастические животные.

Народное пластическое творчество всегда перекликается с фольклором. Игрушки Халилова имеют 6-9 см в длину и 9-11 в высоту (уши и рога обычно очень длинны). Цвет росписи яркий, звучный, во всю силу краски. Диву даешься, как это с помощью всего двух-трех цветов анилиновых красителей для шерсти мастер добивается ослепительного декоративного эффекта. Игрушки Халилова не раз демонстрировались на выставках декоративно-прикладного искусства в нашей стране и за рубежом.

* * *

Приятель Россини рассказал как-то знаменитому композитору о том, что один его знакомый собрал коллекцию орудий пыток всех времен и народов.

— А было в этой коллекции фортепьяно? — поинтересовался Россини.

— Конечно, нет.

— Значит, в детстве он не учился музыке...

• 6 февраля — 80 лет со дня рождения (1894) М. Э. Чиаурели, грузинского советского кинорежиссера и кинодраматурга, народного артиста СССР.
• 8 февраля — 100 лет назад (1874) в Петербурге впервые была поставлена опера М. П. Мусоргского «Борис Годунов».
• 8 февраля — 250 лет со дня основания (1724) Российской Академии наук (теперь Академия наук СССР).
• 9 февраля — 100 лет со дня рождения В. Э. Мейерхольда (1874-1940), советского режиссера и актера, народного артиста Республики.

К. САВИЦКИИ (1844-1905). Крючник. 1884. Холст, масло. 69x49. Частное собрание. Москва.

ФЕВРАЛЬ 11 12 13 14 15 16 17 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ПЕРЕДВИЖНИК

Быть может, не было среди рядовых членов Товарищества передвижных выставок за всю его историю человека, который бы так полно воплотил в себе лучшие черты этого славного общества русских художников, как Константин Аполлонович Савицкий. Один из лучших учеников Академии художеств, Савицкий, буквально в последний момент был лишен академическим начальством права участвовать в конкурсе на большую золотую медаль за... «крамолу» — участие в передвижной выставке. Пройдут годы, и Савицкого уволят из училища Штиглица за демократизм. Однако он найдет для себя поле деятельности в Пензе, й его усилиями Пензенское училище станет одним из очагов художественной культуры России.

Но главным, конечно, было творчество этого целеустремленного и талантливого мастера, проникнутое великой любовью к народу. «Ремонтный работы на железной дороге», «На войну», «Спор на меже»... Мы с детства знаем эти картины Савицкого, в которых жизнь трудовой России последней трети прошлого века предстает на редкость полнокровно, выразительно, подробно.

Лучшие произведения К. А. Савицкого — это развернутые повествования, со множеством эпизодов. Недаром художника называют мастером многофигурной композиции. Но иногда он обращался к созданию обобщенного портрета, в котором наиболее полно воплощены черты определенного общественного слоя. Таков «Крючник», этот добрый молодец, высокий, плечистый, ладный, красивый! Все: жест, поза, взор — выражает у него любовь к волюшке, раздолью, дышит удалью и силой. Картина проникнута будто бы и необычным для, творчества Савицкого романтическим настроением, вызывающим в памяти горьковские образы. Но на самом деле все творчество этого художника, так много поведавшего о горестных, тяжелых сторонах народной жизни, проникнуто оптимизмом, верой в народ.

К. А. Савицкий с гордостью говорил, что отечественное искусство, «став... на путь служения народу, завоевало широкое признание и... является почти таким же полным отголоском общественной жизни, как и литература». И мы знаем — в этом благороднейшем завоевании огромная доля принадлежит самому К. А. Савицкому.

АКСАКАЛ ШАКЕН АЙМАНОВ

Его давно называли аксакалом — старым, старейшим деятелем, хотя не было ему еще и 50. В первом томе последнего издания БСЭ об Айманове Ш. К. помещена небольшая заметка и его фотография в роли Тихона из спектакля «Гроза». Перечислены роли, исполненные им в театре: Ахан-сере, Кобланды, Исатай, Кодар, Петруччио. Но все это было в первом, театральном периоде творческой деятельности Ш. Айманова.

Он был уже признанным аксакалом национального театрального искусства. И, бросив все это, переходит в кино. Биография Шакена Айманова в кинематографе — это история зарождения и становления казахского киноискусства. Он снимался в первых казахских фильмах «Райхан», «Песни Абая», а в фильме «Джамбул» блестяще исполнил заглавную роль великого акына Джамбула.

Шакен всегда находился в творческой форме, еще до научала съемок ясно видел и четко представлял себе каждый кадр, каждую мизансцену, поэтому на съемочной площадке не тратил времени на импровизации. Когда он приступал к съемкам нового фильма, его творческое состояние, его готовность была в такой степени, что, как говорят кинематографисты, «фильм был готов, оставалось только отснять!».

Лучшие его фильмы — «Земля отцов» — по сценарию Олжаса Сулейменова и «Конец атамана» — по сценарию А. Михалкова-Кончаловского и Э. Тропинина.

Следующей работой должна была стать экранизация романа «Абай» классика казахской литературы Мухтара Ауэзова. Все последние годы готовился Айманов к этой ответственнейшей работе и все останавливался, все не решался подступиться к. ней вплотную... И не успел.

Аксакал казахского кино, он погиб в 56 лет, так и не успев стать аксакалом по возрасту.

...На киностудии «Казахфильм», где раньше был рабочий кабинет Айманова, теперь его музей. По Бухтарминскому морю ходит теплоход, на борту которого начертано «Шакен Айманов».

Дом поэтов. Мураново. Автор теиста Н. Грамолина. М., «Советская Россия», 1972. Памятники архитектуры Ленинграда. Л., Стройиздат, 1972.

БЕНВЕНУТО ЧЕЛЛИНИ. Солонка

* * *

...Я гораздо больше горжусь тем, что, родясь простым, положил своему дому некоторое почтенное начало, чем если бы я был рожден от высокого рода...

...Я изо всех моих сил старался одинаково орудовать во всех... художествах.

КАК РОДИЛАСЬ ОПЕРА

На рубеже XVI и XVII вв., в 1600 г., во Флоренции, которой правили герцоги Медичи, происходила пышная свадьба. Гостям было предложено необычное зрелище: группа флорентийских любителей вместе с придворными музыкантами разыграла древнегреческое сказание об Орфее и Эвридике. Действующие лица произносили вокальные монологи или обменивались репликами в какой-то совсем новой манере. Казалось, актеры просто говорят нараспев под аккомпанемент лютен. Это был особый род пения — мерного и протяжного, в котором отдельные мелодические обороты выразительно передавали интонации разговорной речи.

Необычно было и то, что мелодия исполнялась одним певцом и как бы главенствовала над оркестром. До сих пор такое пение существовало только в народе, в простых песнях. Если композиторы хотели эти песни обработать, они излагали их для трех, четырех, пяти голосов. А уж изысканную музыку, тем более сценическую, писали для восьми — одиннадцати певцов и для оркестра, каждый инструмент которого исполнял самостоятельную сложную партию.

Литературный текст при этом почти не доходил до слушателей. А в новом спектакле — «Эвридика» — каждое слово привлекало внимание, каждая фраза казалась особенно значительной. Оркестр, не заглушая певца, придавал его мелодии необходимую полноту гармонии.

Идеей возродить на сцене древнюю греческую трагедию именно в том виде, как она исполнялась античными актерами, увлеклись литератор Оттавио Ринуччини и профессиональные музыканты Флоренции — певцы Пери и Каччини. Им было известно, что музыка занимала в греческих представлениях большое место. Но музыка тех времен исчезла.

Начали прислушиваться к речи, которая звучит вокруг, слушать голоса людей, когда они говорят — гневаясь, скорбя, радуясь или горячо о чем-то упрашивая. И открыли удивительное! Оказалось, музыка заключена в самой речи, в ее интонации, ритме, паузах! Остается только подчеркнуть их выразительность, чтобы родилась вокальная мелодия особого речевого склада, которую в кружке любителей назвали речитативом (то есть речевой мелодией). Именно она в сочетании с хоровыми и танцевальными сценами дала возможность создать в «Эвридике» целостное музыкальное действие.

Одним из первых оценил открытие флорентийцев композитор Клаудио Монтеверди. Он создал оперу «Орфей» (1607). Великолепное мастерство композитора наложило отпечаток на все: в «Орфее» хоровые сцены по сравнению с «Эвридикой» шире и значительнее, оркестр живописнее. Монтеверди включил в него самые различные инструменты и написал к спектаклю оркестровое вступление, рисующее контрастные настроения — веселье свадьбы и глубину скорби Орфея в подземном царстве. Впоследствии такие вступления (увертюры) всегда предпосылались музыкальным спектаклям.

Речитативы приобрели у Монтеверди особенно большую драматическую выразительность. Но и это не удовлетворило композитора. Чтобы передать всю силу человеческих чувств, мелодия должна была литься, захватывая и завораживая своей красотой слушателя. Монтеверди ввел поэтому в спектакль арии, то есть мелодии, требующие широкого дыхания и мастерского владения голосом.

Так началась жизнь нового театрального зрелища — оперы («орега» по-итальянски — сочинение, труд).

• 14 февраля — 80 лет со дня рождения В. Б. Вагаршяна (1894-1959), армянского советского актера, режиссера и драматурга, народного артиста СССР.
• 14 февраля — 400 лет со дня смерти Бенвенуто Челлини (р. 1500 — ум. 1574 или 1571), итальянского скульптора, ювелира и писателя.
• 15 февраля — 60 лет со дня рождения Шакена Айманова (1914-1970), казахского советского кинорежиссера и актера, народного артиста СССР.
• 15 февраля — 70 лет со дня рождения (1904) Л. П. Александровской, белорусской советской певицы, режиссера, народной артистки СССР.

И. ЗАРИНЬ (р. 1929). Песня. 1967. Холст, масло. 200x180. Третьяковская галерея. Москва.

ФЕВРАЛЬ 18 19 20 21 22 23 24 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

В. КУЗНЕЦОВ. На защиту Москвы

Под испанским небом

Много раз я видел «Чапаева», и до войны и после, но навсегда останется в моей памяти тот теплый вечер в предместье Мадрида, в королевском парке Эль-Пардо, когда на белом полотне экрана, натянутом под открытым небом, взметнулись клубы пыли и откуда-то из-за бугра прямо на нас вылетел на тройке Чапаев.

О, с каким азартом, с каким восторгом встретили его здесь, на испанской земле, в колонне Листера, с бойцами которой смотрел я эту картину, — на следующий день им предстояло выступить на Сарагосу. Как близко принимали бойцы каждый кадр! Как чутко они реагировали на каждую реплику! Казалось, что сам Василий Иванович поведет их завтра в бой.

Помните эту ночную встречу — Василий Иванович склонился над картой... Петьке не спится. Любуясь своим командиром, он спрашивает Чапая, смог ли бы тот командовать в международном масштабе. И Василий Иванович, смущаясь, отвечает:

— Нет. Не сумею. Языков не знаю!

Но в Испании, где воевали люди разных национальностей, язык Василия Ивановича был близок и понятен всем: Чапай сражался за революцию! Его знали, его любили. Недаром у нас одна из интернациональных бригад носила имя Чапаева.

Я помню и другой просмотр. Было это в мадридском кинотеатре «Капитоль» — тысячами приходили сюда бойцы с переднего края, чтобы посмотреть фильм «Мы из Кронштадта». Помню выступление Долорес Ибаррури перед одним из просмотров.

— Вы увидите сейчас советский фильм, — говорила она бойцам Пятого полка. — Фильм о героической защите Петрограда. Увидите сейчас, как приносили себя в жертву русские трудящиеся ради торжества революции, ради спасения Петрограда. Будем же вести себя так же, как героические русские трудящиеся! Готовы ли вы отдать свою жизнь, защищая наш город?..

И тысячеголосое «Но пасаран!» («Они не пройдут!») прогремело в ответ...

Вряд ли в истории мирового киноискусства найдется другой пример такого непосредственного влияния кино на исторические события, какое имели в Испании 1936-1939 гг. советские фильмы. Наши историко-революционные картины являлись важнейшим оружием политического воздействия на солдатскую массу. Они учили великой ненависти к фашизму. Они приобщали к нашим идеям. Быть может, именно там, на испанской земле, я впервые понял, какое огромное воспитательное воздействие может оказывать киноискусство.

* * *

Совет Министров СССР учредил медали имени выдающегося советского режиссера и театрального деятеля Алексея Дмитриевича Попова.

Медали имени А. Д. Попова — одна золотая и три серебряные — присуждаются ежегодно 23 февраля, в День Советской Армии и Военно-Морского Флота. Совместным решением Министерства культуры СССР, Главного политического управления Советской Армии и Военно-Морского Флота, президиума правления Всероссийского театрального общества ими награждаются творческие работники театров, участвующие в создании спектаклей высокого идейно-художественного качества на героико-патриотическую тему, посвященных защите социалистической Родины, боевым традициям Советских Вооруженных Сил, современной жизни Армии и Флота.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

Будапештский Музей изобразительных искусств сравнительно молод. Его основание связано с юбилейными празднествами, посвященными 1000-летию существования Венгрии. В 1906 г. двери музея открылись для публики. Здание музея выстроено по проекту архитекторов А. Шикеданца и Ф. Херцога в неоклассическом стиле.

В настоящее время в будапештском Музее изобразительных искусств семь отделов: египетский, античный, отделы старовенгерского искусства, старой скульптуры, графики, европейского искусства нового времени, галерея старой живописи. В картинной галерее великолепно представлены почти все западноевропейские живописные школы. Центральное место среди них занимает собрание испанских картин, пользующееся мировой славой. За исключением Испании, в Европе, пожалуй, нет музея, где хранилась бы столь же богатая коллекция произведений испанских живописцев: семь полотен Эль Греко, четыре — Гойи, четыре — Мурильо, три — Сурбарана, два — Веласкеса, работы Кано, Орренте, Эрреры Старшего и многих других.

Итальянский отдел демонстрирует развитие итальянской живописи на протяжении шести веков. Особый интерес представляет собрание фресок. Эпоху высокого Возрождения представляют такие полотна, как «Мадонна Эстерхази» Рафаэля, «Мария с младенцем» Больтраффио, ученика Леонардо да Винчи, работы Тициана, Тинторетто, Веронезе.

Надолго остаются в памяти выставленные в галерее произведения немецких художников XV и XVI вв. Наряду с праздничными, сияющими великолепием красок, ювелирно отделанными работами готических мастеров, здесь находятся шедевры представителей немецкого Ренессанса — «Мужской портрет» Дюрера, серия картин Кранаха и т. д. Многие замечательные произведения украшают коллекции нидерландской, фламандской, английской и французской школ.

Кабинет графики музея не уступает прославленным собраниям Вены, Парижа и Лондона.

Наброски П. А. Федотова

Наброски

Наброски — это быстрые рисунки, в которых карандаш художника схватывает то, что ему потом будет необходимо для работы над задуманным произведением. Вот полотно П. А. Федотова «Сватовство майора».

Пожалуй, ни к одной своей картине художник не сделал столько рисунков-набросков, как к этой. Чтобы точнее воплотить замысел, Федотов тщательно подбирал людей, похожих на задуманных им героев будущей картины. На рынках старого Петербурга и в торговых рядах он искал старух, с которых мог бы писать образ свахи.

Но наброски художники делают, не обязательно только готовясь написать какую-то определенную картину. Они зарисовывают все, что привлекает их внимание, что кажется интересным, что может понадобиться когда-нибудь потом.

У Федотова есть и очень живые наброски: «как люди ведут себя на холоде» или «как люди садятся».

Альбом и листки, заполненные беглыми рисунками, — это кладовая художника.

УМ, ЗНАНЬЕ, СИЛА

• 20-25 февраля 1948 — Трудящиеся Чехословакии одержали историческую победу над реакцией. Торжество народной демократии.
• 21 февраля — 100 лет со дня рождения Д. И. Гулиа (1874-1960), абхазского советского писателя.
• 23 февраля — День Советской Армии и Военно-Морского Флота.
• 24 февраля — 70 лет со дня рождения (1904) В. А. Сперантовой, советской актрисы, народной артистки СССР.

И. КЕЛЕР (1826-1899). Девочка у родника. 1858-1862. Холст, масло. 41x54. Художественный музей Эстонской ССР. Таллин.

ФЕВРАЛЬ 25 26 27 28 1 2 3 МАРТ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Его творения настолько проникнуты чешским духом, духом чешской истории и духом чешского народа, чешской природы, чешской жизни, что ими чешский человек лучше всего уяснил себе свою чешскую сущность, свой национальный характер... В его музыке, в апофеозе «Либуше», в последних двух частях «Моей родины» слышалось и пророчество о счастливом, прекрасном и славном будущем, ободрявшее и укреплявшее чехов в их борьбе и указывавшее им путь к цели. Ввиду всего этого значение Сметаны в жизни чешского народа является таким большим и совершенно исключительным, а это ведь было вообще уделом немногих из композиторов.

КЛАССИК ЧЕШСКОЙ МУЗЫКИ

Вся жизнь и многообразная деятельность Сметаны, основоположника чешской классической музыки, были тесно связаны с освободительной борьбой родного ему чешского народа. В этой борьбе композитор нашел и источник вдохновения, и сюжеты для своих произведений.

Сметана родился в городке Литомишле. Уже в гимназические годы Сметана стал музыкантом. Этого он добился самостоятельно: кроме отца, сообщившего ему первоначальные сведения, у него не было учителей.

В 1848 г., в период пражского восстания, Сметана участвовал в уличных боях и написал «Песню свободы», марши, «Торжественную увертюру». Реакция, наступившая после подавления революции 1848 г., особенно свирепствовала в Чехии. Несколько лет композитору пришлось провести за границей. Вернувшись на родину, композитор всецело посвятил себя родной культуре.

Он был руководителем и дирижером мужского хора «Глагол Пражский», участвовал в создании музыкальных школ, выступал в качестве пианиста и дирижера симфонических концертов. Был он одним из зачинателей национального театра и состоял дирижером чешской оперы.

Все это не отвлекало Сметану от главного — его композиторской деятельности. В 1866 г. состоялось первое исполнение его комической оперы «Проданная невеста», прославившей имя автора во всем мире. Опера привлекает прежде всего яркой народностью. Простая мелодичная музыка радует свежестью и жизнерадостностью, меткостью характеристик.

Творческий подъем композитора был так велик, что даже внезапная глухота, постигшая Сметану в 1874 г., не прервала его композиторской деятельности.

Последнее десятилетие его жизни было отмечено созданием известного цикла симфонических поэм «Моя родина», ряда комических опер, широко популярных квартетов «Из моей жизни»..

Лучшие произведения Сметаны написаны рукой композитора-реалиста, прочно связанного с народным творчеством.

А. Н. ВЕРСТОВСКИЙ

«Если музыка должна быть языком души, если точное выражение чувств и положения действующих лиц составляют высокое достоинство музыкального произведения, то музыка г. Верстовского — превосходна!» — эти строки из рецензии писателя С. Аксакова красноречиво говорят об отношении современников к творчеству композитора. Его романсы, куплеты из водевилей, а затем и арии из опер распевала буквально вся Россия...

Родился Алексей Верстовский в тамбовском поместье Верстовских. Невзирая на яркие музыкальные данные (в одиннадцатилетнем возрасте Верстовский выступал в открытом концерте), родители определяют сына в Петербургский институт корпуса инженеров путей сообщения. Но Верстовского больше привлекает музыка. Растет и интерес к театру.

Верстовский дружит с Алябьевым, с летописцем русского театра Араповым. Появляются его переводы французских водевилей, он принимает участие в их постановках, пишет к ним музыку. Разумеется, его отчисляют из института «для определения другой должности». И вскоре действительно Верстовский находит свою главную «должность» на всю жизнь. Он переезжает в Москву и с 1825 г. в течение 35 лет руководит театральной жизнью Москвы. Этот период справедливо называют «эпохой Верстовского».

Находясь в центре театральной жизни Москвы, Верстовский общается с такими деятелями культуры, как Пушкин и Грибоедов, Одоевскйй, Жуковский, Островский. Он непременный участник «аксаковских суббот», посетителями которых были многие известные писатели.

Мелодии Верстовского звучат и в наши дни: мы любим его водевиль «Лев Гурыч Синичкин», оперу «Аскольдова могила», романс «Черная шаль».

Автор 6 опер, множества водевилей, около 800 песен, романсов, куплетов, Верстовский для нас прежде всего создатель национальной романтической оперы, подготовивший своим творчеством появление и расцвет музыкальной классики.

Березняки

Новый жилой район Киева — Березняки — вырос на намывной территории левого берега Днепра и занимает площадь в 236 га. По периметру района расположены 16-этажные крупнопанельные жилые дома с цветными лоджиями, которые выделяются на фоне белых стен.

Гладкие торцы этих зданий, как бы приподнятые над землей своеобразными опорами, четко ограничивают проезжую магистраль. Сочетание 16-этажных башен и протяженных 9-этажных зданий создает интересную композицию. Внутри квартала свободно размещаются школы, детские сады и поликлиники, большие озелененные пространства с молодыми посадками и зеленым ковром газонов; уютны внутренние дворики с детскими и хозяйственными площадками.

Одновременно с жильем здесь возводятся и культурнобытовые учреждения. Небольшие 2-этажные здания общественно-торговых центров украшены декоративной мозаикой по национальным мотивам. Березняки еще строятся. Пройдет немного времени, и в центре района вырастут Дом быта и кинотеатр, универсам и гостиница, а в будущей парковой зоне разместится большой спортивный комплекс.

На Третьем Всесоюзном смотре достижений советской архитектуры, посвященном 50-летию образования СССР, авторам проекта жилого района Березняки — С. Шпильту, В. Гречине, Г. Блиновой и В. Козловой — был присужден диплом второй степени.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

Возникновение Якутского республиканского музея изобразительных искусств имени М. Ф. Габышева относится к 1928 г., когда при Якутском краеведческом музее была открыта картинная галерея. Основу ее коллекции составили картины, подаренные Третьяковской галереей. Самостоятельный музей был создан в 1946 г. В отделе русского искусства находятся портреты кисти В. Тропинина, В. Маковского, пейзажи И. Айвазовского, И. Шишкина, А. Куинджи, И. Левитана, Н. Дубовского, В. Поленова, К. Коровина, В. Бакшеева, К. Юона, П. Петровичева.

Богат отдел советского искусства. Национальный колорит музею придают работы якутских живописцев, скульпторов, графиков, мастеров декоративно-прикладного искусства.

В 1962 г. возникает филиал музея, в котором экспонируются произведения западноевропейского искусства XVI-XX вв. Эта богатая коллекция — плод многолетнего, неустанного поиска и труда одного из активных организаторов Советской власти в Якутии, крупного ученого, профессора М. Ф. Габышева (1902-1958). Увлеченность, прекрасное знание истории искусств плюс чутье прирожденного собирателя помогали ему порой под слоем грязи, потемневшего лака, поздних наслоений угадывать руку большого мастера. «Произведения живописи, их возрождение приносят столько радости, что на это не жаль месяцев и даже лет кропотливого труда и поисков», — говорил Михаил Федорович. По его завещанию коллекция была передана в дар трудящимся Якутии. В 1970 г. музею было присвоено имя М. Ф. Габышева. Теперь земляки Михаила Федоровича могут, не выезжая из родного края, видеть полотна художников Возрождения, творения мастеров Италии, Нидерландов, Фландрии, Франции, Испании, Англии, Германии, знакомиться с творениями Рембрандта ван Рейна, Альбрехта Дюрера, Жака Калло.

М. КИСЕЛЕВ. Георгий Нисский. М., «Изобразительное искусство», 1972. Н. ЕЗЕРСКАЯ. Ераиуи Асламазян. М., «Советский художник», 1972. А. ФЕДОРОВ. Евгений Викторович Вучетич. М., «Изобразительное искусство», 1972.

• 25 февраля — 60 лет со дня рождения А. И. Островского (1914-1967), советского композитора.
• 28 февраля — 90 лет со дня рождения Шарифа Камала (Байгильдеев) (1884-1942), татарского советского писателя.
• 1 марта — 175 лет со дня рождения А. Н. Верстовского (1799-1862), русского композитора и театрального деятеля.
• 2 марта — 150 лет со дня рождения Бедржиха Сметаны (1824-1884), чешского композитора, дирижера и общественного деятеля.

Е. СИДОРКИН (p. 1930). Колыбельная. Из серии «Читая Сакена Сейфуллина». 1964. Автолитография. 44x72.

МАРТ 4 5 6 7 8 9 10 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В Киргизии в 1972 г. было 6 театров, в том числе Государственный академический театр оперы и балета, Государственнгч филармония имени Т. Сатылганова. В республике было 1100 киноустановок, 1400 массовых библиотек, свыше 1 тыс. клубов и Домов культуры.

В. ААЛТОНЕН. Мир

ВЯЙНЕ ААЛТОНЕН

Монументалист по призванию, автор выдающихся произведений, в том числе знаменитой композиции «Мир», Аалтонен не передоверял помощникам радость самому рубить камень, с наслаждением обтесывать форму. Стремясь к ясности образа, к совершенству пластической формы, Аалтонен в то же время оставался глубоко эмоциональным художником. Иначе процесс творчества лишился бы для него смысла. Доброта, отзывчивость характера Аалтонена наполняли музыкой человечности его искусство и тогда, когда он создавал свои лирические поэмы о счастье материнства, о любви, о людях творческого труда, и тогда, когда своим творчеством откликался на коренные проблемы эпохи.

Аалтонен так любит своих героев, что возвращается к ним неоднократно. В городе Тампере мне посчастливилось увидеть одну из самых чарующих лирических композиций мастера: милая, трогательная муза легким движением руки касается головы поэта. Так проникновенно решил скульптор памятник классику финской литературы, человеку трудной судьбы Алексису Киви. Вместе с тем монумент — обобщенный образ поэта, которого посещает вдохновение. Композиция эта особенно хороша в ясный летний день, когда лучи солнца, пробиваясь сквозь листву, скользят по лицу музы и заставляют трепетно мерцать бронзу монумента.

Памятник тому же Киви в Хельсинки — в другом роде. Характер «человека в пиджаке» раскрыт изнутри. Голова писателя чуть наклонена, взгляд задумчив и грустен. Вообще увековечение в бронзе, в камне человека-творца — одна из любимых пластических идей Аалтонена. Кроме того, Аалтонен уделяет много внимания образам простых людей. Это и юноша, которого увенчивает богиня свободы, и девушка страны Суоми (Дева Финляндии), это и чудесная Марьятта из «Калевалы».

Сам великий труженик, вышедший из недр трудового народа Финляндии и завоевавший своим творчеством мировое признание, Аалтонен создал многозначительный скульптурный символ «Рука рабочего».

В 1953 г. за статую «Мир» ему была присуждена золотая медаль Всемирного Совета Мира. В 1958 г. Аалтонен был избран почетным членом Академии художеств.

Сады и парки

Сады с правильной геометрической планировкой (регулярной) были известны с давних времен. Чаще всего в плане сохранялись квадрат, овал, прямоугольник. В разных направлениях их рассекали аллеи. О самых ранних садах с такой планировкой упоминается в мифах, рассказывают о них историки и поэты древнего мира.

Более 2500 лет назад в Вавилоне якобы для царицы Семирамиды соорудили «висячие сады». Террасы-уступы были уложены рядами на каменные глыбы, все вместе напоминало огромную зеленую пирамиду. Гидротехническая система приводила в действие каскады и фонтаны.

Древняя Греция подарила миру первые общественные сады, с гимнастическими площадками, с беседками в тенистых аллеях, где состязались в красноречии философы.

Роскошные сады римского полководца Лукулла (I в. до н. э.) положили начало садово-парковому искусству Италии. Среди вечнозеленой растительности на склонах гор располагались небольшие прямоугольные сады-террасы с мраморными лестницами, подводящими к дворцам и виллам.

На Руси также было развито садоводство с регулярной планировкой. Особенно славился дворцовый сад в Измайлове (теперь территория Парка культуры и отдыха). Усадьба по строгой системе была разбита на участки — сады. Дорожки, обсаженные кустами шиповника и красной смородины, связывали между собой все постройки. Сад украшали резные беседки с картинами декоратора и мастера «перспективного письма» Петра Инглиса.

Были известны и «висячие сады», устроенные садоводами в Московском Кремле.

М. ДЕРЕГУС. Катерина. Иллюстрация к поэме Т. Г. Шевченко

ПРОТИВ ЦЕРКВИ

Из протоколов заседания трибунала инквизиции: «Сего 18-го дня июля 1573 года, в субботу. Призванный в инквизицию, перед лицом священного трибунала, Паоло Кальяри из Вероны, проживающий в приходе Сан Самуэле и спрошенный о его имени и фамилии...»

Так начинался судебный процесс, состоявшийся в Венеции над знаменитым художником Паоло Веронезе. Певец праздничной, нарядной и богатой Венеции, этот мастер известен как создатель грандиозных алтарных картин и пышных монументальных росписей. Религиозные композиции принимали в интерпретации Веронезе настолько светский, а порой и антицерковный характер, что навлекали на художника гнев инквизиции. В таких произведениях, как «Брак в Кане», «Пир в доме Симона Фарисея», «Пир в доме Левия», евангельские сюжеты превращены в изображения празднеств и пиршеств.

Последняя из названных картин и послужила причиной вызова Веронезе в трибунал инквизиции. Это полотно первоначально должно было изображать «Тайную вечерю». Однако, как следует из ответа художника на вопрос инквизиции, он довольно произвольно представлял себе евангельский сюжет «Тайная вечеря», путая его с сюжетом «Пир в доме Симона Фарисея». А затем, несколько исправив композицию, он называет ее «Пир в доме Левия». В этом безразличии к содержанию религиозных легенд проявляется гуманистическое свободомыслие человека эпохи Ренессанса. В это время художники стремились в пределах религиозных сюжетов отображать окружающую их действительность, а в образах святых — своих современников. И Веронезе населяет композицию персонажами, имеющими весьма приблизительное отношение к церковной теме. Он рисует «слугу, у которого случайно пошла носом кровь», «шутов, пьяниц, вооруженных немцев, карликов...».

На суде он с легкостью соглашается заменить изображение собаки фигурой Марии Магдалины. Исполненный веры в возможности собственного разума, в то, что человек является центром вселенной, Веронезе заявил инквизиторам: «Я пишу картины со всеми теми соображениями, которые свойственны моему уму, и сообразно тому, как он их понимает».

Е. ГУЛЬЯНЦ. Сказка о Золушке, балете и музыке, или необыкновенные, но вполне правдоподобные приключения Золушки. По сказке Шарля Перро. М., «Сов, композитор», 1972. «Большой театр Союза ССР». Составитель М. Чурова. М., «Сов. композитор», 1973.

• 8 марта — Международный женский день.
• 8 марта — 80 лет со дня рождения Вяйне Аалтонена (1894-1966), финского скульптора.
• 9 марта — 160 лет со дня рождения Т. Г. Шевченко (1814-1861), украинского поэта, художника, революционера-демократа.
• 10 марта — 35 лет со дня (1939) открытия XVIII съезда ВКП(б).

А. ЧЕРНЫШЕВ (1824-1863). Шарманщик. 1852. Холст, масло. 41,2x49,4. Третьяковская галерея. Москва.

МАРТ 11 12 13 14 15 16 17 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

«Истинный и симпатичный талант»

Русский художник Алексей Филиппович Чернышев прожил недолгую жизнь. Несколько картин, рисунки — вот все, что он успел создать. Может быть, в этих работах даже не успел полностью раскрыться его «истинный и симпатичный талант, полный — по словам В. В. Стасова — юмора, наблюдательности и правдивого чувства».

Все наиболее значительные картины Чернышева написаны им в первой половине 1850-х гг. В это время в русской живописи уже утвердился бытовой жанр. А. Ф. Чернышев воспринял от Венецианова «бесхитростное воззрение на натуру», интерес и любовь к своим персонажам — обитателям петербургских окраин, «бедным людям», которым посвятил раннюю повесть Ф. М. Достоевский.

На картинах Чернышева «Рынок в Петербурге» и «Уличные музыканты» столица николаевской России предстает не в парадном обличье холодных мраморных дворцов и широких проспектов. Петербург Чернышева — город грязных улиц, убогих домов, город бедных тружеников.

В чем-то продолжая своих учителей и предшественников, он вместе с другими жанристами середины XIX в. подготовил появление критического, социально заостренного искусства Перова, Савицкого, Маковского и Репина.

В своих картинах Чернышев не анализирует глубоко современную ему действительность, не выносит ей приговора. Но его правдивое искусство все равно является документом эпохи, раскрывает какую-то сторону общественной жизни России середины XIX в.

Одна из лучших работ А. Ф. Чернышева — «Шарманщик». Картина словно является иллюстрацией к «Петербургским шарманщикам» Григоровича. Вспомним, с какой симпатией рисует писатель одного из этих непременных участников столичных ярмарок и увеселений: «Звуки то заунывные, то веселые вырываются из инструмента, оглашая улицу, между тем как взоры хозяина внимательно устремлены на окна домов; он прислушивается к малейшему крику, зову, и едва встречает приветливый взгляд, как тотчас ставит свою шарманку и начинает играть лучшую пьесу своего репертуара».

Героя картины Чернышева тесным кольцом обступила любопытствующая публика. В толпе особенно выделяется фигура мальчика-подмастерья. Он увлечен созерцанием жалкой обезьянки в ярком мундире, сидящей на шарманке, и не замечает, что тарелка его вот-вот опрокинется — и тогда мальчика ждет, быть может, жестокий нагоняй от хозяина...

«СЛАВЫ РУССКОЙ ЛУЧ»

Знаменитая русская актриса Екатерина Семеновна Семенова — краса и гордость сцены начала XIX в. Какие восторженные слова писали о ней: «Семенова, красавица Семенова, драгоценная жемчужина нашего театра»; «Семенова прелестна: совершенный тип древней греческой красоты».

«Славы русской луч» называл ее Пушкин, он посвятил ей строки в «Евгении Онегине»: «Там Озеров невольны дани народных слез, рукоплесканий с младой Семеновой делил...» Но Пушкин увидел и основное в ярком таланте актрисы. Он писал: «Говоря об русской трагедии, говоришь о Семеновой и, может быть, только об ней. Одаренная талантом, красотою, чувством живым и верным, она образовалась сама собою».

Семенова играла на петербургской сцене с небольшим перерывом с 1803 по 1826 г. Творчество актрисы формировалось под влиянием патриотического подъема в войну 1812 г.

Как дочь крепостной, отданная с десяти лет в Петербургское театральное училище, могла подняться до таких вершин? Ее учителем был известный актер и режиссер И. Дмитревский, первым партнером — прекрасный актер Алексей Яковлев. Она была принята в Императорский театр. Красавица, с великолепной пластикой, с особым мимическим даром, она играла в драмах Шиллера, в трагедиях Шекспира и русского драматурга Озерова. Впоследствии ее лучшими работами стали Клитемнестра в «Ифигении в Авлиде» Расина, Медея в «Медее» Лонжепьера, Федра в трагедии Расина «Федра». Она создавала образы женщин огромных страстей и душевных контрастов. И хотя актриса принадлежала к «школе классицизма», ее игру отличали искренность и жизненное правдоподобие. Своими актерскими средствами (голос контральто, строгий жест и четкость пластического рисунка) Семенова, по словам Пушкина, не один раз «украсила несовершенные творения» драматургии.

Немного юмора

В Лувре американская туристка обращается к продавщице сувенирного киоска:

— Я бы хотела купить снимок Моны Лизы, но только в другой позе.

— Как в другой позе?!

— Ну, хотя бы в профиль.

Казаковское кружево

На первый взгляд Казаково — обыкновенное старинное село, и тем не менее село это известно далеко за пределами Горьковской области.

Родоначальницей его славы здесь по праву считают Ольгу Ивановну Тараканову. Замечательная художница, искусный мастер филиграни и талантливый педагог, именно она в 30-х гг. создала в селе артель художественных изделий.

Искусство филиграни называют на Руси сканью. Техника изготовления скани требует большого, кропотливого труда. Филигрань бывает накладная и ажурная. Чтобы придать изделиям более нарядный вид, мастера применяют в работе зернь, т. е. мелкие шарики. Бывшая артель ныне выросла в современный завод, где работает более 500 человек.

Художники Казаковского завода не только тщательно изучают традиции этого старинного промысла, но и ищут новые пути его развития. В экспериментальной художественной лаборатории и непосредственно на заводе создаются образцы, отвечающие современным вкусам.

ЭСФИРЬ ШУБ

Эсфирь Шуб — признанный мастер киномонтажа; трудному искусству монтировать фильмы учились у нее будущие знаменитые режиссеры Сергей Эйзенштейн и братья Васильевы, Сергей Юткевич и Юрий Тарич.

В историю кино Шуб вошла своими фильмами «Падение династии Романовых» (1927), «Великий путь» (1927), «Россия Николая II и Лев Толстой» (1928). Эти картины режиссер создала на основе архивных материалов и хроники. Смонтированы документальные фильмы Шуб не в их временной последовательности, а в смысловом, эмоциональном сочетании кадров. Логика мысли, страстность, идейная устремленность заставляли по-новому звучать кадры, снятые в другое время и по другому поводу.

В 30-40-е гг. Шуб поставила такие интересные публицистические фильмы, как «Испания» и «Страна родная».

«Наша кинематографическая гордость», — писал о творчестве Сергея Эйзенштейна и Эсфири Шуб Маяковский.

И не случайно выпущенная в 1959 г. книга Шуб «Крупным планом» моментально исчезла с прилавков и столь же быстро разошлось второе, дополненное издание этой книги, вышедшей под названием «Жизнь моя — кинематограф».

Дорифор

Пропорции

За пять веков до нашей эры жил в Греции знаменитый скульптор Поликлет. Он создал статую, названную «Дорифор».

Спокойно и уверенно стоит юный копьеносец. Он только что победил соперника, состязаясь в метании копья.

Скульптор особенно подчеркнул сильные мышцы рук и ног юноши, его широкие плечи. Прекрасное тело Дорифора изваяно с соблюдением пропорций, которые Поликлет считал правильными.

В написанной им книге «Канон» скульптор излагал свою теорию о пропорциях. Он считал, что голова человека составляет 1/7 его роста, лицо и кисть — 1/10, а ступня — 1/6. Древние скульпторы учились у Поликлета умению изображать тело человека. Статую Дорифора они называли каноном, то есть самым правильным образцом.

• 12 марта 1917 — Февральская буржуазно-демократическая революция в России. Свержение царского самодержавия. Образование Петроградского Совета рабочих и солдатских депутатов.
• 13 марта — 125 лет со дня смерти Е. С. Семеновой (1786-1849), русской актрисы.
• 14 марта 1883 — Умер Карл Маркс.
• 15 марта — 80 лет со дня рождения (1894) Б. М. Кербабаева, туркменского советского писателя.
• 16 марта — 80 лет со дня рождения Э. И. Шуб (1894-1959), советского режиссера-кинодокументалиста.
• В этом году исполняется 150 лет со дня рождения А. Ф. Чернышева (1824-1863), русского художника.

АНТОНИС ВАН ДЕЙК (1599-1641). Портрет Яна ван ден Ваувера. Ок. 1632. Холст, масло. 106x83. Музей изобразительных искусств имени Пушкина. Москва.

МАРТ 18 19 20 21 22 23 24 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

АНТОНИС ВАН ДЕЙК

Когда ван Дейк создавал свой «Автопортрет», одну из самых драгоценных картин эрмитажного собрания, он был на вершине славы и признания. Перед этой картиной невольно приходят на память вдохновенные строки, посвященные ван Дейку Фромантеном в его книге «Старые мастера»: он «...был щедро одарен судьбой. Красивый, изящный, обладавший исключительными дарованиями и рано проявившейся гениальностью, он получил прекрасное воспитание и сверх того все то, чем был обязан... своему происхождению».

Секрет обаяния лучших вандейковских портретов — в неповторимом сочетании острой наблюдательности и знания людей с идеальностью представлений художника о человеке. Можно было бы сказать, что почти во всех героях ван Дейка есть частица его самого — изящное благородство, утонченная одухотворенность, артистичность.

Короткая жизнь Антониса ван Дейка была заполнена неустанным трудом. Рубенс, непререкаемый художественный авторитет, называл ван Дейка лучшим и любимейшим из своих учеников. Молодой ван Дейк несколько лет работал в мастерской великого фламандца, сначала на положении ученика, а затем помощника и сотрудника. Скоро, однако, он освободился из-под влияния учителя. Еще до итальянского путешествия (1621-1627) 20-летний художник становится зрелым мастером, которому, казалось, доступно все в его искусстве. В годы пребывания на чужбине ван Дейк не только продолжает учиться — на картинах таких прославленных мастеров, как Тициан, Веласкес, — но и учит сам. Созданный им «большой стиль» портрета стал образцом для последующих поколений художников.

По возвращении на родину (в 1627 г.) ван Дейк становится, вместе с Рубенсом, признанным главой фламандской живописной школы. К этому времени относятся многие из его лучших портретов — Адриана Стевенса и его жены, ученого Яна ван ден Ваувера (ГМИИ, Москва), а также эрмитажный «Автопортрет».

В 1632 г. ван Дейк принимает приглашение английского короля и переезжает в Лондон. Там он живет до самой смерти — если не считать кратковременных поездок на родину и в Париж. Карл I осыпает живописца знаками внимания. Все, о чем мог мечтать художник, — слава, достаток — приходит к нему. Однако в искусстве ван Дейка последних лет жизни появляются ноты усталости и разочарования. Не успевая справляться с заказами, художник поручает дописывать многие из портретов своим ученикам. Но и в эти годы появляются такие шедевры, как луврский портрет Карла I, эрмитажный портрет Уортона или детские портреты, непревзойденные по тонкости и красоте. «Ван Дейк — величайший портретист, который когда-либо существовал» — в этих словах английского художника Д. Рейнолдса дань признательности искусству ван Дейка, которое вот уже более 300 лет продолжает волновать и восхищать.

А. ШОВКУНЕНКО. Портрет артистки М. И. Литвиненко-Вольгемут

Дом-музей Римского-Корсакова

«...Дом наш стоял почти на краю города, на берегу Тихвинки...» — так начинает Н. А. Римский-Корсаков свою «Летопись». Да, именно в этом доме родился будущий композитор. Здесь он делал первые шаги в музыке. Здесь впитал в себя народные песни, отсюда любовался родной природой...

Дом, выстроенный дедом композитора, привлекает своей старинной архитектурой. Ему свыше 160 лет. Сейчас в нем музей Римского-Корсакова, где можно увидеть много вещей, принадлежавших композитору, выставку о его жизни и творчестве, а также услышать его музыку.

Уже в детские годы Римский-Корсаков пробовал сочинять музыку. В 11 лет он написал дуэт для голосов с аккомпанементом фортепиано на стихотворение «Бабочка», взятое из детской книжки...

Особенно нравились мальчику прогулки с дядей Петром Петровичем. Они ходили на Красный луг, где слушали народные песни, которые пели девушки и женщины, работавшие там, на Царицыно озеро, на Тверской шлюз. А старинные русские праздники с их красочными обрядами! Впоследствии воспоминания детства воплотятся в художественные образы чудесной оперы «Снегурочка».

В одном из залов экспонируется рояль Римского-Корсакова. За этим роялем сочинил он большую часть своих музыкальных произведений. На нем играли композиторы «Могучей кучки», П. И. Чайковский.

В доме-музее проводятся «музыкальные пятницы». Перед любителями музыки здесь выступают лекторы-музыковеды, демонстрируют свое мастерство самодеятельные коллективы и профессиональные музыканты. Популярность дома-музея Римского-Корсакова растет с каждым годом.

ПЕСНЯ ДАНИЯРА

У речушки, пересекавшей дорогу, лошади, цокая подковами по мокрым серебристым камням, замедлили ход. Когда мы миновали брод, Данияр подстегнул коней и неожиданно запел скованным, прыгающим на выбоинах голосом:

Горы мои, сине-белые горы,
Земля моих дедов, моих отцов!
 

Он вдруг запнулся, закашлялся, но уже следующие две строчки вывел глубоким, грудным голосом, правда, чуть с хрипотцой:

Горы мои, сине-белые горы,
Колыбель моя...
 

Больше всего меня поразило, какой страстью, каким горением была насыщена сама мелодия. Я не знал, как это назвать, да и сейчас не знаю, вернее, не могу определить: только ли это голос, или еще что-то более важное, что исходит из самой души человека, что-то такое, что способно вызвать у другого такое же волнение, способно оживить самые сокровенные думы.

Если бы я только мог в какой-то мере воспроизвести песню Данияра! В ней почти не было слов, без слов раскрывала она большую человеческую душу. Ни до этого, ни после — никогда я не слышал такой песни: она но походила ни на киргизские, ни на казахские напевы, но в ней было и то и другое. Музыка Данияра вобрала в себя все самые лучшие мелодии двух родных народов и по-своему сплела их в единую, неповторимую песню. Это была песня гор и степей, то звонко взлетающая, как горы киргизские, то раздольно стелющаяся, как степь казахская.

Я слушал и диву давался: «Так вот он, оказывается, какой, Данияр! Кто бы мог подумать?»

Мы уже ехали степью по мягкой, наезженной дороге, и напев Данияра теперь разворачивался вширь, новые и новые мелодии с удивительной гибкостью сменяли одна другую. Неужели он так богат? Что с ним произошло? Словно он только и ждал своего дня, своего часа!

И мне вдруг стали понятны его странности, которые вызывали у людей и недоумение и насмешки: его мечтательность, любовь к одиночеству, его молчаливость. Я понял теперь, почему он просиживал целые вечера на караульной сопке и почему оставался один на ночь у реки, почему он постоянно прислушивался к неуловимым для других звукам и почему иногда вдруг загорались у него глаза, взлетали обычно настороженные брови. Это был человек глубоко влюбленный. И влюблен он был, почувствовал я, не просто в другого человека; это была какая-то другая, огромная любовь — к жизни, к земле...

Когда, казалось, угас последний отзвук песни, ее новый трепетный порыв словно пробудил дремлющую степь. И она благодарно слушала певца, обласканная родным ей напевом. Широким плеском колыхались спелые сизые хлеба, ждущие жатвы, и предутренние блики перебегали по полю. Могучая толпа старых верб на мельнице шелестела листвой, за речкой догорали костры полевых станов, и кто-то, как тень, бесшумно скакал по-над берегом, в сторону аила, то исчезая в садах, то появляясь опять. Ветер доносил оттуда запах яблок, молочно-парной медок цветущей кукурузы и теплый дух подсыхающих кизяков.

Долго, самозабвенно пел Данияр. Притихнув, слушала его зачарованная августовская ночь. И даже лошади давно уже перешли на мерный шаг, будто боялись нарушить это чудо.

* * *

• 18 марта — День Парйжской коммуны.
• 18 марта — 55 лет со дня открытия (1919) VIII съезда РКП (б). 18 марта — 130 лет со дня рождения Н. А. Римского-Корсакова (1844-1908), русского композитора.
• 22 марта — 90 лет со дня рождения (1884) А. А. Шовкуненко, украинского советского художника.
• 22 марта — 375 лет со дня рождения Антониса ван Дейка (1599-1641), фламандского художника.

Д. БАЙРАМОВ (p. 1938). Натюрморт «Искусство». 1969. Холст, масло. 140x120. Союз художников СССР. Москва.

МАРТ 25 26 27 28 29 30 31 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

НАРОДНЫЙ ТЕАТР

В небольшом городе Сергаче Горьковской области нет профессионального театра, но понятие «театральная премьера» привычно сергачанам: здесь с 1959 г. работает самодеятельный народный театр. Велика его роль в культурной жизни района. Он показывает в течение сезона три-четыре новых спектакля. Спектакли идут и на сцене районного Дома культуры и в сельских клубах района.

Руководит коллективом Иван Максимович Кононенко.

Актеры, их в театре 32 человека, люди самых различных профессий. Серафим Васильевич Созин — рабочий «Сельхозтехники», передовой сварщик. В народном театре — 12 лет. Сегодня он играет Тихона Тимофеевича в пьесе В. Розова «Неравный бой», а завтра в сельском клубе (здесь как в любом театре бывают и гастроли) он будет играть немецкого полковника Лансдорфа в спектакле «Щит и меч» В. Кожевникова. В спектакле «Не было ни гроша, да вдруг алтын»

А. Островского он получил роль лавочника Епишкина.

Галина Васцльевна Потапова, учительница средней школы, сыграла около 20 ролей, больших и маленьких; в числе самых любимых и памятных — роль Нилы Снижко в «Барабанщице» А. Салынского.

Часто актерам-любителям задают один и тот же вопрос: хотели бы они работать в профессиональном театре? Они отвечают — нет, потому что любят свою основную специальность. Но работа в народном театре помогает им раскрыть свои способности, лучше узнать жизнь. Благодарность зрителей окрыляет их, придает им силы и уверенность.

М. КОВТУНОВА. Фрагмент скатерти

Неглюбские рушники

Искусство мастериц села Неглюбки — явление уникальное, неповторимое. Только здесь, на Гомелыцине, вдалеке от больших городов, ткут такие декоративные рушники — яркие, многоцветные, длиной более четырех метров. Концы рушников затканы сплошным многокрасочным орнаментальным узором, в котором слились в едином цветовом аккорде лепестки цветов, стебли с бутонами, геометрические фигуры. И не только рушники... Ткут в Неглюбке узорные «постилки» (покрывала), настенные ковры, часто с изображением стилизованных птиц и пышных цветочных гирлянд, скатерти, салфетки.

Все это предметы, необходимые в повседневной жизни. Большие деревянные кровати застилают покрывалами, из-под которых выступают подзоры, вышитые цветным узором и отделанные кружевами. Ткаными рушниками украшают «красный» угол, обрамляют зеркала, портреты. Они к тому же необходимая принадлежность свадебного ритуала.

Все это удивительно органично сливается с современным интерьером сельского дома, с народным костюмом, который сельчане надевают по праздникам.

Каждая из мастериц села, а их в Неглюбке около сотни, работает «по-своему», создает свои орнаментальные узоры. Часто в вышивки вводятся изобразительные мотивы. Скатерть Марии Ковтуновой, где изображен зимний выезд, чередующийся с букетами цветов в вазонах и фигурой охотника с ружьем, украшена красочной каймой в виде трех полос изящного цветочного орнамента. Композиция завершается кружевами. Но наиболее значительное место в ткачестве Неглюбки все же занимают рушники. Искусством неглюбских ткачих восхищались в Москве, Монреале, Париже, в городах Финляндии, Болгарии, Польши, США.

Немного юмора

Молодой автор дал свое произведение на отзыв известному композитору.

— Правильно ли я поступил, вложив столько огня в мое творение? — спросил он, придя за партитурой.

— Нет, — ответил композитор, — благоразумнее было бы вложить творение в огонь.

Все цвета радуги

Оживленно на магистрали Москва — Ленинград. Часто курсируют здесь экскурсионные автобусы. Но случается, возле города Вышний Волочек сворачивают они на тоненькую асфальтовую ленту, ведущую к воротам стекольного завода «Красный май». Туристы спешат полюбоваться собранием художественного стекла в заводском музее.

Район, примыкающий к Вышнему Волочку, исстари является крупнейшим очагом отечественного стеклоделия. Среди 10 стекольных заводов, расположенных поблизости, «Красный май» — наиболее значительный. Основан он в 1859 г. Здесь живут и работают потомственные мастера, передающие из поколения в поколение навыки «стекольного художества».

Красномайское стекло всегда было и остается ярким, цветонасыщенным. Никакое другое из стекольных предприятий страны не использует цвет в оформлении изделий так широко и разнообразно. Играет, искрится прозрачный граненый хрусталь — то чистый как роса, то окрашенный в акварельно-нежные полутона. Лучатся золотистыми искорками изделия из сульфидно-цинкового стекла, украшенные прихотливыми лепными деталями, — кажется, что они еще теплые...

Гордятся на «Красном мае» и умением варить редкое по красоте рубиново-красное стекло. Заводу был поручен важный государственный заказ: изготовить такое стекло для звезд на башнях Кремля. Много усилий, таланта, изобретательности вложили красномайцы в этот труд. Это же алое, радостное по цвету «звездное» стекло применяется здесь для выпуска нарядных ваз, посуды и сувениров.

Сегодня предприятие помимо традиционного ассортимента — праздничной посуды, художественных изделий, электростекла, цветного стекла для мозаик и витражей — выпускает еще оригинальный стеновой материал — профилит, также цветной, украшенный узорчатым орнаментом. Попросту это полупрозрачные стеклянные «доски», из которых можно возводить пропускающие солнечные лучи стены и кровли.

Заводские художники — специалисты по стеклу проектируют новые образцы декоративных изделий. Имена С. Бескинской, А. Силко, В. Хролова, А. Новикова известны у нас в стране; их произведения неоднократно совершали и далекие турне — в Париж и Нью-Йорк, в Монреаль и Осаку, на другие международные выставки и ярмарки — и не раз возвращались на Родину с призами и наградами.

И. САЛЧАК. Танец орла

Блик

Если взять металлический, стеклянный или глиняный кувшин с блестящей поверхностью и поставить на стол так, чтобы на него падал свет из окна, то на освещенной стороне кувшина появится небольшое светлое пятно. Это блик. Он всегда находится на самом освещенном месте любого предмета, играет на лицах, фигурах людей.

В картине маленькое, светлое пятнышко помогает передать игру света и тени и очень оживляет ее.

СНЕЖНАЯ ПЫЛЬ

1923. Роберт Фрост (Перевод с английского)

• 26 марта — 100 лет со дня рождения Роберта Фроста (1874-1963), американского поэта.
• 27 марта — Международный день театра.
• 28 марта — 150 лет со дня рождения А. П. Боголюбова (1824-1896), русского художника.
• 30 марта 1971 — Открытие XXIV съезда КПСС.

А. БОГОЛЮБОВ (1824-1896). Вид с Лебяжьей канавки на Михайловский замок в Петербурге. Не датирована. Масло, дерево. 26,5x41. Русский музей. Ленинград.

АПРЕЛЬ 1 2 3 4 5 6 7 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Уголки Ленинграда

Город красоты удивительной. Ленинград...

Тонкие дуги мостов, причудливая вязь чугунных решеток, золоченые шпили и купола. Кажется, что этот город не построен, а спет. Многие из ленинградских силуэтов стали хрестоматийными. Но если бы даже не было на берегах Невы ни стрелки Васильевского острова, ни Адмиралтейства, ни Летнего сада, все равно Ленинград остался бы неповторимым, потому что не десятки, а сотни архитектурных шедевров спорят здесь меж собой в красоте, изяществе, величии.

«НОВАЯ ГОЛЛАНДИЯ»

Островок со складами корабельного леса вошел в историю Петербурга как выдающийся памятник архитектуры раннего русского классицизма. Это «Новая Голландия» — ансамбль, который и сейчас поражает воображение счастливо найденным сочетанием легкости и основательности.

Его темно-красные кирпичные корпуса открываются от Поцелуева моста — одного из тринадцати, переброшенных через реку Мойку. Когда-то здесь в морских слободах жили рабочие Адмиралтейской верфи. Островок, еще в петровские времена названный «Новой Голландией», омывают Мойка и два канала — Крюков и Круштейна. Поначалу, в 1732-1740 гг., он был обстроен по периметру деревянными сараями, которые во второй половине XVIII в. были заменены каменными складами.

Скромное предназначение «Новой Голландии» не приземлило фантазии архитекторов. В камне островок отстраивался по проекту архитектора С. И. Чевакинского, а проект фасадов и арки, ведущей во внутренний бассейн, предложил Ж.-Б. Валлен-Деламот. Словно волны, взбегают складские корпуса к самому высокому «гребню» — арке, украшенной колоннами из тесаного гранита.

Сейчас неподалеку от «Новой Голландии» высятся краны и корпуса Адмиралтейского судостроительного завода. Когда-то верфи и склады для сушки и хранения корабельного леса были связаны меж собой единым «производственным циклом», теперь их соединяет история: глядя на силуэты строящихся кораблей, думаешь о том великом пути, который прошла наша морская держава.

МЕНШИКОВСКИЙ ДВОРЕЦ

Палаты князя А. Д. Меншикова, которому Петр I пожаловал во владение весь Васильевский остров, соперничали по величине и великолепию с государевыми постройками. Дворец был одним из первых в Петербурге жилых каменных зданий. Его значительность архитекторы Дж. Фонтана и Г. Шедель подчеркнули парадным спуском к Неве. Однако со временем роскошные апартаменты затерялись среди других зданий.

И вот теперь решено вернуть Меншиковскому дворцу первозданный вид. Каким же был он в начале XVIII в.? Никаких чертежей найти не удалось. Тогда сотрудники специальных научно-реставрационных производственных мастерских взяли на себя обязанности археологов.

Во дворце раскрыта анфилада парадных залов первого этажа, своды которых с изумительным разнообразием преломляли падавший из окон свет. Под толстым слоем штукатурки удалось отыскать замурованную дверь, через которую некогда попадали во дворец с набережной. В кабинете князя под декоративным плафоном обнаружена на холсте живописная композиция с портретом Петра I. Реставраторы вдохнут во все эти реликвии новую жизнь.

А когда Меншиковский дворец «помолодеет», в его залах разместится часть коллекций Эрмитажа.

УЛИЦА ЗОДЧЕГО РОССИ

Улица, которую из конца в конец можно пройти за две минуты, по праву считается одной из красивейших в мире. Ее пропорции строги (длина — 220 м, ширина улицы и высота зданий — 22 м), но даже неискушенный глаз может оценить заключенную в них поэтичность. Особенно нарядна сдвоенная колоннада, которая сливается в перспективе.

Улица Зодчего Росси лишь часть грандиозного ансамбля, одним своим концом выходящего на Фонтанку, а другим — на Невский проспект. Центр этой композиции — величественное здание Академического театра драмы имени А. С. Пушкина (бывшей Александринки). Но вышло так, что улица прославилась на весь мир ничуть не меньше театра.

— Мы — с Зодчего Росси! — с гордостью говорят выпускники хореографического училища имени А. Я. Вагановой, которые работают сегодня во всех наших республиках. Прославленную «академию танца» в разное время окончили Анна Павлова и Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина и Вахтанг Чабукиани, Галина Уланова и Константин Сергеев. С улицей Росси связана слава отечественного балета и отечественной архитектуры.

Сиянье ленинградских фонарей

595 застекленных фонарей с «железом и со столбом» — это были самые первые петербургские фонари, положившие более 250 лет назад начало симфонии света на невских берегах.

Санкт-Петербург, родившийся из «тьмы лесов, из топи блат», стал первым русским городом, где начали регулярно освещать улицы. Образец первого уличного фонаря был поставлен в 1720 г. перед Зимним дворцом.

Северная столица завершила войну с сумерками всего через 20 лет после основания. Для этого другим европейским столицам потребовались века.

Фонари стали непременным элементом архитектурного убранства города. Над созданием их работали выдающиеся архитекторы и скульпторы — К. Росси, П. Клодт, А. Монферран, В. Стасов. В реставрированном виде многие из этих фонарей и сейчас украшают Ленинград. Светильники, отлитые по рисункам Карла Росси, стоят перед Елагиным дворцом, на площади Островского, на Иоанновском, Театральном, Большом Конюшенном мостах. Фонари Петра Клодта льют свет на Исаакиевскую площадь.

Говоря о ленинградских фонарях, нельзя не отметить и еще один рекорд. Осенним вечером 1873 г. Одесскую улицу в Петербурге, обычно пустынную и тихую, было не узнать: со всех концов города сюда устремились десятки людей. Каждый хотел собственными глазами увидеть диковинную лампу, изобретенную А. Н. Лодыгиным.

«Скоро из темноты, — вспоминает очевидец, — мы попали на улицу с ярким освещением. В двух фонарях керосиновые лампы были заменены лампами накаливания, изливавшими яркий белый свет. Масса народа любовалась этим освещением, этим огнем с неба».

«Русские свечи» — электрические лампочки Яблочкова — впервые вспыхнули в 1878 г. на разводном Дворцовом мосту. А 4 года спустя будущий изобретатель радио А. С. Попов со своими товарищами осветил и Невский проспект от Адмиралтейства до Фонтанки. Для этого им пришлось смонтировать электростанцию на барке, которая стояла на Мойке.

В газете «Русский инвалид» этому событию была посвящена заметка: «Сначала были пущены в дело все 32 фонаря, расположенные по освещенному проспекту, а на другой день попробовали осветить только одну половину улицы и оказалось, что и этого хватило бы Невскому с излишком». А теперь, когда на главной магистрали города зажигается 525 мощных ртутно-дуговых ламп, вспыхивают сотни ярких реклам, витрин магазинов, прожекторы и софиты освещают всемирно известные памятники архитектуры и скульптуры, никто из прохожих не отмечает избытка света!

В 1914 г. на улицах Петрограда насчитывалось всего 1065 простых керосиновых фонарей, 1440 керосинокалильных ламп, 1180 электрических дуговых фонарей, 1840 ламп накаливания и около 8 тыс. газовых фонарей-рожков.

Сегодня ленинградский «млечный путь» насчитывает около 120 тысяч электрических «звезд». Все это великолепное ожерелье города, который справедливо называют музеем фонарей, автоматика включает всего за 10 минут.

• 4 апреля 1945 — День освобождения Венгрии от фашистских захватчиков. Венгерский национальный праздник.
• 6 апреля — 70 лет со дня рождения (1904) В. В. Меркурьева, советского актера, народного артиста СССР.
• 7 апреля — День геолога.
• 7 апреля — Всемирный день здоровья.

ФРАНС МАЗЕРЕЛЬ (1889-1972). Женщина со снопом. 1945. Картон, масло. 73 х 65.

АПРЕЛЬ 8 9 10 11 12 13 14 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

...Художник нашего времени должен быть выразителем своей эпохи, должен уметь отражать ее лучшие мысли и чувства в наиболее пренрасной форме.

ОСЕТИНСКАЯ ОПЕРА

К началу 70-х годов расцвет музыкальной культуры Северной Осетии достиг такого уровня, что создание самостоятельного оперного театра стало настоятельной необходимостью. Год 1972-й стал годом рождения музыкального театра в столице республики городе Орджоникидзе. Созданный в год 50-летия со дня образования СССР театр избрал для своей премьеры произведение, воспевающее дружбу советских народов, — оперу В. Мурадели «Великая дружба».

Новый музыкальный театр возник не на пустом месте.

Народными талантами здешние края славились исстари; осетинские певцы-сказители из поколения в поколение передавали горские легенды и песни.

В 1940 г. была отобрана группа талантливой музыкальной молодежи, которая составила первую осетинскую студию при Московской консерватории. Тогда завершить свое образование студийцам не удалось: началась война. Однако студия не прекратила своего существования, а, напротив, пополнялась все новыми силами. В конце 40-х и начале 50-х годов первые выпускники Московской консерватории, вернувшись на родину, создали при филармонии оперный ансамбль.

60-е годы стали для оперной труппы периодом творческого становления, накопления репертуара. Были поставлены «Демон», «Кармен», 10 оперетт осетинских композиторов и первая «полнометражная» опера «Азау» И. Габараева.

Идея создания самостоятельного оперного театра весной 1972 г. воплотилась в жизнь.

Версаль. Дворец и парк

Сады и парки

В истории садово-паркового искусства получили известность французские регулярные сады.

В 1654 г. архитектор - садовод Андре Ленотр разбивает недалеко от Парижа прославленный Версальский парк, создав искусственно всю его природу. Строго упорядоченная композиция Версаля была подчинена единому замыслу. Центр композиции — дворец, как символ средоточия неограниченной власти монарха. Из окон паркового фасада можно видеть геометрически четкие линии планировки парка. Главную перспективу парка завершает канал. От канала и других водных бассейнов лучами и параллельно друг другу расходятся аллеи. Специально подстриженные деревья образуют шпалеры и боскеты.

При разбивке парка Ленотр ввел открытые партеры с далекой перспективой. Четкий узор цветников и газонов, обширная водная гладь бассейнов, площадки со скульптурными фонтанами — все это составляет неповторимый облик Версаля.

В России расцвет регулярных садов начинается в петровскую эпоху. Петр I придавал государственное значение строительству приморской резиденции в Петергофе. Сохранились его наброски планировки парка. В композиции ансамбля подчеркивалась идея выхода к морю. Нижний парк с каналом и системой уникальных фонтанов связывает Большой дворец с морем. Яркий ковер газонов и цветников составляет красочный симметричный узор.

однажды...

Бетховен в Дрездене слушал довольно посредственную оперу Паэра «Леонора, или Супружеская любовь». Когда после спектакля Паэр спросил, что думает Бетховен о его произведении, тот ответил:

— Ваша опера настолько мне понравилась, что я, наверно, напишу к ней музыку.

И Бетховен сдержал свое слово: он написал на тот же сюжет оперу «Фиделио»,

несколько цифр

Среди первых радиостанций, построенных в СССР, была Ташкентская, начавшая пробные передачи в 1922 г. В 1927 г. вступила в действие первая широковещательная радиостанция Узбекистана. В 1971 г. в республике имелось уже 1324 тыс. радиоточек. У населения насчитывалось 1708 тыс. радиоприемников.

В 1956 г. был открыт первый в республике Ташкентский телецентр.

За годы Советской власти большое развитие в республике получила сеть культурно-просветительных учреждений. В 1924 г. в Узбекистане работали 83 клуба и 43 библиотеки, в 1971 г. — 3471 клубное учреждение, 5820 массовых библиотек. В 1913 г. на весь Узбекистан было всего 25 киноустановок, в 1971 г. — 3976. До революции в Узбекистане не было профессионального театра. В 1971 г. в республике насчитывалось 24 профессиональных театра.

Д. РОЖКАЛИ. Небо

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

Одно из крупнейших в мире собраний живописи — галерея Уффици — находится в итальянском городе Флоренции. Она размещена в здании, построенном во второй половине XVI в. знаменитым Джорджо Вазари. Сооруженное по приказу великого герцога Тосканского Козимо I из семьи Медичи, это здание было задумано как грандиозный комплекс административных учреждений, что по-итальянски называется Uffizi. В картинную галерею оно превращалось постепенно, начиная с конца XVI в., сохранив название Уффици. Для публики галерея была открыта в 1775 г.

Галерея Уффици — один из старейших музеев. Собранные в ней сокровища тесно связаны с судьбой Флоренции, «колыбели Возрождения», сыгравшей такую важную роль в истории итальянского Ренессанса.

В галерее Уффици оказалось сосредоточенным и сохраненным для потомков все богатство и многообразие итальянского искусства эпохи Возрождения.

Особенность экспозиции галереи: картины размещены не традиционно — по национальным школам, а в общей исторической последовательности. Поэтому рядом с произведениями итальянцев XV в. можно видеть «Триптих Портинари» нидерландского художника Гуго ван дер Гуса или «Портрет отца» Дюрера. Такое расположение картин дает возможность более широко представить ту или иную историческую эпоху.

Экспозицию начинают картины мастеров XIII и XIV вв. — времени перехода от средневекового мировоззрения к новому, гуманистическому. В произведениях Чимабуэ, Дуччо, великого реформатора итальянской живописи Джотто можно уловить новое отношение к миру и человеку, в нем живущему. Среди раздела коллекции, относящегося к XV в., трудно выделить какоелибо одно произведение, так как все они принадлежат выдающимся мастерам — Мазаччо, Фра Анджелико, Учелло, Пьеро делла Франческа, Мантенье и другим. А о творчестве одного из самых пленительных художников раннего Ренессанса — Боттичелли собрание Уффици дает почти исчерпывающее представление. В частности, здесь находятся его прославленные «Весна» и «Рождение Венеры». Среди картин, выполненных мастерами XVI в., особого упоминания заслуживают «Поклонение волхвов»

Леонардо да Винчи, «Св. семейство» Микеланджело, творения Рафаэля, Джорджоне, Тициана, Веронезе и многих других.

• 12 апреля — День космонавтики.
• 12 апреля — Всемирный день авиации и космонавтики.
• 12 апреля — 70 лет со дня рождения В. И. Честнокова (19041968), советского актера, народного артиста СССР.

КАЦУСИКА ХОКУСАИ (1760-1849). Сбор ракушек во время отлива. Ок. 1808. Шелк, кисть.

АПРЕЛЬ 15 16 17 18 19 20 21 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Кадр из фильма «Ленин в 1918 году»

ТИТАНИЧЕСКИЙ ТРУД

Не могу не рассказать одного маленького эпизода — о том, как Щукин впервые вышел из гримировальной комнаты в павильон.

Наша шумная киностудия похожа на вокзал. Вдоль огромных коридоров катится поток людей, тащат какие-то ящики, мебель, проходят маляры, электротехники, бегут помрежи.

Борис Васильевич очень волновался: как он пойдет по коридорам через всю студию до павильона? Ведь это была первая «ленинская» картина! И вот он вышел, вышел стремительной ленинской походкой, и пошел по коридору, не останавливаясь, не оглядываясь, как шел бы сам Ленин на трибуну в Смольном. И каждый встречный останавливался, как завороженный, и смотрел вслед Щукину.

С тех пор, поняв, что этот костюм и этот грим накладывают на него какую-то особую ответственность, он в течение всего съемочного дня ни на секунду не выходил из образа.

Щукин нес в себе образ Ленина и не позволял себе ничем его нарушить. Это чувствовала вся студия. Дни, когда снимался Борис Васильевич, назывались у нас щукинскими. В эти дни был абсолютный порядок, никто не позволял себе шуметь, по коридору ходили на цыпочках. Вся студия жила по-другому в эти дни... Но это стоило ему немалых усилий. Мы безошибочно узнавали, когда Щукин уставал, потому что он сразу же терял сходство с Лениным. Он не мог сниматься больше 4-5 часов.

По картинам «Ленин в Октябре» и «Ленин в 1918 году» мы можем судить, что представлял собою Щукин-актер. В них он развернул свое дарование в необыкновенном, гениальном цветении. Та работа, которую проделал Щукин над образом Ленина, — это пример титанического труда великого советского артиста.

ЖАН РАСИН

Жан Расин — один из трех великих французских драматургов XVII в. (двумя другими были Корнель и Мольер), творчество которых во многом определило развитие те трального искусства во всем мире.

Несмотря на приверженность королевскот власти, Расин пронизывает свои трагедии тираноборчеср ши мотивами. Он был классицистом. Это значит, что - его произведениях на первый план выступает трагич* ский конфликт страсти и долга и что он следует строгим ь эмпозиционным канонам, прежде всего закону трех единств: действия, места и времени. Однако, не нарушая этих канонов, Расин как бы полемизирует со своим предшественником, суровым и, по выражению Пушкина, «величавым» Пьером Корнелем. Он расширяет рамки героической трагедии. И хотя у него, согласно требованиям поэтики классицизма, торжествует долг, но при этом он поэтизирует чувства и страсти, создавая характеры потрясающей силы. В наибольшей степени это относится к характерам женским. Героини Расина (Андромаха, Ифигения, Федра) соединяют в себе человечность и благородство; они несчастны, нежны и трогательны. Таким образом, Расин как бы подготовил почву для психологической драмы.

Прославились такие исполнительницы ролей его героинь, как современницы писателя — Дюпарк и Шанмеле, Адриенна Лекуврер в XVIII в., Элиза Рашель в XIX, Сара Бернар в начале XX. В России в этих ролях с огромным успехом выступали Е. С. Семенова и М. Н. Ермолова. Великолепной Федрой была советская актриса А. Г. Коонен.

ИЗ ПОЭЗИИ БАЙРОНА

ИЗ ДНЕВНИКА В КЕФАЛОНИИ

ТЫ ПЛАЧЕШЬ

Нет, не волшебство белой ночи приманило

На мостах и набережных Ленинграда, у подъездов его зданий обосновалось много «царей животных» и их фантастических собратьев. Так, львы расположились у входа в Русский музей, на спуске к Неве около Адмиралтейства, на парапете выходящей к морю стрелки Елагина острова. Сфинксы — львы с человеческими головами — облюбовали величественную невскую пристань у Академии художеств, Египетский мост через Фонтанку. А грифоны — крылатые львы — Банковский мостик на канале Грибоедова...

В чем же здесь дело? Может быть, как говорили поэты, «волшебство белой ночи приманило» всех этих экзотических зверей, которые столь необычны для северных местностей?

Тысячелетия назад возникли представления о львах как о бдительных стражах от всяческого зла: люди подметили природную особенность этих животных — почти все время бодрствовать. Тогда же скульптурным воспроизведениям четвероногих «часовых» стали придавать еще более грозную внешность, наделяя крыльями или человеческими головами.

Именно по этой причине изваяния сфинксов в Древнем Египте воздвигали главным образом около пирамид — гробниц фараонов. А в Греции, где ценили хорошую питьевую воду, львов называли «охранителями источников» и помещали статуи зверей возле родников и на берегах водоемов.

Архитекторы и скульпторы, украшавшие Петербург-Ленинград, щедро использовали сокровищницу человеческой культуры. Вот почему охранять замечательные городские ансамбли вышли львы, сфинксы и грифоны.

В 1959 г. по сохранившимся рисункам были воссозданы бронзовые грифоны, завершающие полукружия скамей на пристани у Академии художеств. А в 1971 г. новую набережную Малой Невки украсили чугунные сфинксы в золоченых кокошниках, которые находились во дворе старого жилого дома.

Грифоны Банковского мостика

Лев у Русского музея

• 17 апреля 1917 — В. И. Ленин выступил с докладом «О задачах пролетариата в данной революции» (Апрельские тезисы).
• 17 апреля — 80 лет со дня рождения Б. В. Щукина (1894-1939), советского актера, народного артиста СССР.
• 18 апреля — 125 лет со дня смерти К. И. Росси (1775-1849), русского архитектора, градостроителя.
• 19 апреля — 150 лет со дня смерти Джорджа Байрона (1788-1824), английского поэта.
• 21 апреля — 275 лет со дня смерти Жана Расина (1639-1699), французского драматурга.

Н. ТОМСКИЙ (р. 1900). Памятник В. И. Ленину в Берлине. 1970. Гранит. Высота 19 м.

АПРЕЛЬ 22 23 24 25 26 27 28 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Рисунок Н. Жукова

ПЕРВАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА

Примечательна история открытия при содействии В. И. Ленина первой в стране детской музыкальной школы.

Участник этого события А. А. Фомин рассказывает:

«Вскоре после Октябрьской революции у путиловских рабочих возникла мысль: организовать при заводской школе детскую художественную студию. Раньше способные, талантливые дети рабочих не имели возможности развивать свои дарования, теперь же такая возможность была, и мы хотели воспользоваться ею. Школьный педагог-музыкант Михаил Александрович Плотников охотно вызвался помочь нам. Предстояло выхлопотать отдельное помещение для студии, раздобыть рояли, струнные инструменты.

Заручившись согласием исполкома районного Совета, поехали мы с Плотниковым в отдел народного образования. Здесь нас выслушали внимательно, а потом сказали:

— Идею вашу мы одобряем, товарищи путиловцы, но сами понимаете: время сейчас тяжелое, нет ни топлива, ни хлеба... Придется годик подождать!

Услышал такой ответ Плотников и руками развел: ничего, мол, не вышло. А я и говорю ему:

— Поедем, Михаил Александрович, в Смольный, к товарищу Ленину...

Вот приехали... мы в Смольный. Разыскали без особого труда приемную Ленина, докладываем секретарю, по какому делу прибыли...

Должно быть, говорил я довольно громко. Вдруг вижу — дверь сбоку открылась настежь и на пороге показался товарищ Ленин.

— Что, что? — воскликнул он. — Путиловцы пришли? Проходите, товарищи!..

Мы рассказали нашу историю.

— Вы слышите, что путиловцы хотят? — обратился товарищ Ленин ко всем, кто был в его кабинете. — Они хотят создавать свою трудовую интеллигенцию, а им говорят: «Подождите годик!» Никаких промедлений, студию надо организовать!..

Сильно взволнованные таким приемом, мы горячо поблагодарили Владимира Ильича и вышли.

...Для нашей студии подобрали на Рижском проспекте (ныне проспект Огородникова) отличный особняк с хорошим садом. Путиловцы сами приняли деятельное участие в ремонте помещения, доставке музыкальных инструментов. Так было положено начало существованию заводской художественной студии для детей, преобразованной много позже в первую музыкальную студию Ленинграда».

Ю. АВДЕЕВ. Из серии «Шушенское». Пейзаж.

Комната В. И. Ленина в доме Зырянова

ИСТОРИЯ БЮСТА ЛЕНИНА

В 1922 г. рабочие завода «Заксенверк» в Дрездене — Нидерзедлице включились в широкое движение солидарности «Руки прочь от Советской России!». Только лишь на одном «Заксенверке» было собрано более 12 ООО марок.

Московский завод «Динамо» подготовил ответный подарок для рабочих «Заксенверка». Небольшой делегации, прибывшей из Дрездена на митинг в Москву, был торжественно вручен бронзовый бюст В. И. Ленина.

Бюст был установлен на почетном месте в помещении рабочего совета завода и стоял там долгие годы. Пришел 1933 год. У власти — фашисты. Начались обыски, слежка. Нельзя было допустить, чтобы бюст попал в лапы фашистов. Молодой слесарь и сварщик Мартин Краузе, член КПГ, взял сверхурочную смену и вечером, оставшись один, спрятал бюст и марксистскую литературу из заводской библиотеки под половицами в складе, находящемся над цехом. Но надвигалась новая опасность. От плотника он случайно узнал, что склад собираются переоборудовать под гардероб. И снова молодой рабочий попросил мастера поставить его на сверхурочную смену. На этот раз с ним было еще несколько надежных товарищей. Книги они пронесли через проходную под одеждой, бюст удалось передать в темноте через пролом в заборе стоявшему по ту сторону товарищу. Мартин Краузе обернул его тряпками и бумагой и отвез на поезде за 40 км в местечко Криппен, в Приэльбских песчаниковых горах. Здесь у него был небольшой участок. На следующий день он посадил на откосе за домом несколько молодых сосенок. Долгие годы пролежал бюст под землей, защищенный корнями, которые с каждым годом все теснее обвивали его...

В 1954 г. завод перешел в руки рабоче-крестьянской власти ГДР.

ОСТУЖЕВ И МАЛЫЙ ТЕАТР

Много лет назад, еще до революции, молодой артист московского Малого театра Александр Остужев, наделенный талантом, благородной внешностью, сценическим обаянием, великолепными манерами, поразительной красоты голосом, заболел. И в несколько дней потерял слух. Навсегда. Почти полностью. Планы, надежды, будущность, слава — казалось, все рухнуло!

Жить без театра! О нет! Остужев убедил себя в том, что можно дойти до таких степеней совершенства, когда глухота не будет страшна ему. Он знал себя, он рассчитывал на силу воли, на упорство свое, на всепреодолевающий труд. Он верил в дружбу, верил в Малый театр!

И остался актером.

Чтобы сыграть в спектакле роль, даже самую крохотную, он выучивал наизусть всю пьесу. Чего стоило ему произносить свои реплики вовремя, поддерживая живой диалог, делая вид, что он слышит партнеров! Забудь он свой текст — ни один суфлер мира не помог бы ему, как кривое колесо шел бы такой спектакль до конца акта.

Любовь к театру превозмогла все!

Фамилия Остужева появлялась на афишах театра в .продолжение многих лет. И стояла она не в конце, среди лиц без речей, а в начале. Он играл бурных героев Шиллера и Гюго, скупого рыцаря Пушкина, шекспировского Антония, Чацкого.

Незадолго до последней войны, когда ему шел шестьдесят третий год, Остужев сыграл роль Отелло — и так, как уже давно никто не играл ее в русском театре. Два с половиной часа сходился и снова шел занавес. Два с половиной часа театральная Москва стоя приветствовала замечательного актера, который совершил великий художественный и, я бы сказал, великий нравственный подвиг... А потом он сыграл Уриэля Акосту. И опять замечательно! Эти образы в его исполнении вошли в число лучших творений советского драматического искусства. И конечно, в том заслуга Остужева. Но подумаем: много ли на свете театров, которые решились бы оставить в своей труппе глухого верили бы в его силы и довели бы его до триумфа? Мне думается, славные строки вписал Малый театр в свою-историю, и без того уже славную, в тот самый день, когда второй раз поверил в Остужева!

Композиторы — лауреаты Ленинской премии. Серия «Народный университет». М., «Знание», 1971. Музыкальная жизнь Москвы в первые годы после Октября. Октябрь 1917-1920. Хроника. Документы. Материалы. М., «Сов. композитор», 1972.

• 22 апреля 1870 — Родился Владимир Ильич Ленин. День памяти В. И. Ленина.
• 24 апреля — Международный день солидарности молодежи. 28 апреля — Всемирный день породненных городов.
• 28 апреля — 100 лет со дня рождения А. А. Остужева (Пожаров) (1874-1953), советского актера, народного артиста СССР.

П. БИЛАН (р. 1921). К. Маркс. 1970. Холст, масло. 102x84. Киевский филиал Центрального музея В. И. Ленина при ЦК КП Украины.

АПРЕЛЬ 29 30 1 2 3 4 5 МАЙ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Памятник Марксу — на родине Ленина

В Ульяновске, в сквере рядом с площадью Ленина и бывшей гимназией, в которой учился Владимир Ильич, возвышается гранитная фигура мыслителя и борца.

Это памятник Карлу Марксу — один из первых памятников вождю мирового пролетариата.

Создание его непосредственно связано с декретом 1918 г., подписанным В. И. Лениным, «О памятниках Республики», где говорилось о «снятии памятников, воздвигнутых в честь царей и их слуг» и о «выработке проектов памятников... Российской социалистической революции». Совет Народных Комиссаров утвердил список тех, чью память следовало увековечить.

Первым среди них был назван К. Маркс.

30 декабря 1919 г. на заседании Совнаркома под председательством В. И. Ленина был обсужден вопрос о передаче скульптору С. Д. Меркурову заказа на памятник К. Марксу.

Открытие его состоялось в четвертую годовщину Октября — 7 ноября 1921 г. Маркс предстает титаном, сбрасывающим со своих плеч гранитную массу и рвущим путы старого мира.

На тыльной стороне памятника — слова Маркса: «Идеи, овладев массами, становятся величайшей движущей, победоносной силой».

Кадр из фильма

«БОЛЬШАЯ ЖИЗНЬ»

О жизни рабочего класса нашей страны поставлено немало фильмов. К сожалению, удачных картин, показывающих людей труда, талантливо решающих тему труда, не так много. Для того чтобы создать такое произведение, надо не только хорошо знать, как льют сталь или рубят уголь, надо проникнуться прежде всего заботами и помыслами людей труда.

Фильм режиссера Леонида Лукова «Большая жизнь» (первая серия) вышел в предвоенном 1940 г. И Луков и автор сценария Павел Нилин не понаслышке и не наездами изучали жизнь и быт своих героев — шахтеров Донбасса. Они были увлечены темой социалистического соревнования, стахановского движения, показом того, как в рабочем коллективе выковываются новые герои страны — герои труда. Певцом Донбасса можно назвать режиссера Лукова: из шести фильмов, которые он выпустил до «Большой жизни», три были посвящены шахтерам. Да и после этой работы тема «всесоюзной кочегарки» властно вторгалась в картины талантливого режиссера.

Но лучшей была и осталась «Большая жизнь».

Главное, что определяет ценность каждого героя картины, — отношение к труду. Интересные характеры, запоминающиеся, самобытные, неприглаженные! Старый шахтер Козодоев, человек душевный, не мыслящий себе жизни без шахты (актер Иван Пельтцер). А рядом неустоявшаяся натура, могучий, по-детски непосредственный Харитон Валун (Борис Андреев) или весельчак и озорник Ваня Курский (Петр Алейников). Бюрократ-перестраховщик Усынин (Степан Каюков) и волевой, умело направляющий энергию непутевых ребят парторг Хадаров (Иван Новосельцев). Мелодии молодого композитора Никиты Богословского шагнули с экрана в жизнь. До сих пор поют песню «Спят курганы темные...».

«На работу славную, на дела хорошие» шли герои этой песни, герои фильма.

Б. ПРОРОКОВ. Песня свободы

ПЕСНЯ
(Из повести М. Горького «Мать»)

...И вот пришел этот день — Первое мая.

— Товарищи! — раздался голос Павла, звучный и крепкий. Сухой, горячий туман ожег глаза матери, и она одним движением вдруг окрепшего тела встала сзади сына. Все обернулись к Павлу, окружая его, точно крупинки железа кусок магнита.

Мать смотрела в лицо ему и видела только глаза, гордые и смелые, жгучие...

— Товарищи! Мы решили открыто заявить, кто мы, мы поднимаем сегодня наше знамя, знамя разума, правды, свободы!

Древко, белое и длинное, мелькнуло в воздухе, наклонилось, разрезало толпу, скрылось в ней, и через минуту над поднятыми кверху лицами людей взметнулось красной птицей широкое полотно знамени рабочего народа.

Павел поднял руку кверху — древко покачнулось, тогда десяток рук схватили белое гладкое дерево, и среди них была рука его матери.

— Да здравствует рабочий народ! — крикнул он.

Сотни голосов отозвались ему гулким криком.

— Да здравствует социал-демократическая рабочая партия, наша партия, товарищи, наша духовная родина!

Толпа кипела, сквозь нее пробивались ко знамени те, кто понял его значение, рядом с Павлом становились Мазин, Самойлов, Гусевы; наклонив голову, расталкивал людей Николай, и еще какие-то незнакомые матери люди, молодые, с горящими глазами, отталкивали ее...

— Да здравствуют рабочие люди всех стран! — крикнул Павел. И все увеличиваясь в силе и в радости, ему ответило тысячеустое эхо потрясающим душу звуком.

Павел махнул знаменем, оно распласталось в воздухе и поплыло вперед, озаренное солнцем, красно и широко улыбаясь...

Отречемся от старого мира...
 

— раздался звонкий голос Феди Мазина, и десятки голосов подхватили мягкой, сильной волной:

Отрясем его прах с наших ног!..
 

Мать с горячей улыбкой на губах шла сзади Мазина и через голову его смотрела на сына и на знамя. Вокруг нее мелькали радостные лица, разноцветные глаза — впереди всех шел ее сын и Андрей. Она слышала их голоса — мягкий и влажный голос Андрея дружно сливался в один звук с голосом сына ее, густым и басовитым.

Вставай, подымайся, рабочий народ,
Вставай на борьбу, люд голодный!..
 

И народ бежал встречу красному знамени, он что-то кричал, сливался с толпой и шел с нею обратно, и крики его гасли в звуках песни, — той песни, которую дома пели тише других, — на улице она текла ровно, прямо, со страшной силой. В ней звучало железное мужество, и, призывая людей в далекую дорогу к будущему, она честно говорила о тяжестях пути. В ее большом спокойном пламени плавидся темный шлак пережитого, тяжелый ком привычных чувств и сгорала в пепел проклятая боязнь нового...

* * *

В связи с приближающейся 175-й годовщиной со дня рождения Генриха Гейне группа видных западногерманских ученых и писателей предложила назвать его именем университет в Дюссельдорфе — городе, где Гейне родился. Однако университетское начальство отвергло это предложение на том «основании», что Гейне не внес вклада в развитие природоведения и медицины — наук, которые изучает значительная часть студентов. Отцы города также не жалуют своего знаменитого земляка: они уже несколько раз отклоняли предложение поставить в Дюссельдорфе памятник Гейне.

• 1 мая — День международной солидарности трудящихся.
• 2 мая — 90 лет со дня рождения Н. П. Крымова (1884-1958), советского художника.
• 5 мая — День печати.
• 5 мая 1818 — Родился Карл Маркс.

РУДОЛЬФ ПРИБИШ (р. 1913). Памятник Освобождению в Дольни-Кубине. 1964-1965. Деталь.

МАЙ 6 7 8 9 10 11 12 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

СКУЛЬПТОР ИЗ СЛОВАКИИ

Скульптор Рудольф Прибиш родился 19 марта 1913 г. в Райце в семье пряничника. Учился в местной начальной школе, потом в гимназии в Тренчине. В 1935 г. его приняли в Академию художеств. Вторая мировая война застала Прибиша в Словакии. Произведения молодого скульптора «Раненый», «Мать», «Буря», созданные в этот период, выражали протест против фашистского нашествия. В 1944 г. он принимает участие в Словацком национальном восстании.

После освобождения Чехословакии от фашистов Рудольф Прибиш стал одним из основателей «Группы художников имени 29 августа», в составе которой он выставлял свои произведения.

В 1951 г. был открыт его памятник Сопротивлению в Прьевидзе в честь Словацкого национального восстания. В ритме фигур партизан, воинов, крестьянок на барельефе памятника, в сдержанных, почти жестких формах виден новый, уверенный почерк скульптора. Значительное произведение мастера — цикл рельефов на двери памятника Советской Армии на братиславском Славине.

После памятника в Прьевидзе скульптор выполнил и другие монументальные произведения, в том числе памятник Освобождению в Жилине (1955), монумент на Станции переливания крови в Братиславе (1958), памятник Освобождению в Дольни-Кубине (1964-1965).

Однако Прибиш продолжает работу и в малых формах. Он — автор большого количества медалей, отмеченных печатью высокого мастерства.

С 1950 г. Прибиш преподает в Академии художеств. Искусство скульптора было отмечено Государственной премией.

О БОРИСЕ ЛИВАНОВЕ

Работа Ливанова над образом — это работа актера, режиссера, художника и прежде всего необычайно современного, живущего темпами и чувствами нашей эпохи человека.

Вы один из тех, о котором я думаю, когда мне мерещится судьба театра в небывало прекрасных условиях для его расцвета — в нашей стране.

ГИМН РАДОСТИ
(По книге Ромена Роллана «Жизнь Бетховена»)

...Это был замысел целой жизни... Всю свою жизнь мечтал Бетховен воспеть Радость и увенчать ею одно из своих крупных произведений. Всю свою жизнь он искал и не находил точной формы для такого гимна, обдумывал произведение, которое подошло бы для этого. Даже в Девятой симфонии он еще не окончательно решился. До самой последней минуты он все думал отложить «Оду к Радости» до Десятой или Одиннадцатой симфонии.

В тот момент, когда тема Радости вступает впервые, оркестр сразу смолкает, воцаряется внезапная тишина; это-то и придает вступлению голоса такой таинственный и небесно-чистый характер...

...Мало-помалу Радость завладевает всем существом. Это победа, это война страданию. А вот и походный марш, движутся полки — звучит пламенный, прерывающийся от волнения голос тенора, все это трепетные страницы, с которых как будто доносится дыхание самого Бетховена, и вы слышите ритм его дыхания и его вдохновенных призывов, когда он носился по полям, сочиняя свою симфонию, охваченный демоническим исступлением, словно престарелый король Лир во время бури...

Седьмого мая 1824 г. в Вене состоялось первое исполнение Девятой симфонии. Когда Бетховен появился, его пятикратно приветствовали взрывами аплодисментов, тогда как в этой стране этикета императорскую фамилию полагалось приветствовать лишь троекратным рукоплесканием. Понадобилось вмешательство полицейских, чтобы положить конец овациям. Симфония вызвала неистовый восторг. Многие плакали. Бетховен от потрясения после концерта упал без чувств...

Но триумф был мимолетным и практически никаких результатов не дал. Концерт не принес Бетховену ничего! Никаких перемен в его тяжелом материальном положении не произошло. Он остался такой же нищий, больной, одинокий, но победитель — победитель человеческой посредственности, победитель собственной судьбы, победитель своего страдания...
 

Свобода и прогресс — вот цель искусства!

Музыка должна высекать огонь из души человеческой.

Подлинный художник лишен тщеславия, он слишком хорошо понимает, что искусство безгранично.

В ВОЕННЫЕ ГОДЫ...

В дни войны необычайно окрепла дружба между работниками искусства и армией. Замечательная балерина Екатерина Васильевна Гельцер, когда началась война, пришла во Всероссийское театральное общество и сказала, что в такой тяжелый для Родины час не может оставаться в стороне. Гельцер попросила непременно включать ее в состав фронтовых бригад, а ведь она была уже очень немолода.

Мне посчастливилось быть вместе с Екатериной Васильевной в моей первой фронтовой поездке. Нас направили в освобожденный Калинин. Мы выступали в здании, которое давно не отапливалось, в забитые досками окна пробирался мороз. Дали свет от движка, и мы стали готовиться к концерту. Екатерина Васильевна пришла за два часа до начала. Сделала весь комплекс специальных упражнений, загримировалась и надела прекрасный, но такой легкий костюм, что даже при взгляде на него становилось холодно. Но вот она и ее партнер Константин Бабанин торжественно вступили на сцену в Полонезе из «Ивана Сусанина». Столпившись за кулисами, мы не могли оторвать глаз от танцовщицы, после концерта многие пришли из зала к нам, артистам, и долго еще в ледяном здании Гельцер разговаривала с солдатами об искусстве... Я играла тогда прелюдии Рахманинова и Шопена, Токкату Хачатуряна. А в зале сидели солдаты, освобождавшие Калинин.

Обо всем этом думала я 9 мая 1945 г., когда, счастливая, в своем самом красивом платье, пробиралась сквозь ликующую толпу к эстраде на площади Маяковского.

На площади — море людское. Над Москвой — неумолчный праздничный гул. Но те, кто окружил эстраду, слушали очень внимательно. Я играла Прелюдию соль минор Рахманинова и Полонез ля-бемоль мажор Шопена. Очень трудно выступать с фортепианными произведениями на большой площади, над шумящей толпой; но тогда я могла бы играть еще много, много часов подряд...

Вторая жизнь Нике

Статуей Ники, названной археологами по месту находки Самофракийской, восхищаются все посетители Луврского музея.

Здесь прекрасную скульптуру видел В. И. Ленин, и о его впечатлении сообщает в своих воспоминаниях известный революционный деятель Миха Цхакая.

У подножия статуи Ники Самофракийской — символа победы — Ленин шепотом сказал: «Смотрите, дорогой Миха, на это чудо древней эллинской культуры. Изумительное, нечеловеческое создание!»

Сегодня Нике (так произносится ее имя по-гречески) обрела вторую жизнь.

Впечатляет монумент «родной сестры» древнегреческой богини победы, получивший название Нике Варшавской. Памятник (скульптор Мариан Конечный) сооружен к 20-летию освобождения польской столицы от гитлеровских оккупантов. Не крылатое божество — изваянная из бронзы земная женщина, вооружившаяся мечом варшавянка, устремляется вся на бой. «Героям Варшавы», — начертано на граните постамента; эти простые слова обращены к сотням тысяч ее жителей, отдавшим свои жизни в борьбе за свободу.

Нике Самофракийская

Нике Варшавская

• 7 мая — День радио.
• 7 мая — 150 лет со дня (1824) первого исполнения Девятой симфонии Бетховена в Вене.
• 8 мая — День освобождения Германии от гитлеровского фашизма (1945).
• 8 мая — 70 лет со дня рождения Б. Н. Ливанова (1904-1972), советского актера, народного артиста СССР.
• 9 мая — Праздник Победы.
• 9 мая 1945 — Освобождение Чехословакии от фашистских захватчиков. Национальный праздник народов Чехословакии.
• 10 мая — 125 лет со дня смерти Кацусика Хокусаи (1760-1849), японского художника.
• 12 мая — 70 лет со дня рождения В. Т. Лациса (1904-1966), латвийского советского государственного деятеля и писателя.

Н. КРЫМОВ (1884-1958). Утро. 1911. Холст, масло. 63x79. Русский музей. Ленинград.

МАЙ 13 14 15 16 17 18 19 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

БЕССМЕРТНАЯ КОМЕДИЯ

Вряд ли найдется еще одна биография столь противоречивая и бурная, контрастная и яркая.

Карьера Пьера Бомарше была так же головокружительна и быстра, как и падение с «иерархической» лестницы. Учитель игры на арфе у дочерей Людовика XV, стремительно преуспевший делец и политический авантюрист... Потом — тюрьма, судебные процессы, полное разорение.

И в то же время это был человек разносторонне образованный, воспринявший политические и философские взгляды просветителей. Столкновение Бомарше с произволом правительства поставило его в ряды врагов абсолютизма. Бомарше распространил по Парижу написанные им «Мемуары», где с присущей ему дерзостью и иронией вскрывал тайны французского судопроизводства!

После смерти Вольтера Бомарше добился издания произведений великого мыслителя, подвергая себя опасности, так как церковь выступала против Вольтера.

Но подлинное признание и успех принесла Бомарше его трилогия: «Севильский цирюльник», «Женитьба Фигаро» и «Преступная мать».

Наиболее знаменита остроумная и динамичная «Женитьба Фигаро». Искрящаяся комедия была и яркой сатирой на дворянство королевской Франции. Всю боль и гнев своей души драматург отдал бунтарю и поэту, своему Фигаро, утвердив на сцене демократического героя.

Постановка комедии в Париже 27 апреля 1784 г. принесла невиданную славу драматургу, после чего Бомарше был посажен вторично (по приказу Людовика XVI) в тюрьму.

По словам Герцена, «Женитьба Фигаро» — «гениальное произведение... в ней все живо, трепещет, пышет огнем, умом, критикой и, следовательно, оппозицией», она по праву принадлежит мировому театру.

В России у нее такая же богатая сценическая история, как и за рубежом. «Фигаро» был в репертуаре у Сосницкого и Каратыгина, у Щепкина и Мочалова, у Южина и Горин-Горяинова, у Савиной и Коонен. Комедия стала одной из лучших работ Станиславского, который поставил ее во МХАТе, как реалистическую, народную, революционную комедию. И по сей день «Женитьба Фигаро» — на сцене многих театров мира.

Стадион Раздан

Большим событием в жизни столицы Армении было сооружение в рекордный срок (18 месяцев) стадиона Раздан по проекту архитекторов К. Акопяна, Г. Мушегяна, инженера Э. Тосуняна.

Расположен стадион на склоне ущелья реки Раздан. Это — огромная чаша, раскрытая в сторону ущелья, с краями, плавно возвышающимися к западу и спадающими к востоку. Форма стадиона гармонично сливается с природой ущелья, становясь как бы естественной частью ландшафта. Отсюда видна величественная панорама города.

На стадионе нет плохих мест. Создание двухъярусной западной трибуны обеспечило большинству зрителей наилучшие условия видимости, приблизило места к игровому полю. Удачно использован рельеф местности. Около 43% мест расположено на естественном амфитеатре, это экономично и соответствует традиции строительства в Армении.

Все помещения для спортсменов, судей и журналистов расположены по внутреннему кольцу стадиона, взаимосвязаны и имеют свои выходы на арену. Обслуживание арены происходит по углубленному проходу вокруг нее. Зрители к своим местам попадают через просторные кольцевые галереи, вдоль которых расположены буфеты, питьевые фонтанчики.

На стадионе впервые в нашей стране применено освещение ксеноновыми лампами. Впервые и оригинально применена подземная система орошения поля.

На третьем всесоюзном смотре творческих достижений архитекторов к 50-летию образования СССР стадион Раздан получил диплом второй степени.

Р. КАЛЬО. Квартет

несколько цифр

В 1913 г. в Азербайджане было всего 2 театра. Ныне в Азербайджане имеется 12 государственных театров, 2 филармонии и 33 народных театра.

На Азербайджанской киностудии имени Дж. Джабарлы создано много интересных художественных, научных и документальных фильмов.

В 1914 г. в Азербайджане имелось всего 17 киноустановок и только одна — в сельской местности. Общее число киноустановок к концу 1972 г. по сравнению с 1940 г. увеличилось с 426 до 2077.

К концу 1971 г. число клубных учреждений достигло 2214 (в том числе в сельской местности — 1838) и увеличилось по сравнению с 1921 г. в 24,6 раза (в сельской местности — почти в 97 раз).

ПРОТИВ ЦЕРКВИ

Начало 1525 г. — время наиболее острой религиозной и крестьянской борьбы в Германии. В это время в Нюрнберге, одном из главных гуманистических и художественных центров страны, проходит знаменитый процесс над группой художников, которых обвиняют в ереси, атеизме, в том, что они проповедуют свои ложные еретические учения в народе. Процесс этот известен в истории искусств как «процесс безбожников».

На скамье подсудимых оказались нюрнбергские художники — ученики знаменитого живописца и гравера Альбрехта Дюрера: братья Вехам, Георг Пенц и резчик, работавший в мастерской Дюрера, Иеронимус Андреэ.

Художники на допросах подтвердили, что они не веруют ни в священное писание, так как считают его делом рук человеческих, ни в существование Христа. Кроме того, они считали, что вся деятельность священников основана на лжи и лицемерии.

Религиозные сюжеты, остававшиеся ведущими в творчестве мастеров XVI в., в произведениях этих художников почти не встречаются. Народ, крестьянство, их жизнь, быт, настроения, борьба — вот главные темы подсудимых художников, которых в народе прозвали «малыми мастерами». Это прозвище, как нельзя лучше, отражало особое пристрастие учеников Дюрера к малым формам. Работая в гравюре, они все сюжеты изображали как народные сцены, которые печатали на небольших листах и широко распространяли по всей Германии. Их вера в то, что наступит время, когда будут уничтожены все социальные различия, когда все люди станут братьями, особенно раздражала судей. Художники были приговорены к изгнанию из города.

Эти невероятные для того времени мысли могли возникнуть в умах художников, тесно связанных с крестьянской войной 1525 г. Вождь крестьян Томас Мюнцер призывал к установлению на земле свободы и равенства. Его идеи получили широкое распространение не только среди крестьян, но и, как показал процесс безбожников, среди радикально настроенной интеллигенции XVI в.

* * *

Художник Давид выставил одну из своих лучших картин и, смешавшись с толпой зрителей, решил послушать, что о ней говорят. Все зрители выражали свое восхищение, но неожиданно он заметил человека в кучерской одежде, который был недоволен его произведением.

— Мне кажется, что картина вам не нравится? — спросил его художник:

— Не нравится! — отрезал посетитель.

— Но вы посмотрите, ведь возле нее толпится столько народу и все в восторге.

— Не имеет значения. Этот художник невежда. Он нарисовал морду лошади в пене, хотя она не взнуздана. Разве такое возможно?

Давид был поражен. В тот же вечер, когда зал опустел, он пририсовал уздечку.

• 17 мая — 80 лет со дня рождения (1894) Яна Судрабкална, латышского советского поэта и публициста.
• 18 мая — 175 лет со дня смерти Пьера Бомарше (1732-1799), французского драматурга.
• 19 мая — День рождения пионерской организации имени В. И. Ленина.

П. ФЕДОТОВ (1815-1852). Портрет Надежды Петровны Жданович за фортепьяно. Ок. 1850. Холст, масло. 24,5x19. Русский музей. Ленинград.

МАЙ 20 21 22 23 24 25 26 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ЦАРЬ РУССКОГО СМЕХА

Один из критиков назвал его как-то «царем русского смеха». На что актер заметил: не царь, а слуга. Это был Константин Александрович Варламов, слава русского театра, выдающийся комедийный и драматический актер, «дядя Костя», как называла его вся Россия.

С 16 лет молодой актер, сын рано умершего известного композитора Варламова, уже не мыслил себя без театра. В 1875 г., после нескольких лет работы в Саратове, Казани и Нижнем Новгороде, Варламов был замечен — его пригласили в Александринский театр, где работали Савина, а затем Давыдов, Стрепетова, Свободин и другие. И среди этого созвездия он занял свое неповторимое место, место обладателя «великой тайны смеха».

В его репертуаре за 40 лет работы свыше 1000 ролей. Он играл Сганареля в «Дон-Жуане» Мольера, Клюкву в «Много шума из ничего» Шекспира. В разное время играл гоголевских Землянику, Ляпкина-Тяпкина, Осипа и Городничего в «Ревизоре»; Кочкарева и Яичницу в «Женитьбе». Особое место занимал в его творчестве Островский. Варламов сыграл в 29 пьесах великого драматурга. Грознов в пьесе «Правда — хорошо, а счастье лучше», Большов — «Свои люди — сочтемся», Берендей — «Снегурочка»...

Когда актер уже был серьезно болен, стал тучным и малоподвижным, он просто выходил на сцену, садился и говорил с публикой. Какой же силой таланта надо было обладать, чтобы держать в своей власти внимание зрителей!

«Милый, посмотри, — говорил он, — темень, холод... А вышел я на сцену, и тысячи человек вдруг стали улыбаться... И когда я слышу эти взрывы смеха в зале, мне ничего не надо: мне кажется, я сделал свое дело».

Его очень любили. Не только за талант, но и за светлое искусство, которое было глубоко и гуманно.

Волжские напевы

Праздник был необычный — фольклорный. Проходил он в Ульяновске, в городских парках.

Большую сцену заняли пожилые женщины из села Коржевка в длинных старинных сарафанах, вышитых кофтах, цветных косынках. Одна из них начала: «Что там, в лесе, зашумело?» Хор дружно подхватил песню, и полилась старинная мелодия из тех, что звучали когда-то на сенокосе, в жатву, на вечорках-посиделках. На смену ей зазвучала новая — «Зеленый дубочек», и почудилось, что собрались девушки в молодом лесу, перекликаться начали, парней зазывать.

Не менее удачно выступили самодеятельные артисты из села Большое Нагаткино, исполнившие хоровую песню «Посеяли девки лен». Бурными аплодисментами наградили зрители ансамбль ложечников из Сурского района, латышскую группу из села Красная Балтия.

Бегут годы, новые песни входят в наш быт. Но народ не забывает старых мелодий, передает их из поколения в поколение. И среди них немало оригинальных, заслуживающих широкого распространения. Людмиле Зыкиной понравилась волжская песня «Милый мой хоровод», и певица включила ее в свой репертуар. Ряд народных песен обработал композитор П. Сахарцев, живущий в Майнском районе Ульяновской области.

Чтобы возродить фольклор и дать ему новую жизнь, Ульяновский комитет по телевидению и радиовещанию регулярно ведет передачу «Сохрани песню», в которой принимают участие певцы из многих сел области.

В ЯПОНСКОМ ТЕАТРЕ

Кабуки — это традиционный японский театр. Появился он в конце XVI века и до сих пор пользуется огромной популярностью. В репертуаре Кабуки — около трехсот классических пьес и произведений современных драматургов. Девиз актеров — сохранить и донести до зрителей самобытное искусство японского народа.

Труппа театра находится в финансовой зависимости от компании «Сиетику». Она часто испытывает материальные трудности. Боссы «Сиетику» постоянно взвинчивают цены на входные билеты, но большинству актеров платят гроши. В результате несколько артистов покинули в последнее время театр. «Мы горячо любим Кабуки и хотели бы работать в нем всю жизнь, но жить на такую зарплату невозможно», — с горечью заявили они.

Местная печать отмечает, что крайнюю нужду испытывают артисты не только Кабуки. Многочисленные факты свидетельствуют, что в Японии людям искусства нередко приходится подрабатывать, работая по ночам официантами в кабаре, сторожами или уборщицами. Газета «Акахата», к примеру, рассказала своим читателям о том, как балерина К. Кобаяси, чтобы не умереть с голоду, была вынуждена ночами работать чернорабочей в метро.

Судьба Кобаяси характерна для многих талантливых актеров сегодняшнего японского театра.

* * *

Задача искусства не в том, чтобы копировать природу, но чтобы ее выражать. Ты не жалкий копиист, но поэт!.. Иначе скульптор исполнил бы свою работу, сняв гипсовую форму с женщины. Что же! Попробуй сними гипсовую форму с руки своей возлюбленной и положи ее перед собой, — ты увидишь ужасный труп без малейшего сходства, и тебе придется искать резец и художника, которые, не давая точной копии, передадут движения жизни. Нам должно схватывать ум, смысл, облик вещей и существ.

ФРЕСКА «МОЛДАВИЯ»

Есть в Молдавии село Кицканы, живописно раскинувшееся среди лесов и садов на берегу Днестра. До Советской власти оно славилось своим монастырем. За благословением к святым отцам со всех сторон тянулись богомольцы. Сейчас другая слава идет о селе Кицканы — слава о неутомимых тружениках богатейшего в республике колхоза «Красный садовод» и слава о прекрасном произведении искусства, украсившем новый сельский клуб. И снова стекаются в Кицканы паломники — теперь уже на поклон Красоте.

Настенная роспись «Молдавия», сделанная народным художником СССР Ильей Богдеско и графиком Леонидом Беляевым, звучит как гимн человеку и труду.

...Будто золотистое тепло исходит от осеннего сада, раскинувшегося на холмах, подернутых легкой дымкой. От плодов щедрой земли ломятся праздничные столы, радушием и покоем светятся лица людей, встречающих гостей. В широкой панораме росписи предстают перед зрителем образы наших современников. Среди полусотни фигур мы не увидим повторяющихся лиц, каждое из них — законченный образ. Особое очарование своей мягкостью и одухотворенностью придают росписи женские фигуры. В этом произведении три сюжета, объединенных одной идеей. Центральная сцена рассказывает о сердечности и гостеприимстве молдавского народа. Правая часть — приглашение на народное гулянье, левая часть — «Тост». Роспись, исполненная в пастельной гамме красок, украсила стены большой и светлой Каса маре (комнаты для приема гостей).

Нижняя часть фрески представлена двумя фигурами — мужчины, символизирующего неодолимое стремление к высотам познания, и женщины с младенцем на руках, олицетворяющей вечное обновление жизни. Верхнюю и нижнюю части композиции скрепляют пророческие ленинские слова: «Мы придем к победе коммунистического труда».

Контур

На этом рисунке не заштрихованы тени. Тут царит только одна линия, но как она выразительна! Прекрасный белый лебедь стремительным движением изогнул свою гибкую шею.

Это рисунок французского художника Анри Матисса.

Линия, передающая внешние очертания человека, животного или предмета, называется контуром.

Начиная работу над рисунком или картиной, художник прежде всего легкой линией набрасывает контуры человеческих фигур и предметов. В рисунке Матисса контур не просто подсобная линия — художник с большим совершенством передает ею форму, объем и движение лебедя.

* * *

— В антракте пойду и попрошу у швейцара трость.

— Для чего?

— Отдам дирижеру.

— Помилуйте, зачем?

— Этим прутиком, что у него в руках, нельзя заставить оркестр замолчать.

• 20 мая — 175 лет со дня рождения Оноре де Бальзака (1799-1850), французского писателя.
• 21 мая — 100 лет со дня рождения Ш. Н. Дадиани (1874-1959), грузинского советского писателя и театрального деятеля. 23 мая — 50 лет со дня открытия (1924) XIII съезда РКП (б). 23 мая — 125 лет со дня рождения К. А. Варламова (1849-1915), русского актера.
• 25 мая — День освобождения Африки.
• 26 мая — День химика.

В. ПОЛЕНОВ (1844-1927). Эрехтейон. Портик кариатид. (Повторение.) 1887. Дерево, масло. 41x27,5. Частное собрание. Москва.

МАЙ 27 28 29 30 31 1 2 ИЮНЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

В ПОИСКАХ КРАСОТЫ

Современники рассказывают, что залы любого, даже самого темного и мрачного, выставочного помещения преображались, когда на их стенах появлялись пейзажи Василия Дмитриевича Поленова. Казалось, широко распахнули окна и впустили солнечный свет, весеннюю свежесть, прохладу лесов и ароматы полей.

В чем секрет обаяния этих скромных маленьких полотен? «Московский дворик», «Бабушкин сад», «Заросший пруд» — именно они прославили имя художника.

«Московский дворик» занял среди работ Поленова такое же центральное место, как «Грачи прилетели» среди произведений А. К. Саврасова, и наряду с лучшими пейзажами И. И. Левитана и М. В. Нестерова воплотил неповторимые черты родины.

Но прелесть этой работы не только в счастливом выборе натуры. Художник преображает обыденность средствами искусства. Он подчеркивает с помощью композиции черты гармонии и покоя, окутывает мир трепетной свето-воздушной дымкой, открывает прозрачную голубизну теней и делает солнечный свет главным героем картины.

Такая живопись была новаторской для своего времени не только по своеобразию технических приемов, чистоте цвета, но и по новизне мироощущения. Именно после появления «Московского дворика» и других работ Поленова впервые появился термин «интимный пейзаж».

Думается, что, если бы художник не написал ничего, кроме «Московского дворика», он все равно вошел бы в историю русского искусства как основоположник целой ветви пейзажа. Но Поленов оставил после себя множество произведений различных жанров: пейзажей, бытовых и исторических полотен, театрально-декорационных работ. Все они, от крохотного этюда, такого, как «Эрехтейон. Портик кариатид», до огромной картины «Христос и грешница», характеризуются живым творческим началом, тонкостью вкуса, высоким мастерством. В каждом из них художник ищет красоту. Он верит в то, что красота должна стать основой жизни и тогда не станет неправды, насилия, угнетения.

Поленов служит воспитанию чувства прекрасного в современниках не только собственным творчеством. В своей усадьбе «Борок» на берегу Оки он организует народный театр, где актерами, режиссерами и художниками являются крестьяне окрестных деревень. Особенный размах эта его деятельность приобретает после Октябрьской революции.

Поленов по праву получил звание народного художника. Это был человек высоких и благородных устремлений, осуществивший идею служения народу в собственной жизни.

Е. Ф. ГНЕСИНА

Лишь немногим выпадает счастье еще в юности обрести цель, идею, любимое дело и отдать им затем всю жизнь. Среди этих немногих — заслуженный деятель искусств РСФСР, профессор Е. Ф. Гнесина. Из девяноста трех лет, прожитых ею, более семидесяти она бессменно возглавляла музыкальные учебные заведения, которые она же и организовала.

Талантливая пианистка, успешно начав концертную деятельность, вскоре оставляет ее, отказывается от поездки за границу, решив вместе с сестрами посвятить себя педагогике. В начале 1895 г. в одном из переулков старого Арбата открылось Училище для детей и взрослых сестер Е. и М. Гнесиных. Оно быстро зарекомендовало себя как одно из лучших, наиболее передовое и демократичное.

После Великого Октября Советское правительство оценило и поддержало деятельность Гнесиных. В 1925 г. в результате нескольких реорганизаций училище было разделено на техникум и школу при нем, причем учебным заведениям было присвоено имя семьи Гнесиных.

Выявляется новая сторона дарования Елены Фабиановны — дарование общественного деятеля. Она активно участвует в работе музыкального отдела Наркомпроса. С 1940 до 1948 г.депутат Московского Совета.

В 1941-м ей было уже под семьдесят. Это старость. Но не для нее. Жизнь ее была по-прежнему кипуча. Рабочий день начинался с раннего утра и длился до поздней ночи. Возраст выдавал только серебряный ореол пышных волос. Глаза — молодые, живые. Большой умный лоб — без следа морщин. Внешность значительная, располагающая.

В 1944 г., когда на нашей земле еще шла жестокая битва с гитлеровскими полчищами, Советское правительство, отмечая высокие достижения гнесинских учебных заведений, учреждает на базе Училища Музыкально-педагогический институт со специальной средней школой при нем, присвоив новым учебным заведениям тоже имя семьи Гнесиных. С этих пор Елена Фабиановна возглавляла уже целую «семью» из четырех учебных заведений. В 1946 г. для них был выстроен новый дом на улице Воровского.

С 1970 г. в этом доме открыт Народный мемориальный музей-квартира Е. Ф. Гнесиной.

ВЕЛИКИЙ ОСНОВОПОЛОЖНИК

Михаил Иванович Глинка — великий основоположник русской музыкальной классики. Имя Глинки неотделимо от имени Пушкина. В детстве и отрочестве оба они, и Пушкин и Глинка, с глубоким волнением и законной гордостью слушали рассказы о патриотических подвигах русских людей... Подобно Пушкину, Глинка был энциклопедически образованным человеком.¹ Одним из воспитателей Глинки был поэт Кюхельбекер, друг Пушкина. Среди друзей Глинки были декабристы. Юношеские поездки Глинки на Кавказ, на Украину, а затем в Германию и Италию принесли ему много впечатлений, в частности музыкальных. «Тоска по отчизне навела меня на мысль писать по-Русски», — вспоминал Глинка в своих «Записках».

Композитор стремился не к простому воспроизведению народных мелодий, а к постижению народных дум, чаяний и стремлений. В «Иване Сусанине» они воплощены с поистине гениальной художественной убедительностью. Величаво-распевные хоры русских крестьян и воинов-ополченцев, арии Сусанина и дочери его Антониды, наконец, потрясающее богатырской силой «Славься!» — все это возникло из глубин народно-песенного творчества, все это рождено гением Глинки.

Еще до «Сусанина» Глинка создал такие шедевры вокальной лирики, как романсы: «Не искушай», «Не пой, красавица, при мне», а вскоре после «Сусанина» — «Я помню чудное мгновенье». Вторая и последняя опера Глинки — «Руслан и Людмила». В центре «Руслана» художественно-обобщенный образ русского воина-богатыря.

В «Иване Сусанине» и «Руслане и Людмиле» развернулся во всю мощь гений Глинки не только как оперного композитора, но и как великого симфониста. Увертюры и танцы из этих опер, а также марш Черномора вошли в золотой фонд русской симфонической классики, драгоценный вклад Глинка сделал и в последующие годы, когда им были созданы «Арагонская хота», «Ночь в Мадриде» и «Камаринская». Петр Ильич Чайковский, характеризуя его «Камаринскую», писал: «...русских симфонических сочинений написано много... имеется настоящая русская симфоническая школа. И что же? Вся она в Камаринской, подобно тому, как весь дуб в желуде!..»

Алымкул УСЕНБАЕВ-ПЕВЕЦ НАРОДА

Киргизский народ создал золотые россыпи, нестареющие шедевры устной поэзии. В сказках и героических сказаниях, в пословицах и песнях воплотилась его богатая духовная культура. В жизни народа особое место занимали акыны — хранители народных поэтических традиций. Акын — это и поэт, и певец, и сказитель, и импровизатор. Вот таким и был народный акын и народный артист Киргизской ССР Алымкул Усенбаев.

Алымкул Усенбаев родился в 1894 г. в селе Кара Арча нынешнего Кировского района в семье бедняка. На пастбище, на сенокосе, во время работы в поле Алымкул пел свои первые песни. Всюду, где собирался народ, можно было слышать голос начинающего акына. То были песни о ненависти к баям, о нужде бедняка, о слезах угнетенных. И народ горячо полюбил Алымкула.

Алымкул радостно приветствовал революцию. Горячо воспевал Советскую власть, Коммунистическую партию и великого Ленина, которые принесли народу подлинную свободу, осуществили его лучшие надежды.

В годы Великой Отечественной войны акын создавал патриотические песни, звучавшие как боевой призыв.

Алымкул Усенбаев — автор около тридцати книг, объединяющих в себе песни, поэмы, сказки. Многие из его произведений переведены на русский язык.

* * *

Цюрихская книготорговая фирма Шунтес сказала новое слово в своем деле: она стала продавать книги на вес. Чтобы быстрее освободиться от больших запасов нераспространенных книг, фирма торгует ими по 9 франков за килограмм. Любители книг большого формата должны платить больше.

• 28 мая — День пограничника.
• 28 мая — 80 лет со дня рождения Алымкула Усенбаева (1894-1963), киргизского советского народного акына.
• 30 мая — 100 лет со дня рождения Е. Ф. Гнесиной (1874-1967), советской пианистки, педагога.
• 1 июня — Международный день защиты детей.
• 1 июня — 130 лег со дня рождения В. Д. Поленова (1844-1927), русского художника.
• 1 июня — 170 лет со дня рождения М. И. Глинки (1804-1857), русского композитора.

Е. БЕЛАШОВА (1906-1971). А. С. Пушкин. Выполнено в 1955 г. с гипсового экземпляра, находящегося в Пушкинской галерее Царскосельского лицея. Бронза. 112x175x108. Музей А. С. Пушкина. Москва.

ИЮНЬ 3 4 5 6 7 8 9 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

...Пушкин принадлежал н числу тех творческих гениев, тех великих исторических натур, которые, работая для настоящего, приуготовляют будущее и по тому самому уже не могут принадлежать только одному прошедшему.

КОЛЫБЕЛЬ ПОЭТА

Прелесть и поэтичность природы среднерусской полосы нашей Родины с ее мягкостью, простотой, безыскусственностью, с этой ее особенной скромной, неброской красотой и задушевной лиричностью глубоко полюбил, почувствовал и познал Пушкин в Михайловском.

Когда выходишь за домик няни на скат Михайловского холма, просто дух захватывает и щемит сердце от развернувшейся перед глазами панорамы: небольшая речка, два озера, холмы, луга, поля, деревни, пасущиеся стада, а вдали леса и перелески. Волшебная, неповторимая картина, о которой Луначарский писал: «...да, этот кусок земли достоин быть колыбелью поэта и, пожалуй, именно русского поэта».

Летом 1819 г., приехав сюда всего на 28 дней, Пушкин так воспел эту панораму в «Деревне»:

Везде передо мной подвижные картины:
Здесь вижу двух озер лазурные равнины,
Где парус рыбаря белеет иногда,
За ними ряд холмов и нивы полосаты,
Вдали рассыпанные хаты,
На влажных берегах бродящие стада...
 

В 1823 г. в Одессе Пушкин вспоминал этот пейзаж и так описал во 2-й главе «Евгения Онегина» «прелестный уголок», где «скучал Онегин»:

Господский дом уединенный,
Горой от ветров огражденный,
Стоял над речкою. Вдали
Пред ним пестрели и цвели
Луга и нивы золотые,
Мелькали села; здесь и там
Стада бродили по лугам...
 

Прошло еще 12 лет. Много пережил Пушкин за это время, провел здесь годы ссылки. И вот в 1835 г. в чеканных строках стихотворения «...Вновь я посетил» поэт снова возвращается к этому пейзажу, описывая ту же панораму еще с одной точки обзора — вид на озеро Кучане. Однако теперь он уже воспринимает любимый пейзаж созревшим чувством, умом и сердцем.

Меж нив златых и пажитей зеленых
Оно синея стелется широко;
Через его неведомые воды
Плывет рыбак и тянет за собой
Убогий невод. По брегам отлогим
Рассеяны деревни — там за ними
Скривилась мельница, насилу крылья
Ворочая при ветре...
 

«Пушкину не нужно было ездить в Италию за картинами прекрасной природы, — писал Белинский, — прекрасная природа была у него под рукою здесь, на Руси».

ПРОРОК

Н. ИЛЬИН. Иллюстрация к лирике А. С. Пушкина

М. ПИКОВ. Анчар

Н. ПИМЕНОВ. Фрагмент проекта памятника

О памятнике Пушкину

Мысль о памятнике Пушкину впервые возникла в начале 40-х гг. прошлого века. К этому времени относится любопытный эпизод. Директор Царскосельского лицея получил официальный запрос: «По какому случаю поставлен в лицейском саду памятник Пушкину и с чьего разрешения?» Дело в том, что в саду лицея только что отремонтировали небольшой памятник-камень с белой мраморной доской, на которой была позолоченная надпись: «Genio loci» («Гению этого места»). Переполох, поднятый в правительственных сферах по этому поводу, ясно показывает отношение сановной России к поэту.

В 1860 г. в связи с подготовкой к празднованию пятидесятилетия лицея был поднят вопрос о памятнике Пушкину в Царском Селе. Правительство категорически отказалось отпустить средства. Была объявлена всенародная подписка. Но собранная сумма оказалась недостаточной. В это время появились и первые проекты памятника. В проекте скульптора Н. Пименова была интересная деталь: на пьедестале юноша в крестьянской одежде, олицетворяющий русский народ, высекает слова: «Пушкину — Россия». Юноша направляет резец на то место, где должна быть точка. В одном из журналов того времени так разъясняли эту аллегорию: «Когда проснется русский народ, он поставит эту точку за надписью, выведенною критикой и образованным обществом. Он сознает величие Пушкина, приложит свою руку к надписи: «Пушкину — Россия», и тогда только надпись эта будет иметь полный смысл». Пророческие слова!

О памятнике опять вспомнили лишь через 10 лет. В 1871 г. был учрежден специальный комитет. Памятник решено было поставить в Москве. Состоялось три конкурса на лучший проект памятника. Победителем стал скульптор А. Опекушин. На конкурсной выставке в Обществе поощрения художеств им было представлено 6 проектов. Модель, завоевавшая первое место, соединяла в себе, по словам члена комитета академика Я. К. Грота, «с простотою, непринужденностью и спокойствием позы тип, наиболее подходящий к характеру наружности поэта».

Правительство вторично отказалось выделить средства. В газетах публиковались списки жертвователей; среди них были и крестьяне, приказчики, ремесленники, мелкие чиновники. Собрали более 100 тыс. рублей. Собранная сумма была истрачена не вся: часть ее пошла на учреждение при Академии Наук Пушкинской премии, которую и начали выдавать с 1882 г.

Н. КУЗЬМИН. Иллюстрация к «Евгению Онегину»

ИЗ ЛИРИКИ А. С. ПУШКИНА

* * *

• 4 июня — 375 лет со дня рождения Диего Веласкеса (р. 4 или
• 5 июня 1599 — у. 1660), испанского художника.
• 5 июня — 5 лет со дня открытия (1969) в Москве международного Совещания коммунистических и рабочих партий.
• 6 июня — 70 лет со дня рождения (1904) Т. И. Пельтцер, советской актрисы, народной артистки СССР.
• 6 июня — 175 лет со дня рождения А. С. Пушкина (1799-1837), русского поэта.
• 9 июня — День работников легкой промышленности.

ДИЕГО ВЕЛАСКЕС (1599-1660). Портрет инфанты Маргариты. Ок. 1659-1660. Холст, масло. 80x62,5. Киевский музей Западного и Восточного искусства.

МАЙ 10 11 12 13 14 15 16 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ЗАПЕЧАТЛЕННОЕ НАВСЕГДА

В октябре 1623 г. севильскому идальго дону Диего Родригесу де Сильва, носившему, по андалузскому обычаю, фамилию матери — Веласкес, был вручен декрет о назначении его придворным художником короля Испании Филиппа IV Габсбурга.

Суровый, молчаливо-вельможный Мадрид вместо шумной Севильи. Голое кастильское плоскогорье и каменный склеп Эскориала усыпальницы королей, — символ безоглядного самовластия среди выжженной солнцем земли, смесь казармы и церкви с тюрьмой. И дворец Алькасар, где Веласкесу отведена мастерская.

Одной из первых работ Веласкеса во дворце был портрет короля; здесь сразу же было произнесено первое слово приговора, который история уже готовила Габсбургам. Портреты инфанта Карлоса, инфанты Марии, королевы Марианны дополнят картину и расскажут о Габсбургах больше, чем иные фолианты историков.

Словно для того чтобы еще выпуклее оттенить бессердечную, холодную фальшь дворцовой жизни, Веласкес пишет портреты придворных шутов.

Какой горькой иронией, какой страшной издевкой над дворцовым чванством дышат эти портреты! Сколько в них боли, затаенного сострадания, какой это беззвучный и скорбный крик об униженном достоинстве человека!..

Веласкеса вновь и вновь тянет прочь от дворцового малокровия к таким вот лицам. Он урывает время для небольшой картины, известной теперь всему миру под названием «Вакх». Странное на первый взгляд сочетание: среди золотых осенних полей Испании рядом с Вакхом — мифическим богом вина и веселья — расположилась группа подгулявших крестьян. Идет по рукам круговая чаша, хмель уже слегка развязал язык, и посмотрите, с каким лукавым, искрящимся юмором глядит на вас крестьянин в широкополой шляпе, слушая, что шепчет ему другой!

Вот она, живая душа народа, — ее не истребишь, не задавишь, не сожжешь на кострах инквизиции! Достаточно поставить рядом любой из портретов Филиппа, чтобы понять, кто истинный хозяин жизни, за кем будущее, на чьей стороне сердце художника.

За последние десять лет жизни он создаст лучшие из лучших своих творений. Он напишет «Венеру с зеркалом» — смуглую андалузку, живой гимн молодости и красоте. Он напишет всемирно известные портреты инфанты Маргариты, где облик хрупкой, болезненной и в то же время милой девочки, закованной в роскошное платье, будет передан в прелестном сочетании жемчужно-серых и розово-красных тонов.

И, наконец, он напишет свою знаменитую картину «Фрейлины» («Менины»); и две сотни лет спустя французский писатель и знаток искусства Теофиль Готье, подойдя к этой картине в мадридском музее Прадо, спросит с отлично разыгранным простодушием: «Позвольте, а где же картина?..» Да, верно, картины нет, есть жизнь, ее мгновение, уловленное и запечатленное навсегда...

К концу своей жизни Веласкес — не только придворный художник. Он получает звание дворцового маршала и в качестве такового должен наблюдать за меблировкой и убранством Алькасара.

Теперь ему приходится часто посещать королевскую мануфактуру Санта Изабель, где десятки работниц ткут огромные гобелены для украшения дворца.

Вот тут-то и возникают «Пряхи» — одно из значительнейших произведений мировой живописи.

6 августа 1660 г. Веласкес умирает. Его хоронят, как знатного гранда — покоряющий блеск его живописи так и не позволил надменным Габсбургам разглядеть суровую правду, которую рассказал о них придворный художник. Придворный художник, чья первая и чья последняя картины были посвящены народу.

* * *

Шоу получил как-то приглашение на премьеру новой пьесы. После спектакля режиссер спросил драматурга:

— Какова разница между комедией, драмой и трагедией?

— Молодой человек, — ответил Шоу, — тот факт, что вы не знаете разницы между комедией, драмой и трагедией, лично для меня — комедия, для зрителей — драма, а для вас — трагедия!

Памяти латышских стрелков

В Риге, на берегу полноводной Даугавы, в честь столетнего ленинского юбилея был воздвигнут современный мемориальный комплекс, посвященный подвигу латышских красных стрелков. Авторы ансамбля — скульптор В. Алберг, архитекторы Г. Лусис-Гринбергс, Д. Дриба — в сдержанных величественных формах сумели передать основную тему мемориала — тему мужества и стойкости латышских стрелков в защите революции, Родины, идей великого Ленина.

Важным художественным элементом мемориального комплекса стала скульптурная группа, свободно поставленная на площади. Фигуры трех стрелков из красного гранита, вознесенные на высокий постамент, застыли плечом к плечу, олицетворяя собой сплоченность верных стражей революции.

Продолжением ансамбля служит здание мемориального музея. Оригинально внешнее оформление музея: лишенное привычных оконных проемов здание облицовано снаружи пространственными щитовидными элементами из красной меди. Этот своеобразный руст подчеркивает торжественность ансамбля.

При всей современности своего внешнего облика мемориальный комплекс гармонично вписался в панораму старой Риги. Авторы ансамбля были награждены в 1972 г. Государственной премией.

П. ЗНАМЕНЩИКОВ. «Сказ о Каракумах»

ЭМИЛЬ БУРИАН

В один из осенних дней 1933 г. на улицах буржуазной Праги появились листовки. Их раздавали безработные. «Надо понять, — было написано там, — что, только непосредственно откликаясь на современную жизнь с ее проблемами, мы можем заложить фундамент нового театра... Мы — люди, страдающие от пороков режима, и это объединяет нас в совместном риске и совместном труде».

Так заявил о своем открытии знаменитый чешский театр «Д-34». Его основал композитор, писатель и режиссер коммунист Эмиль Франтишек Буриан, а название было составлено из первой буквы чешского слова «дивадло», что значит «театр», и года первого сезона.

Начав с наступательной программы политического и художественного обновления искусства, Буриан и его коллектив этой программе не изменяли. На первых порах у нового театра, труппа которого насчитывала всего несколько человек, не было ни помещения, ни денег на постановки. Но Буриан повел дело столь энергично, что уже очень скоро Юлиус Фучик написал в «Руде право»: «Наконец-то у нас появился театр наших дней!»

Художественная и организаторская деятельность Буриана была поистине титанической: он руководил театром, писал пьесы, музыку, ставил спектакли.

В 1939 г., в период фашистской оккупации Чехословакии, в разных городах были созданы особые просветительские организации сторонников театра — «Круг друзей». Многие из членов «Круга друзей» позднее вели подпольную работу и погибли в фашистских концлагерях.

В 1941 г. театр был закрыт, а Буриан заключен в фашистский концлагерь. Вернулся он только после освобождения Чехословакии, в 1945 г. Театр возродился к новой жизни, возобновив свою прежнюю идейно-эстетическую программу: служение трудовому народу и национальной культуре.

На основании этой программы Буриан каждый спектакль, в том числе и по пьесам классической драматургии, решал как произведение острозлободневное. Он неустанно экспериментировал в области театральной формы, добиваясь максимальной экспрессии, используя весь арсенал средств синтетического театрального искусства: актерскую игру, музыку, ритмическую пластику.

Неоднократно театр с большим успехом гастролировал в Советском Союзе.

Буриан скончался в 1959 г., и с тех пор созданный им театр носит его имя.

• 10 июня — 175 лет со дня рождения Ф. А. Бруни (1799-1875), русского художника.
• 11 июня — 70 лет со дня рождения Эмиля Буриана (1904-1959), чехословацкого режиссера, композитора, писателя, драматурга.
• 16 июня — День медицинского работника.

Ю. НЕПРИНЦЕВ (р. 1909). Вот солдаты идут... 1970. Холст, темпера. 100x150. Министерство культуры РСФСР. Москва.

ИЮНЬ 17 18 19 20 21 22 23 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

Первый казахский театр был организован в 1925 г. Сейчас в республике более 60 народных и 24 профессиональных театра, в том числе Казахский государственный академический театр оперы и балета им. Абая, Русский драматический театр им. М. Ю. Лермонтова, Уйгурский музыкально-драматический театр, Казахский академический театр драмы им. Ауэзова, Корейский музыкально-драматический театр.

В республике создана широкая сеть культурно-просветительных учреждений. Здесь работают свыше 7 тыс. массовых библиотек, располагающих более 65 млн. книг и журналов, свыше 7 тыс. клубов и Домов культуры, 29 музеев.

Широкое распространение в Казахстане получило радио и телевидение. К концу 1970 г. здесь действовали 34 телевизионные станции. В республике насчитывалось более 1,3 млн. телевизоров.

ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЙ РУССКИЙ АКТЕР

Звезда Москвина взошла на театральном горизонте в то далекое время, когда на сцене Малого театра еще играли такие замечательные артисты, как Ермолова, Ленский, Садовские. Заставить москвичей принять что-то новое, молодое было трудной задачей, однако эта задача удалась Художественному театру. И одним из его артистов, сразу завоевавших симпатии и доверие публики, был Москвин.

На открытии Художественного театра И. М. Москвин играл царя Федора Иоанновича в пьесе А. К. Толстого.

Я хорошо помню этот спектакль, помню и то впечатление, которое произвел Москвин. «Ваня Москвин», не обладавший тем, что на сцене было принято называть поэтической наружностью, вдруг дал такой образ Федора, что Москва была сразу захвачена. Много было тогда споров и волнений, но почти все — и друзья и враги нового театра — сходились в одном: лучшего Федора представить себе трудно. Станиславский пишет в своей книге «Моя жизнь в искусстве»:

«...Москвин показывался в роли Федора и произвел на меня огромное впечатление. Я плакал от его игры, и от умиления, и от радости, и от надежды на то, что среди нас находятся талантливые люди, могущие вырасти в больших артистов...»

Станиславский не обманулся: Москвин стал большим артистом. Одним из замечательных достижений его была роль старика Луки в горьковском «На дне». Надо упомянуть о таких созданных Москвиным в советское время ролях, как Городничий в «Ревизоре», Ноздрев в «Мертвых душах», Хлынов в «Горячем сердце». Москвин, со свойственным ему психологическим проникновением в образ, сыграл роль генерала Горлова в пьесе А. Корнейчука «Фронт».

Большой актер, Москвин оказался в нашу эпоху и большим общественным деятелем. В 1936 г. он получил высшую награду — звание народного артиста СССР.

Берлинская «Комише опер»

За 27 лет своей истории берлинская «Комише опер» стала одним из интереснейших театров мира. Поражает богатство репертуара, включающего в себя самые разнообразные по жанру и стилю произведения, от «легкой» оперетты до серьезной оперы. Так, во время московских гастролей в 1959 г. зрителям были показаны «Волшебная флейта» Моцарта, «Сказки Гофмана» Оффенбаха, «Альберт Херринг» Бриттена, а в 1965 г. москвичи увидели и услышали «Отелло» Верди, «Сон в летнюю ночь» Бриттена и «Синюю бороду» Оффенбаха.

Новаторские эксперименты художественного руководителя театра Вальтера Фельзенштейна в области режиссуры музыкального спектакля во многом близки поискам К. С. Станиславского. Фельзенштейн стремится сделать театр созвучным реальной действительности, способным вызвать отклик в сердце современного зрителя.

Спектакли «Комише опер» поражают гармоничностью сочетания всех компонентов: музыки, пения, слова, танца и декораций.

Фельзенштейну удается добиться от певцов-актеров такого сценического самочувствия, когда пение становится необходимым и единственно возможным способом выражения эмоций. «Пение — это усиленная экспрессия», — говорит он.

Безупречные в музыкально-пластическом отношении оперы и оперетты, поставленные в этом театре, запоминаются и как праздничное зрелище. Это заслуга ведущего художника театра — Рудольфа Генриха.

Спектакли «Комише опер» — образец высокой музыкально-театральной культуры.

«Большой театр Сибири»

В самую суровую пору второй мировой войны, в дни ожесточенных боев под Сталинградом, сибиряки достраивали свой оперный театр. На главной площади Новосибирска появилось монументальное здание с серебристым куполом и колоннадой, с двумя зрительными залами на 2000 и 1000 мест. Постепенно, несмотря на трудности военного времени, росла труппа.

Первым спектаклем 12 мая 1945 г. стала героическая опера Глинки «Иван Сусанин»... В едином порыве в финале спектакля встал зрительный зал и, стоя, долго и восторженно рукоплескал подвигу Сусанина, подвигу русского народа, одержавшему победу в только что закончившейся Великой Отечественной войне...

В молодом театре широкий простор для творческого роста молодых. Вот почему сюда с удовольствием едут выпускники многих консерваторий страны. Есть в его коллективе и немало выпускников молодой новосибирской консерватории и хореографического училища.

На сцене театра идут оперы Глинки, Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина, Чайковского. Значительное место занимает западноевропейская оперная классика. Первыми в Советском Союзе сибиряки поставили венгерскую классическую оперу Ф. Эркеля «Банк Бан», оперу чешского композитора Л. Яначека «Ее падчерица». Театр много работает над советскими операми. Обширный репертуар и у балетной труппы театра.

Сибиряки первыми поставили балет «Доктор Айболит», удостоенный государственной премии, балеты «Маскарад», «Аленький цветочек», «Алладин и волшебная лампа». Театром осуществлена интересная постановка «Патетической оратории» Г. Свиридова.

Коллектив театра можно назвать «всесибирским». Для того, чтобы спектакли могли увидеть зрители отдаленных сибирских сел, здесь созданы монтажи некоторых опер и облегченные декорации.

На карте мира ниточки-маршруты от Новосибирска тянутся в Швецию и Монголию, Англию и Польшу, Иран и Афганистан, в Индию и на Кубу...

Нет, не случайно силуэт серебристого купола стал символом города на Оби, своего рода «визитной карточкой»: академический театр оперы и балета, родившись в Новосибирске 29 лет назад, стал широко известным не только за пределами Сибири, но и далеко за рубежами нашей страны.

В. ПЕТРОВА, Л. ПЕТРОВ. Иллюстрация к рассказу М. Шолохова «Судьба человека»

* * *

Старейший симфонический оркестр Великобритании — «Халлеоркестр» решил время от времени выступать в... ночных клубах и кабаре. Это решение, как сообщило руководство оркестра, продиктовано желанием поправить шаткое финансовое положение коллектива.

Рассказы о музыке. Вып. 2. Книга для чтения. Для школьников среднего и старшего возраста. М., «Музыка», 1972. Я. ЭКЕРТ. 500 музыкальных загадок. (Перевод с польского). М., «Сов. композитор», 1971.

• 18 июня — 100 лет со дня рождения И. М. Москвина (1874-1946), советского актера, народного артиста СССР.
• 19 июня — 70 лет со дня рождения Б. Д. Дварионаса (1904-1972), литовского советского композитора.
• 22 июня 1941 — Вероломное нападение фашистской Германии на Советский Союз. Начало Великой Отечественной войны Советского Союза против фашистской Германии.

А. САФОНОВ (p. 1932). Продотряд. 1968. Холст, масло. 165x150. Запас живописи Союза художников СССР. Москва.

ИЮНЬ 24 25 26 27 28 29 30 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

П. СОКОЛОВ. Портрет Е. К. Воронцовой

ОБРЕТАЕТ ПОТЕРЯННОЕ ИМЯ

В Музее В. А. Тропинина и московских художников его времени среди других экспонируются произведения, подаренные москвичам знатоком старинной живописи Ф. Е. Вишневским.

В свое время Ф. Е. Вишневский приобрел небольшой акварельный женский портрет. Он привлек его изяществом и мастерством исполнения. Ни даты, ни подписи на нем не оказалось. По живописи портрет напоминал произведения известного русского акварелиста П. Ф. Соколова. Сравнение его с подписными работами Соколова подтвердило предположение. Исследование характера живописи позволило датировать портрет 1820-1830 гг. По деталям туалета дамы-модницы удалось выяснить дату создания акварели почти с точностью до года — около 1823 г. Предстояло последнее: определить, кто эта великосветская красавица. Дама в зеленом платье — так назвали эту неизвестную — чем-то напоминала Елизавету Ксаверьевну Воронцову. Ею увлекался Пушкин, когда он в 1823-1824 гг. служил в Одессе. Ей он посвятил много дивных стихов. Чтобы подтвердить эту догадку, предстояло разыскать и сравнить с Соколовской акварелью все известные портреты Воронцовой, а их оказалось более десятка. После сравнения никаких сомнений не осталось. Портрет дамы в зеленом платье экспонируется в музее как портрет Е. К. Воронцовой, написанный П. Ф. Соколовым около 1823 г.

Судьбы картин, как судьбы людей, различны. Труд коллекционеров, исследователей, реставраторов помогает картине обрести заслуженное место в музейных залах и хранилищах.

Г. МОТОВИЛОВ. Девушка с виноградом. Рельеф на станции московского метро «Проспект мира». Фаянс.

Синтетический театр маленького города

Тартуский театр «Ванемуйне» (свое название он получил по имени бога песни) праздновал в 1970 г. столетие своего существования. Это старейший эстонский театр.

24 июня 1870 г. в Тарту, в певческом обществе «Ванемуйне», поставили пьесу эстонской писательницы Лидии Койдулы «Двоюродный братец из Сааремаа». Лидия Койдула написала еще пьесы «Сваты-березки, или Марет и Мийна» и «Этакий мульк, или Сто пудов соли». Эти спектакли стали началом эстонской национальной драматургии. Они были проникнуты идеями борьбы за права народа, против гнета балтийских баронов. Таким был «Ванемуйне» с первых дней своего существования — демократическим, смело мыслящим театром.

После восстановления в Эстонии Советской власти театр «Ванемуйне» открыл сезон постановкой пьесы «Гибель эскадры» А. Корнейчука. Руководителем «Ванемуйне» стал Каарел Ирд, ранее работавший в Тартуском рабочем театре и уже обладавший вполне сложившимся марксистским мировоззрением. С тех пор он й руководит работой «Ванемуйне» на протяжении более чем трех десятилетий. Сейчас он лауреат Государственной премии и народный артист Советского Союза.

Для спектаклей «Ванемуйне» характерны активное вмешательство в проблемы сегодняшнего дня и обостренное чувство времени. Традиционен и синтетический характер театра — в нем ставятся и драматические и музыкальные спектакли (опера, балет, оперетта). Коллектив «Ванемуйне» получил много всесоюзных премий как за драматические, так и за музыкальные постановки. Его знают по гастролям в Москве, Ленинграде и во многих других городах нашей страны.

Театр «Ванемуйне», которому уже более ста лет, продолжает оставаться молодым и современным театром.

ДЖОРДЖО ВАЗАРИ

Когда в начале 40-х годов XVI в. Джорджо Вазари приступил к работе над «Жизнеописаниями наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», он вряд ли думал, что именно этот труд обессмертит его имя. В самом деле, Вазари-архитектор, автор ансамбля «Уффици», плодовитый художник, создатель огромных фресок в просторных залах флорентийской Синьории мог рассчитывать на внимание потомства. Однако Вазари — живописцу и архитектору — отведено скромное место в созвездии мастеров итальянского Возрождения.

Джорджо Вазари жил в очень сложное время, трагическое для его страны. Началось постепенное угасание Возрождения. Упадок не могли остановить отдельные вспышки художественного гения, которыми так богато еще искусство Италии второй половины XVI в.

Признанный художник, заваленный заказами, советник флорентийского герцога по вопросам искусств, один из организаторов художественной академии, человек удачливой судьбы и счастливого характера — Вазари не замечал крушения ренессансной культуры. Наоборот, он считал, что искусство Италии с XIII в. развивается по непрерывно восходящей линии — от Чимабуэ и Джотто к Рафаэлю, Корреджо и «божественному» Микеланджело. Доказать это и должны были «Жизнеописания» Вазари.

«Жизнеописания» имели поистине замечательную судьбу. К книге Вазари вот уже больше четырехсот лет обращается всякий, кто занимается искусством. Удивительная легкость слога, живость повествования напоминают о лучших традициях итальянской прозы — новеллах Боккаччо, Саккетти. В биографическое повествование Вазари искусно вплетает историческую хронику, забавные анекдоты, моральные сентенции и одновременно проницательный художественный анализ (как прекрасны, к примеру, строки, посвященные леонардовской «Джоконде»!). Он дает подробный перечень работ почти всех художников, о которых пишет, — а ведь за четыре века многие из них оказались утраченными, и сейчас только книга Вазари хранит о них память...

Благодаря «Жизнеописаниям» Вазари называют первым историком искусства и одним из первых художественных критиков. Именно он впервые произнес слово, знакомое теперь каждому, — «Rinascita» («Возрождение»).

Кадр из фильма

МИР ВЫСОТЫ

Монтажники-высотники, строители домен... Люди романтической профессии... Труд, требующий каждодневного мужества, хладнокровия. И фильм об этих людях представляется произведением обязательно остросюжетным, с необычными героями — ведь монтажники могут потрогать небо рукой. Все это есть и в фильме «Высота», поставленном режиссером Александром Зархи по роману Евгения Воробьева. Но не эти внешние черты профессии определяют главный мотив, произведения

Главная проблема «Высоты» — нравственная. В раскрытии взаимоотношений двух главных героев — монтажника Николая Пасечника и сварщицы Кати — авторы увидели столкновение живых характеров, непростых, не лишенных острых углов, но несомненно завоевывающих зрительскую симпатию. Пасечник в исполнении Николая Рыбникова — рабочий новой формации, он интеллигентен, сердечен, скромен, не любит высоких слов. Актерской удачей был в этой картине и образ Кати, созданный Инной Макаровой. Озорная, дерзкая, бывшая детдомовка Катя не терпит пошлости, правдива и непосредственна.

Есть в картине и конфликт производственный — между коммунистом Пасечником, который не может работать вполсилы, и карьеристом Дерябиным. И другой конфликт — между бригадой высотников и стяжателем Хаенко.

Конфликты эти неотрывны от человеческих характеров, от личной жизни героев. Победа Пасечника и его друзей — это победа и над собственными недостатками.

Фильм занял свое место в ряду лент, воспевающих творческий труд рабочего — хозяина страны.

• 27 июня — 400 лет со дня смерти Джорджо Вазари (1511-1574), итальянского архитектора, живописца, историка искусства.
• 30 июня — День советской молодежи.

К. РУСЯЦКАС (1800-1860). Жница. 1844. Холст, масло. 45x33. Художественный музей Литовской ССР. Вильнюс.

ИЮЛЬ 1 2 3 4 5 6 7 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Советские архитекторы в годы войны

В феврале 1942 г. при Союзе советских архитекторов была создана комиссия, в чьи обязанности входило: «посылка на места бригад архитекторов для оказания помощи местным организациям в восстановительном строительстве, проведение конкурсов, обсуждение представленных проектов». Архитекторы разрабатывали срочные меры по восстановлению освобожденных городов и сел и занимались подготовкой к капитальному строительству.

Разработку генеральных планов восстанавливаемых городов вели творческие мастерские Академии архитектуры, Гипрогор и другие проектные организации. Мастерские Академии архитектуры, возглавляемые видными советскими зодчими, составляли проекты генеральных планов Сталинграда (К. Алабян), Ростова-на-Дону (В. Семенов), Новгорода (А. Щусев), Воронежа (Л. Руднев), Смоленска (Г. Гольц) и т. д.

Архитекторы стремились к тому, чтобы перестроить разрушенные города на новой современной основе. «Мы восстанавливаем не отдельные здания, а город в целом». Это положение, высказанное на VI сессии Академии архитектуры (июль 1944), предопределило архитектурно-планировочное решение большинства проектов тех лет. Примером может служить проект реконструкции Сталинграда. Не связанные ранее части города объединялись по замыслу авторов в целостную систему. Отрезанный от Волги железнодорожной линией и промышленными постройками город получал по новому проекту выход к реке. Набережная Волги должна была стать зеленой и благоустроенной. Центр города архитекторы задумали как торжественный парадный ансамбль мемориального характера. Этот проект лег в основу дальнейшей разработки генерального плана города.

Волгоград. Вид на набережную с Волги

СЕЛЬСКИЙ НОКТЮРН

Старательно выгибаются пальцы маленькой девочки, сосредоточенно-серьезное выражение не сходит с ее лица.

— И раз и два, и раз и два...

Она учится в первом классе Цаишской музыкальной школы. Поступила осенью, выдержав конкурс. Конкурс? В селе? А почему бы и нет? Как здесь говорят, музыкальная «эра» в Цаиши началась в 1962 г., когда открыли школу. До тех пор мало кто помышлял о пианино, а сейчас оно чуть ли не в каждом доме. В 1969 г. состоялся первый выпуск по классу фортепиано. Сейчас дети обучаются игре и на виолончели, и на скрипке.

...К инструменту подошла девочка постарше. И полилась мелодия, радостная и чистая. Это был Шопен... Отчетливо представилось вдруг, как цаишцы собираются на концерт учеников музыкальной школы. Наряжаются, кое-кто догадывается принести цветы. И, конечно, волнуются...

Мы часто читаем в газетах и слышим по радио: сейчас почти у каждого колхозника в доме телевизор, радиоприемник. Это, конечно, превосходно. Но когда дочь или сын того же колхозника исполняет ноктюрн Шопена или прелюдию Баха — в этом есть свой особый смысл.

...Возвращалась из школы я уже затемно. У какого-то дома приостановилась: кто-то робко и неуверенно пробовал сыграть первые такты «Турецкого марша» Моцарта.

Странствующий Петефи

КИШФАЛУДИ ШТРОБЛЬ

Советским людям хорошо знаком величественный памятник, сооруженный в Будапеште на горе Геллерт. Памятник воздвигнут на могиле советских воинов, павших в боях за освобождение Венгрии от фашистского рабства.

Высокий постамент как бы возносит к небу женскую фигуру в свободных одеждах, с рукавами, ниспадающими как крылья. В Венгрии эту статую называют Гением Свободы.

Автор этого прекрасного монумента — один из крупнейших художников современности, венгерский скульптор Жигмонд Кишфалуди-Штробль.

Поразительно разнообразие жанров, в которых работает Кишфалуди-Штробль: монументальные памятники выдающимся деятелям и парковая скульптура, портреты и композиции рельефов, керамика и предметы прикладного искусства.

Одухотворенные и как бы дышащие бронза и мрамор, великолепные терракоты и дерево, даже грубый песчаник и известняк оживают под рукой вдохновенного скульптора.

Какое бы произведение Штробля мы ни увидели — будь то маленькая статуэтка или огромный монумент, — мы прежде всего ощущаем пламенное воображение, ищущую неугомонную мысль и горячее, влюбленное в человека сердце художника.

На протяжении всего творческого пути одной из центральных тем творчества Штробля была тема героического прошлого венгерского народа. Борцы за свободу и независимость родной страны, прославленные современники и простые люди предстают перед нами в произведениях Кишфалуди-Штробля.

Много раз обращается скульптор к образу Шандора Петефи. Жизнь и деятельность этого революционного поэта-демократа, воспевшего в пламенных стихах революцию 1848 г., с самых юных лет увлекает Штробля. В 1925 г. он создал портрет поэта, затем — «Влюбленного Петефи», а в 1949 г. — небольшую скульптуру «Странствующий Петефи».

Тем же духом патриотизма проникнут памятник Лайошу Кошуту — одному из виднейших деятелей венгерской революции 1848 г. Ныне памятник Кошуту украшает площадь его имени в Будапеште.

МИКЕЛАНДЖЕЛО. Деталь росписи Сикстинской капеллы

Ракурс

Если мы смотрим на человека сверху, то обычные очертания его фигуры изменяются. Те части его тела, которые ближе к нам, будут казаться больше, а те, что дальше, — меньше. Сама фигура станет как будто короче. Такое изменение, укорочение фигуры называется ракурсом. По-французски «raccourcir» — «укорачивать».

Художники и скульпторы часто пользуются ракурсом, когда надо изобразить сильное движение или когда на маленьком пространстве холста или бумаги надо поместить большую фигуру. Ракурс усиливает впечатление движения, силы и мощи, делает рисунок и скульптуру более выразительными.

Ракурсом называется также неожиданный, интересный поворот фигуры или головы.

* * *

В жизни буржуазии литература является не более мак высокоразрядным времяпрепровождением, она — предмет роскоши, она не несет жизненно важной функции.

В жизни советского гражданина литература — предмет повседневного потребления. Советский читатель видит в писателе знатока души...

• 1 июля — 90 лет со дня рождения (1884) Жигмонда Кишфалуди-Штробля, венгерского скульптора.
• 6 июля — Международный день кооцерации.
• 7 июля — 90 лет со дня рождения Лиона Фейхтвангера (1884-1958), немецкого писателя.

С. КОНЕНКОВ (1874-1971). Юность. 1955. Мрамор. 70x45x35. Частное собрание. Москва.

ИЮЛЬ 8 9 10 11 12 13 14 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Не бывает абстрактной любви «вообще». А искусство — это и есть любовь к жизни, к людям. Мы с особой остротой ощущаем свою привязанность к деревне или городу, где родились и выросли. Каждый связан с землей, его породившей; своеобразие родины, милый образ земли, ее цветы и деревья, реки и дороги, песни и сказания — отсюда именно идет человеческое в человеке. Отсюда рождается живая традиция.

Поэтому для меня вопрос о том, как относится скульптор к материалу, не просто техническая тонкость. Это вопрос жизненной философии художника.

Сквозь крону дерева, которое ныне лежит омертвелым обрубком у меня в мастерской, я, может быть, сам любовался звездами. По утрам на ветвях пели птицы. Дерево это было самой живописной приметой деревушки, затерявшейся где-то среди просторов России. Оно, это дерево, помнилось воину, который отстаивал правое дело в бою.

Я хорошо помню, как русские умельцы обращали этот драгоценный, родной и близкий материал в живые, веселые вещи. Конек на крыше, певучая скрипка, посуда, игрушки, мебель — все из дерева! Вот когда этак взглянешь да вспомнишь — и не все равно тебе будет, из какого пня или бревна рубить статую и каким способом работать...

С. Т. Коненков. М. П. Мусоргский. Мрамор. 1953 г.

Скульптор земли русской

Из самых народных глубин поднимаются великие таланты, обогащающие и ведущие вперед культуру своей страны и всего мира. Чем крепче корни, связывающие их с родной землей, тем выше вздымается вершина их творчества.

В национальной самобытности и исконной народности таятся истоки и неиссякаемая мощь произведений скульптора Сергея Тимофеевича Коненкова.

Наделенный сильным и неукротимым творческим духом, Коненков выбирал в истории и в современности примеры могучих и вольных характеров, людей, активно вторгающихся в события своего времени.

Он всегда желал разгадать и запечатлеть в портретном изображении неповторимость духовного мира человека, сложность и неуловимую изменчивость его внутренней жизни. Так рождались сюиты его психологических портретов.

Ленин, Горький, Павлов, Маяковский, Шаляпин, . Мусоргский, Чехов, Герцен, Достоевский, Сократ, Иоганн Себастьян Бах, Чарлз Дарвин, Всеволод Вишневский, Галина Уланова, прелестные по обаянию, нежности и лиризму женские и детские образы... Немногие скульпторы так смело и плодотворно входили в столь различные человеческие судьбы, в столь несхожие эпохи!

Под резцом мастера возникали и другие портретные изображения, суммирующие типические признаки класса, профессии, рода деятельности, черты нового в строителе социалистического общества: «Колхозница» — портрет определенного человека и типическая советская крестьянка; Никое Белояннис — знакомое всем лицо казненного греческого патриота и обобщенный образ человека мужественной борьбы и утверждения жизни; скульптура «Юность» — девичий портрет и тема счастливой молодости; «Старейший колхозник деревни Караковичи» имеет имя, отчество и фамилию — Илья Викторович Зуев, но прежде всего — это осознавший свое достоинство крестьянин новой колхозной деревни, хотя скульптор оставил ему косу как признак его прошлого труда.

Рядом с произведениями классической завершенности, восходящими к античности, рождались в мастерской скульптора образы древнерусского фольклора: старички «Лесовички», «Кленовички», «Полевички», былинные богатыри, русалки, русские красавицы, ведьмы, вещие птицы и языческие идолы с их экспрессией, героичностью, юмором и нерушимой связью с бытием природы.

Таким был этот многогранный, смелый и оригинальный талант — талант, который дается немногим.

С. Т. Коненков. Камнебоец. Бронза. 1898 г.

Стул «Алексей Макарович» Дерево. 1935 г.

Движение из вчера в завтра

С работ в Вахтанговской студии начался яркий путь Юрия Завадского. Вахтангов был его первым учителем. Антоний в «Чуде святого Антония» — его первый актерский триумф. Затем пришел второй — Калаф в «Принцессе Турандот». И оба эти спектакля от облика Завадского стали неотделимы. Особенно «Принцесса Турандот». Спектакль этот, подобно фантастической принцессе, о которой шла речь, задал зрителям немало загадок: главной стало небывалое сочетание легкости и едва ли не философской глубины. С той поры прошло полвека, Завадским многое создано и многое пережито, пройдено немало трудных дорог, а сияние «Принцессы Турандот» продолжает освещать весь творческий путь режиссера.

Он ставил много разных спектаклей: комедии, драмы, эпопеи. Звонкий смех «Трактирщицы», ирония «Горя от ума», задор «Укрощения строптивой» связаны с его исходной позицией. Потом изящный «турандотовский» талант Завадского вошел в пору сурового реализма. Тут сыграла большую роль встреча со Станиславским, организация студии и, наверное, более всего — жизнь страны. Наше сегодня стало неисчерпаемым источником вдохновения для Завадского. Он спешил за событиями века, ставил много пьес современных драматургов. «Любовь Яровая» Тренева, «Нашествие» Леонова, «Дали неоглядные» Вирты, «Битва в пути» Николаевой — . так формировался строгий, правдивый, остродраматический .стиль его зрелой режиссуры. Эти черты его таланта особо проявились в постановках трагедий Шекспира, произведений Лермонтова и Достоевского.

Завадский — художник взыскательный и ищущий. Он любит повторять афоризм Станиславского: нет нашего сейчас, есть движение из вчера в завтра. Движение, совершенствование, очищение, подъем. В этом — суть жизни художника, беспощадного к себе ради того, чтобы продолжалась волшебная жизнь театра.

Завет Вахтангова всегда быть новым и решать спектакли так, как того требует новый день, — это завет и Завадского. Он не любит, когда спектакль стареет, изнашивается: в таких случаях Завадский ставит спектакль заново, не повторяя старых канонов.

Есть режиссеры спектакля — их характеристика исчерпывается мастерством постановки. Есть режиссеры театра — это уже выразители стиля и школы. Но есть и режиссеры времени — их личность и творчество неизменно становятся как бы частью духовной атмосферы общества.

К художникам такого рода относится Ю. Завадский.

«ПРИВЕТ СЕВЕРУ»
(Отрывок из поэмы)

Даренки

Чудо. Да еще какое! Берестяное!

В век всемогущей химии и программирующих устройств немало находится людей, заново открывающих красоту, таящуюся в самых обыкновенных предметах. Таких мастеров-самородков немало на Вологодчине, где бережно хранят и развивают старинные народные художественные промыслы.

...Когда потеплеет и по древесному стволу пойдет прозрачный сок, начинается заготовка бересты. Снятую кору пропитывают подсолнечным маслом, чтобы она стала эластичной, потом режут на узкие полоски.

Великолепные подносы и шкатулки, легкие как пух, хлебницы и чайные чашки, изящные чернильные приборы и солоницы — и все сплетено из бересты! Каждое из этих изделий хранит тепло искусных и добрых рук. Недаром получили они чудесное, чисто русское собирательное название — даренки.

Семен Чуйков. (Образ и цвет). М., «Изобразительное искусство», 1972. B. Гущин. Василий Прокофьевич Ефанов. М., «Изобразительное искусство», 1972. C. В. Герасимов. (Образ и цвет). М., «Советский художник», 1972.

• 8 июля — 70 лет со дня рождения В. В. Белокурова (1904-1973), советского актера, народного артиста СССР.
• 10 июля — 100 лет со дня рождения С. Т. Коненкова (1874-1971), советского скульптора.
• 11 июля 1921 — День победы Народной революции в Монголии.
• 12 июля — 70 лет со дня рождения (1904) Пабло Неруды, чилийского поэта.
• 12 июля — 80 лет со дня рождения (1894) Ю. А. Завадского, советского режиссера, актера, народного артиста СССР.
• 14 июля — День рыбака.

В. САВИН (1907-1971). Накануне. 1960. Холст, масло. 132x211. Киевский филиал Центрального музея В. И. Ленина при ЦК КП Украины.

ИЮЛЬ 15 16 17 18 19 20 21 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

Самобытная культура литовского народа за годы Советской власти приобрела новое, социалистическое содержание. В 1971 г. в республике работало 2498 массовых библиотек с более чем 19,5 млн. экземпляров книг и журналов (в 1940 г. — соответственно 200 и 585 тыс. экземпляров), 33 музея (в 1940 г. — 15), 1493 клубных учреждения (в 1940 г. — 75), 1206 стационарных киноустановок. В 1971 г. 11 театров Литовской ССР посетили около 1,4 млн. зрителей.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

«Нет ничего более подлинно художественного, чем любить людей». Этими словами ван Гога хочется начать рассказ о добром и хорошем человеке.

Живет он в Киргизии, в селе Орловка Таласского района, там, где горы своими снежными вершинами цепляются за облака. Знают об Орловке, пожалуй, во всей Киргизии. А заслуга эта в первую очередь принадлежит скромному сельскому труженику, местному художнику Теодору Гергардовичу Герцену.

Большую часть своей жизни Теодор Гергардович прожил в этом прекрасном уголке Киргизии. По его инициативе здесь создан музей изобразительных искусств, который стал не только культурным центром района, но и местом паломничества гостей Киргизии.

Тематический подбор картин позволяет ближе познакомиться с жизнью и бытом киргизского народа. «Акын поет» Аманкожоева, «Три поколения» Даирова, «Семья чабана» Камалова, «Вышивальщицы» Чокморова и другие как иллюстрированная летопись прослеживают сложную и интересную историю народа.

И, конечно, главная тема экспозиции музея — сегодняшний день республики. Картины Акылбекова, Игнатьева, Гальченко, Кожахметова, Джумабаева рассказывают о красоте и духовном богатстве наших современников. Достойное место в музее занимают акварели, графика, рисунки, созданные талантливыми руками Теодора Гергардовича и его сына, тоже ставшего художником.

Его давно заботила мечта о создании в музее выставочного зала, в котором односельчане и гости смогли бы познакомиться с прекрасными произведениями мирового искусства. Энергия, настойчивость, страстная преданность делу помогли и на этот раз осуществлению замысла.

Около сорока картин из выставочного фонда ленинградского Эрмитажа побывало в сельском музее.

ЧЕХОВ И ЧАЙКОВСКИЙ

Великих художников России, великих современников — Чайковского и Чехова связывали теплые дружественные отношения.

«Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, — до такой степени я уважаю его». В таких словах Чехов выразил свое отношение к Чайковскому. Композитор же в письмах к одному из своих адресатов так отозвался о Чехове: «...имеете ли Вы понятие о новом большом русском таланте, — Чехове? Если нет, то я охотно перешлю Вам его рассказы. По-моему, это будущий столп нашей словесности».

Личное знакомство композитора и писателя произошло во время пребывания Чехова в Петербурге, 14 декабря 1888 г. Тогда и возникла у писателя мысль посвятить свою книгу композитору. 12 октября 1889 г. Чехов пишет письмо к Чайковскому: «Мне очень хочется получить от Вас положительный ответ, так как это посвящение, во-первых, доставит мне большое удовольствие, и, во-вторых, оно хотя немного удовлетворит тому глубокому чувству уважения, которое заставляет меня вспоминать о Вас ежедневно».

В ответ на это письмо Чайковский навестил Чехова. Во время их встречи и зашел разговор о совместной работе. Чайковский хотел, чтобы Чехов написал для него либретто для оперы «Бэла» по Лермонтову. Бэла — сопрано, Печорин — баритон, Максим Макеимыч — тенор, Казбич — бас. «Только знаете ли, Антон Павлович, — сказал композитор, — чтобы не было процессий с маршами. Откровенно говоря, не люблю я маршей». Выбор именно этого сюжета отвечал желанию композитора «...написать оперу небольшую, в 3 действиях, с сюжетом характера интимного, где бы раздолье было для лирических излияний».

Чехов посвятил Чайковскому сборник рассказов «Хмурые люди». А их совместной работе над новой оперой так и не суждено было осуществиться. Чайковский был увлечен «Пиковой дамой», затем была работа над «Иолантой», последней — Шестой симфонией, поездки, концерты. Чехов был занят новыми литературными трудами, новыми творческими планами.

Фильм снимают маленькими сценками, кусочками. Их называют кадрами. Кадров в картине бывает несколько сотен. А каждый кадр снимается не один раз: то актер неважно сыграет, то у операторов неполадки, и приходится повторять съемку кадра.

Подумайте, как трудно режиссеру к концу съемок разобраться во всей отснятой пленке, если к этому времени ее наберется километров пятнадцать, а то и двадцать.

В этой работе режиссеру помогает монтажница. Она записывает в своем журнале каждый отснятый дубль и нумерует его. По этим номерам можно будет потом разобрать всю пленку, легче будет собрать в одно всю картину.

На столике у монтажницы разложена вся ее аппаратура: съемочный журнал, кусок мела и черная дощечка. Монтажница делает еще одну важную работу. Ведь в готовом фильме нужно соединить изображение и звук в одном кадре так точно, чтобы звук попал как раз на то место, где он нужен. Для этого используется дощечка. К верхней ее части на шарнирах одним своим концом прикреплена планка. Ее можно приподнять и хлопнуть ею по ребру дощечки. Перед началом съемки монтажница устанавливает на черной плоскости дощечки очередной номер кадра и поднимает свободный конец планки. Начали работать съемочные камеры, монтажница хлопает планкой и быстро отходит в сторону.

Там, где снято изображение актера, есть номер кадра и будет видно, как планка соединилась с дощечкой. А на той пленке, где снят голос актера, звук удара планки обозначится на звуковой дорожке резким зигзагом.

Получив из лаборатории обе киноленты, монтажница сложит их вместе так, чтобы кадрик с чертой на звуковой дорожке совпал с кадриком, на котором видна планка, прикасающаяся к дощечке. Теперь звук точно совпадает с изображением. Можно снова отправить обе киноленты в лабораторию, чтобы их перепечатали на одну пленку.

Этот хлопок, конечно, необходим для монтажа фильма, но актеру он чаще всего очень неприятен. Вот я отрепетировал кадр, сосредоточился на том, что мне нужно будет сыграть. Сейчас я скажу важную фразу, я забыл обо всем на свете кроме того, о чем думает, чего хочет и что чувствует мой .герой, и вдруг в самый последний момент, когда я уже готов раскрыть рот, у меня перед самым носом оказывается эта дощечка и по ней с размаху бьет планка. И, несмотря на это, я должен удержать в себе готовность изобразить минутку жизни своего героя. Надо суметь не заметить дощечку, не услышать ее противного хлопка...

А. ГОНЧАРОВ. Из иллюстраций к лирике Петрарки

CLXX СОНЕТ

знаете ли вы?

В 1928 г. жители города Пльзеня установили в своем городском клубе специальную мемориальную доску в честь чешского народного героя — куклы Кашпарека. Эта доска явилась как бы эскизом замечательного памятника, который был поставлен «патриарху чешского кукольного театра» Матею Копецкому и его любимой кукле Кашпареку в 1947 г., уже новой народной Чехословакией в Колодее над Лужницей.

• 15 июля — 70 лет со дня рождения В. П. Бурмейстера (1904-1971), советского артиста балета и балетмейстера, народного артиста СССР.
• 16 июля — 80 лет со дня рождения Н. Н. Купреянова (1894-1933), советского художника.
• 19 июля — 600 лет со дня смерти Франческо Петрарки (1304-1374), итальянского поэта.
• 21 июля — День металлурга.

Л. ЛАБЕНОК (р. 1927). Папа. 1971. Холст, масло. 180x125. Дирекция выставок Министерства культуры УССР. Киев.

ИЮЛЬ 22 23 24 25 26 27 28 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

...Танец — в натуре русских, мы природные танцоры, как итальянцы природные певцы.

...Балет призван воспитывать в людях эстетическое чувство, будить в душе человека самые лучшие эмоции — благородство, радость жизни, верность в любви и дружбе, порыв к счастью...

ЯНСОН-МАНИЗЕР. Махмуд Эсамбаев. Скульптурные портреты

ЧАРОДЕЙ ТАНЦА

Махмуда Эсамбаева не зря называют чародеем танца, волшебником пластики. Сценический облик Эсамбаева всегда разный, изменчивый до неузнаваемости. И сущность этого перевоплощения — совсем не в характерном гриме и этнографической подчеркнутости одеяния.

Речь идет о редчайшем, пластическом перевоплощении, умении на языке танца раскрывать национально-самобытные характеры.

Эсамбаев знает танцы многих народов мира. Но артиста увлекает не количество названий.

На языке чечено-ингушского, негритянского, бурятского, бразильского, испанского, еврейского, индийского танцев он говорит о самом главном, что волнует людей: о жизни, о счастье, о мире и радости.

В своих хореографических миниатюрах Эсамбаев может быть патетичным, воинственно бесстрашным, грозным, саркастически гневным, улыбающимся, смеющимся.

В отдельных его номерах есть настоящая публицистичность, ясный политический накал. Искусство Эсамбаева очень театрально, красочно, изобретательно и сложно по своей форме. Его некоторые танцы отличаются технической сложностью, замысловатыми виртуозными движениями. Но ни один из приемов творческой палитры Эсамбаева никогда не бывает самоцельным, трюкаческим.

Танцы народов мира. Как благородно, как гуманистически звучат эти слова. Как прекрасен духовный облик человека, который своим искусством способствует братству и единению людей.

ТАНЦУЮТ САСУНЦЫ

«Танцы сасунских армян не поражают затейливостью и разнообразием фигур и не стремятся к этому, в них есть нечто другое, более значительное и глубокое. На эстраду выходят двое музыкантов в ярких национальных костюмах, двое — большой барабан и пронзительно крикливая дудка, — а за ними выплывает ослепительно блестящее, разноцветное тело — двадцать человек мужчин. Они идут плечо с плечом, держа за спинами руки друг друга, они — единое тело, движимое единой, изумительно ритмически действующей силой... Никогда я не видел и не мог представить себе картину такой совершенной слитности, спаянности многих в едином действии... Вероятно, танец сасунских армян — победный танец воинов».

Эти строки взяты из очерка Максима Горького о путешествии по Советскому Союзу, в том числе и по Армении, в 1928 г.

Армянский народ пронес любовь к искусству сквозь века и тяжелые испытания. Сейчас сасунские мелодии звучат со сцен концертных залов, дворцов культуры и клубов. Лучшим исполнителем этих популярных в Армении танцев стал самодеятельный коллектив села Ашнак Талинского района. Творческая биография этого любительского коллектива началась в 1956 г., когда «совет старейшин» села решил помочь страстному пропагандисту фольклора, врачу по профессии Ваграму Аристакесяну восстановить ритмические движения, рисунки сасунских танцев. Вскоре ансамбль стал лауреатом Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве.

Вот заиграла зурна, и под раскатистые удары барабана вышли в центр круга мужчины в национальных костюмах. А вскоре к ним присоединяется вся улица. Кажется, все село исполняет танцы «Кочари», «Муш», «Мужской танец». В загрубевших от солнца и ветра лицах ашнакцев, в их горящих глазах, темпераменте и динамике ощущаются мужество и сила.

Малика Сабирова — Китри («Дон Кихот»)

Таджикская Джульетта

Малика Сабирова, дочь артиста оркестра Таджикского театра оперы и балета, замечательно владевшего игрой на нае (таджикской флейте), унаследовала от него исключительную музыкальность. И неистребимую любовь к сцене. И понимание танца как зримой музыки. Понимание поначалу чисто интуитивное, желание танцевать почти инстинктивное. Грациозная и подвижная, Малика стремилась к театру в столь раннем возрасте и столь осознанно, что это могло показаться странным.

И... совершенно нежелательным. По крайней мере для матери.

Она энергично воспротивилась приглашению Малики на учебу в Ленинград. Приглашение исходило от Н. П. Базаровой и В. П. Мей — педагогов, которые приехали в Душанбе, чтобы отобрать двадцать ребят для организации в Ленинградском хореографическом училище таджикской группы. В эту группу попала и Малика, но мама не отпустила ее «в такую страшную даль»...

И тогда девочка затосковала.

Она так горевала, что спустя три недели Мадина Сабирова не выдержала и сказала дочке: «Завтра я сама отвезу тебя в Ленинград...»

* * *

Китри и Жизель, Никия и Гамзатти, Одетта и Одиллия, Сванильда и Сильфида — все эти и многие другие партии оказались доступны Сабировой. И не просто доступны. Они исполнялись на том профессиональном уровне, который свидетельствовал, что в Таджикистане, так же как и в других наших республиках, где классический балет родился совсем недавно, искусство хореографии не нуждается ни в каких скидках на «периферию», на молодость исполнительской культуры, на малый опыт артистов.

На частном примере развития таджикского классического балета, на примере творчества его прима-балерины можно убедиться в том, что среди бесчисленных проявлений «русского чуда» есть и такое: многонациональный советский балет. И если сегодня мы видим в Душанбе «Ромео и Джульетту» С. Прокофьева, «Тропою грома» Кара Караева, «Лейли и Меджнун» С. Баласаняна, то в этом далеко не полном перечне возникает живой символ взаимопроникновения, взаимообогащения культур разных народов, их духовная дружба.

Во всех названных балетах, созданных русским, азербайджанским и армянским композиторами, удивительно хороша таджикская балерина Малика Сабирова и ее товарищи по труппе, по каждому спектаклю.

это интересно

Древние греки в честь своих выдающихся танцовщиков, или, как их называли, водителей хоровода, ставили статуи, на которых высекали такие строки: «Народ воздвиг эту статую в честь Прокла за его танцы...»

Гомер в «Одиссее» рассказывает, как царь Алкиной велел пригласить на пир самых лучших плясунов.

...Чтобы гость наш, увидя их, мог, возвратяся
В дом свой, там всем рассказать, как других мы людей превосходим
В плаванье по морю, в беге проворном, и в пляске, и в пенье.
 

Аристотель определял смысл пляски следующими словами: «Пляска подражает своими ритмическими движениями нравам, страстям и обычаям и воплощает невидимую мысль».

Уже в древности художественные требования к искусству пляски и танца были исключительно велики. Лукиан требовал от «водителя хоровода» знания всех известных в то время наук и искусств. «Ритм и музыку должно знать, чтобы давать размер своим движениям, геометрию, чтобы построить их, философию и риторику, чтобы изображать нравы и будить страсти, живопись и скульптуру, чтобы сочинять позы и группы; что касается мифологии, то он должен знать в совершенстве события от хаоса и сотворения мира до наших дней».

Мариус Петипа. Материалы. Воспоминания. Статьи. Jl.r «Искусство», 1971. Н. ЭЛЬЯШ. Авдотья Истомина. Л., «Искусство», 1971. Т. КАРСАВИНА. Театральная улица. Театральные мемуары. Л., «Искусство», 1971.

• 22 июля — 30 лет со дня начала (1944) освобождения Польши от фашистских захватчиков. День возрождения Польши.
• 26 июля 1953 — Начало национального восстания на Кубе.
• 28 июля — День Военно-Морского Флота СССР.
• 28 июля — День работника торговли.

Останкинский дворец-музей творчества крепостных. Картинная галерея.

ИЮЛЬ 29 30 31 1 2 3 4 АВГУСТ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ДВОРЕЦ В ОСТАНКИНЕ

Останкинский дворец по-особенному красив в ясные осенние дни, когда солнце золотит листву в старом парке, проникает сквозь шторы огромных окон павильонов, вспыхивает бликами на паркетах, наполняя все здание удивительной игрой рассеянного света и мягких теней. Дворец погружен в строгое музейное безмолвие. Но он помнит время, когда в его стенах собирались многочисленные гости, перед вельможной публикой поднимался роскошный занавес театра и раздавались звуки оперной увертюры.

Актерская труппа графа Н. П. Шереметева была известна во всей Европе. Это был лучший из крепостных театров России конца XVIII в. Спектакли с участием П. И. Ковалевой-Жемчуговой, Т. В. Шлыковой-Гранатовой и других замечательных актеров долго продолжали жить в памяти счастливых зрителей.

Загородный театр-дворец был предметом особой гордости графа Шереметева. Оборудованный по последнему слову сценической техники XVIII в. театр в Останкине был построен в очень короткий срок — с 1791 по 1798 г. Изящный деревянный дворец остался до наших дней прекрасным памятником, но не графскому величию и богатству, а труду крепостных мастеров, чьими руками он создавался. Главный архитектор и строитель этого здания — Павел Иванович Аргунов, ученик известного зодчего Баженова — оставался в крепостной зависимости до самой смерти. Труд паркетчиков, резчиков по дереву, позолотчиков не был оценен по достоинству. После того как театр был достроен, эти мастера, украсившие дворец уникальными произведениями, уже не были в нем желанными гостями.

Один из красивейших залов дворца — Картинная галерея. Когда-то это было фойе бельэтажа Останкинского театра. Высоко и свободно парит над залом многокрасочный плафон, с которого спускаются великолепные люстры. Несмотря на размеры, они кажутся хрупкими и невесомыми. Причудливый орнамент паркета гармонирует с праздничным убранством зала, стены которого украшают картины старых мастеров.

НОВЫЕ СИМФОНИИ ШОСТАКОВИЧА

Летом 1969 г. в Малом зале Московской консерватории состоялась генеральная репетиция Четырнадцатой симфонии Шостаковича. Перед началом автор обратился к собравшимся со вступительным словом, рассказав о своем творческом замысле. Композитор говорил, что ему хотелось ответить на извечный вопрос — о смысле и ценности человеческой жизни и в связи с этим сказать о завершении этой жизни. Эту проблему Шостакович решает как истинный художник-гуманист, который всегда славит жизнь, ее неисчерпаемое, бесконечное движение.

Для воплощения своего замысла композитор прибегнул к помощи литературного слова, каждая часть имеет в своей основе поэтический текст, переданный партии солиста. Таким образом, симфония — как бы небольшая кантата, но по своему характеру, стилю и языку — это подлинно симфоническое произведение. В ней звучат стихи Федерико Гарсиа Лорки и Вильгельма Кюхельбекера, Гийома Аполлинера и Райнера Марии Рильке.

Совсем иное произведение — Пятнадцатая симфония. Она была окончена в 1971 г. и исполнена впервые 8 января 1972 г. в Большом зале Московской консерватории. Оркестром дирижировал сын композитора — Максим Шостакович.

В известном смысле симфония автобиографична. Автор много вспоминает, возвращается к темам своих прежних сочинений, цитирует музыку других композиторов, музыку, сыгравшую ту или иную роль в его жизни.

В отличие от предыдущей симфонии Пятнадцатая — чисто симфоническое произведение. Шостакович — подлинный художник-новатор — сказал здесь свое неповторимое слово, следуя традиции всех больших мастеров — решать по-своему «задачу искусства».

Знаменитый абонент

Отдел распространения американского журнала «Тайм» прислал в ФРГ некоему Гете письменное уведомление, в котором предложил ему подписку на журнал за пониженную плату. Скидка, говорилось в письме, делается потому, что имя упомянутого господина числится в особом списке знаменитостей. «С помощью такой дотации мы хотели бы привлечь внимание того круга читателей, для которых издается журнал». Абонентом, которому презентовалась почетная дотация, как выяснилось, оказался университет имени Иоганна Вольфганга Гете.

А. УШИН. На путях. Из серии «Сюита о проводах». 1960 г.

ПРОТИВ ЦЕРКВИ

Социальная активность — одно из главных качеств, отличающих искусство первого национального художника Англии Уильяма Хогарта (1697-1764). Избрав своей темой острые проблемы английского общества первой половины XVIII в., Хогарт посвятил большинство произведений осмеянию его пороков. Объектом его сатиры становилось и английское духовенство.

«Спящие прихожане» — так называется одно из ранних произведений мастера. Этот этюд маслом был выполнен в 1728 г. и позднее переработан в гравюру. Священник произносит проповедь, тогда как прихожане дремлют на своих скамьях, убаюканные звуком его голоса. Под самой кафедрой мирно спит молодая женщина, рядом с ней посапывает ее муж, а помощник пастора, сложив на толстом животе руки, косится на свою хорошенькую соседку. В том, как охарактеризованы проповедник и его служитель, сквозит едкая сатира.

Но подлинных высот обличения религии и церкви достигает Хогарт в гравюре «Легковерие, Суеверие и Фанатизм: смесь», изданной в 1762 г. Она осмеивает двуличие и ханжество церковников, бессовестно пользующихся доверчивостью и суеверием своей невежественной паствы.

В правой части листа изображен священник на высокой кафедре, который вопит во все горло, обращаясь к прихожанам. Под облачением пастора видна одежда Арлекина, а слетевший с его головы парик, к которому прикреплен нимб, открывает тонзуру иезуита. Так зло и насмешливо выразил свое отношение к церкви и ее служителям Уильям Хогарт.

Музыковед и композитор

Творческий путь Бориса Владимировича Асафьева наполнен яркой, плодотворной деятельностью. Разносторонность художественной личности Асафьева определяется редким сочетанием ученого, исследователя, теоретика и композитора. С первых же шагов своей деятельности Асафьев становится неутомимым пропагандистом русской музыкальной культуры, ее славных исторических традиций. Многочисленные его труды о Чайковском, Мусоргском, Римском-Корсакове, Танееве явились основными работами в развитии советского музыкознания.

На протяжении десяти лет, начиная с 1921 г., Асафьев пишет ряд капитальных работ — «Симфонические этюды», «Русская музыка от начала XIX столетия», монографию о Чайковском и другие. Смело очерченные характеристики, превосходное знание музыки и смежных областей искусства свойственна литературным работам Асафьева.

Большое⁽ место в творчестве Асафьева-композитора занимает балетная музыка. Лучшие его балеты — «Кавказский пленник», «Бахчисарайский фонтан» с неослабным успехом идут на сценах наших театров. Обращаясь к классическим сюжетам русской литературы (Пушкин, Лермонтов, Гоголь), Асафьев выступает как художник, обновляющий принципы музыкально-хореографической драматургии, отнюдь не порывая связи, однако, со славными традициями русского классического балета Чайковского и Глазунова.

* * *

ХЕСКЕТ ПИРСОН. Бернард Шоу. М., «Искусство», 1972. ФЕДЕРИКО ГАРСИА ЛОРКА. Об искусстве. М., «Искусство», 1971.

• 29 июля — 90 лет со дня рождения Б. В. Асафьева (1884-1949), советского композитора, музыковеда.
• 31 июля — 125 лет со дня гибели Шандора Петефи (1823-1849), венгерского поэта, революционного демократа, одного из вождей революции 1848-1849 гг. в Венгрии.
• 4 августа — Всесоюзный день железнодорожника.

И. РЕПИН (1844-1930). Бурлаки на Волге. 1873. Холст, масло. 131,5x281. Русский музей. Ленинград.

АВГУСТ 5 6 7 8 9 10 11 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

МУЗЫКА В ЖИЗНИ РЕПИНА

Из воспоминаний и рассказов о жизни русских художников нам известна огромная любовь большинства из них к музыке, известно, какое значительное место она занимала в их жизни, досугах и даже в творчестве. Многие из русских художников были очень тонкими ценителями музыки.

Среди этих художников выделяется Илья Ефимович Репин не только своей яркой музыкальной впечатлительностью, но и своей восторженной влюбленностью в искусство звуков и своим постоянным влечением к нему. Репин сам признавался: «Я всегда любил музыку. Если мне подолгу не приходилось слушать ее, я тосковал». Музыка была вдохновительницей Репина, она возбуждала его творческую фантазию, рождала художественные образы; с нею связывался у него творческий процесс, а иногда даже окружающий мир, природу ощущал он через посредство музыкальных образов.

Художник был горячим почитателем и убежденным поборником русской национальной музыкальной школы, и особенно «Могучей кучки», интересы которой были полным выражением его собственных идейно-художественных устремлений.

Участвует Репин и в творческих спорах композиторов — в те годы заканчивались оперы-первенцы: «Псковитянка»

Римского-Корсакова и «Борис Годунов» Мусоргского, бывшие предметом больших радостных волнений «кучкистов». Его интересует сценарий оперы Бородина «Князь Игорь»; он принимает участие в прослушивании у Цезаря Кюи оперных фрагментов коллективной оперы-балета «Млада»; он полон глубокого интереса к новому детищу Мусоргского — опере «Хованщина», которая в ту пору обдумывалась и создавалась.

Репин услышал в творчестве Мусоргского нечто свежее й самобытное, отличающее его от привычных музыкальных образов, ощутил его огромную силу, его подлинную народность.

Оба — и художник и композитор — не имели себе равных в воплощении народных масс, типов, психологических черт и характеров, у обоих — та же «хватка всего разнообразия жизни народа». У обоих — целая серия сцен и портретов то из «щемящей» народной действительности (у Репина — «Бурлаки на Волге», «Арест пропагандиста», «Не ждали»; у Мусоргского — «Сиротка», «Калистрат», «Ах ты, пьяная тетеря»), то сцен, залитых солнечным весельем («Вечорниц!» — у Репина, «Сорочинская ярмарка» — у Мусоргского).

В феврале 1881 г. в «Русских ведомостях» появилась заметка о болезни Мусоргского, которая встревожила Репина. Он пишет Стасову: «Вот опять прочитал я в газете.., что Мусоргский очень болен; как жаль эту гениальную силу, так глупо с собой распорядившуюся физически!..»

Предчувствуя близкий конец Мусоргского. Репин едет к нему из Москвы и застает его на больничной койке Николаевского военного госпиталя. С поразительной быстротой (в четыре дня, без мольберта, пристроившись у столика) пишет Репин портрет умирающего друга. Он изобразил Мусоргского сидящим в кресле, в сером халате с малиновыми бархатными отворотами и освещенным яркими лучами весеннего солнца. По признанию Стасова: «Из всех, знавших Мусоргского, не было никого, кто не остался бы в восторге от этого портрета — так он жизненен, так он похож, так он верно и просто передает всю натуру, весь характер, весь внешний облик Мусоргского».

Вернувшись в Москву, Репин узнал о смерти композитора. Весь гонорар за портрет художник отдал на сооружение памятника своему дорогому «Мусорянину».

РИСУНКИ И. Е. РЕПИНА

Молодой бурлак Ларька. 1870 г.	Запорожцы. Эскиз. 1878 г.
Лев Толстой в яснополянском кабинете. 1881 г.	Портрет К. К. Первухина. 1885 г. Фрагмент

Перспектива

Перспектива — учение о том, как добиться на плоском листе бумаги или холсте ощущения глубины, пространства. Иными словами, как изобразить окружающий нас мир таким, каким мы его видим.

Законов перспективы несколько, но есть два самых главных, знание которых очень помогает художникам. Первый говорит о том, что чем дальше от нас предмет, тем он кажется меньше. Другой закон говорит о том, что параллельные линии, удаляясь от нас, постепенно сближаются и в конце концов сходятся в одной точке: достаточно посмотреть на рельсы железной дороги или на линии телеграфных проводов.

Знаменитый итальянский архитектор и художник эпохи Возрождения Брунеллески одним из первых установил законы перспективы.

Перспектива, о которой сказано выше, называется геометрической или линейной, потому что ощущение пространства создается на картине или рисунке с помощью линий. Кроме того, существует еще воздушная перспектива. Если выйти на открытое место и посмотреть вдаль, то увидишь, что предметы, удаленные от нас, как-то посветлели и приобрели голубоватый оттенок. Произошло это оттого, что между нашим глазом и далеким предметом лежит толща воздуха. Она-то и смягчает цвет предметов.

Впервые это подметил и изобразил великий итальянский художник Леонардо да Винчи.

* * *

Искусство я люблю больше... чем всякое счастье и радости жизни нашей. Люблю тайно, ревниво... неизлечимо... Где бы я ни был, чем бы ни развлекался, кем бы я ни восхищался, чем бы ни наслаждался... Оно всегда и везде... в моей голове, в моем сердце, в моих желаниях лучших, сокровеннейших. Часы утра, которые я посвящаю ему, — лучшие часы моей жизни. И радости и горести, радости до счастья, горести до смерти, — все в этих часах, которые лучами освещают или омрачают все эпизоды моей жизни.

* * *

Взгляните только на «Бурлаков» г. Репина, и вы тотчас же принуждены будете сознаться, что подобного сюжета никто еще не смел брать у нас и что подобной глубоко потрясающей картины из народной русской жизни вы еще не видели, даром что и этот сюжет и эта задача уже давно стоят перед нами и нашими художниками... По плану и по выражению своей картины г. Репин — значительный, могучий художник и мыслитель... нельзя не предвещать этому молодому художнику самую большую художественную будущность.

Новое о Репине. Статьи и письма художника, Воспоминания учеников и друзей. Публикации. Л., «Художник РСФСР», 1969. К. ЧУКОВСКИЙ. Илья Репин. Серия «Жизнь в искусстве». М., «Искусство», 1969.

• 5 августа 1895 — Умер Фридрих Энгельс.
• 5 августа — 130 лет со дня рождения И. Е. Репина (1844-1930), русского художника.
• 10 августа — Всесоюзный день физкультурника.
• 11 августа — День строителя.

В. ТРЕТЬЯЧЕНКО (р. 1937). Портрет звеньевой. 1969. Холст, масло. 130x90. Запас живописи Союза художников СССР. Москва.

АВГУСТ 12 13 14 15 16 17 18 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В 1971 г. в Молдавской ССР было 8 профессиональных театров. В республике насчитывался 21 краеведческий, исторический, мемориальный и художественный музей. Создана танже Дирекция художественных выставок и панорам. организующая передвижные выставки.

По числу посещений кинотеатров городским населением Молдавия в 1971 г. занимала первое место в стране, а сельскими жителями — четвертое место.

Царицыно. Фигурный мост

ПОЭТ В АРХИТЕКТУРЕ

Потемневший от времени старинный портрет. Молодой человек, открытое, безмятежное лицо, по-детски, чуть удивленно вскинуты брови...

Каменных дел мастер Василий Баженов.

Таким вступил он в жизнь — с душой, исполненной страстного желания положить труды свои «к чести своего века, к бессмертной памяти будущих времян... к утехе и удовольствию своего народа».

Но в екатерининской России этому дивному мастеру была уготована трагическая судьба. Детство и юность будущего зодчего прошли среди древних сооружений Московского Кремля. Здесь в одной из церквей служил псаломщиком его отец. Мальчик целыми днями рисовал на песке и на бумаге кремлевские палаты, сказочные купола и башни. Когда стал постарше, ходил на стройки, помогал каменщикам, расписывал стены, печи. Затем ученик команды архитектора Ухтомского стал студентом Московского университета, в двадцать три года он уже «архитектурии-помощник в ранге прапорщика» Санкт-Петербургской Академии художеств.

Триумфальной была заграничная поездка Баженова по окончании академии. В Риме его награждают дипломом на звание академика, «чтоб ему быть мастером и профессором архитектуры как в Риме, так и везде».

Молодой зодчий в 1765 г. возвратился на родину, мечтая о строительстве исполинских сооружений, прославляющих родную землю своего Отечества. На протяжении пяти лет целью и смыслом жизни стал для Баженова грандиозный проект Кремлевского дворца. Он сделал из дерева огромную модель, во внутреннем дворе которой свободно помещалось несколько человек. Новый дворец должен был затмить славу самых прекрасных сооружений древности.

Отзвучали колокола на торжественной церемонии закладки дворца. По всем европейским странам разнеслась молва о великолепии нового замысла русской царицы... На этом все и кончилось.

Михайловский замок. Построен В. Бренна по проекту В. Баженова

Проходит несколько лет, и Баженов вновь увлечен грандиозными замыслами: на сей раз ему поручили строительство загородного дворца в Царицыне, под Москвой. В творческом соединении средневековых готических и древнерусских архитектурных форм находит зодчий новую художественную выразительность ансамбля дворца и парка. Но Екатерине почудилось что-то страшное в таинственности царицынского ансамбля, архитектор потерял ее доверие за связи с масонами, с просветителем Н. И. Новиковым и его кружком. Она приказала срыть «этот острог» до основания.

Среди жителей соседних деревень долго ходило предание об архитекторе, повесившемся в одной из аллей царицынского сада.

Но это легенда. — Баженов остался жить.

Он снова загорелся, снова проектировал, строил. По его проектам созданы дом Пашкова — старое здание Библиотеки имени В. И. Ленина — и ряд других в Москве. Но силы и здоровье его были надорваны.

«Поэт в архитектуре» — так окрестили Василия Баженова потомки. Помпезный век Екатерины не понял величия его замыслов: слишком впереди своего времени шел каменных дел мастер. «Это ли не подлинный герой трагедии?!» — воскликнул И. Грабарь в одной из своих работ о Баженове.

Вождям рабочего класса

Этот памятник отличала подчеркнутая строгость и монументальность Грубо обработанные, с «рваной» поверхностью, блоки из самого простого строительного материала — обожженного кирпича — сложены в асимметричную композицию. Памятник был полон внутренней силы и несокрушимой твердости. На красном — цвета революционного знамени — кирпиче монумента не было традиционных надписей и барельефов. Лишь пятиконечная звезда с серпом и молотом — как символ победы революции.

Монумент, воздвигнутый в 1926 г. в Берлине, был посвящен памяти Карла Либкнехта и Розы Люксембург, основателей и вождей Коммунистической партии Германии, зверски убитых контрреволюционерами в январе 1919 г.

Автор памятника — известный архитектор Мис ван дер Роэ.

Памятник Карлу Либкнехту и Розе Люксембург был уничтожен нацистами.

Есть заводской театр!

На смотрах народных театров Латвии театр Рижского радиозавода имени А. С. Попова приобрел немало наград. Эти смотры доказали, что заводские актеры в драматическом искусстве могут соперничать с профессионалами.

Явление это закономерное: с «половцами» репетировали лучшие латышские режиссеры. Будущие актеры театра пришли прямо из цехов. Их собрал рабочий Арвид Регздинь, который в 1947 г. основал при заводе драматический коллектив и провел первые репетиции.

В 1951 г. о заводском театре заговорили по всей Латвии. Главный режиссер Валмиерского драматического театра имени Леона Паэгле народный артист Латвийской ССР Петерис Луцис поставил в нем «Сына рыбака» по известному роману Вилиса Лациса. Он как бы экзаменовал рабочих: подготовлены ли они для серьезной работы. И театр получил аттестат сценической зрелости.

Уже знатоками дела самодеятельные актеры попали в руки народного артиста СССР Альфреда Амтмана-Бриедита.

А с 1966 г. Народным театром Рижского радиозавода имени Попова руководит Вильма Гибейко.

Большой творческий опыт «поповцев» позволяет им браться за сложнейшие постановки — «Проделки Скапена» Мольера или «Похождения бравого солдата Швейка» Гашека.

На экранах США

Американского зрителя настойчиво пичкают фильмами, сами названия которых недвусмысленно дают понять, о чем идет речь в этих лентах: «Испытание ужасом», «Вкус насилия», «Психоз». По экранам США разгуливают убийцы и маньяки, садисты и наркоманы. Отвлечь зрителя от насущных проблем времени — вот к чему стремится коммерческое кино. Самым изощренным и плодовитым мастером «фильмов ужаса» прослыл режиссер Алфред Хичкок, который сейчас переключился на откровенно антисоветские фильмы.

Побив все кассовые рекорды, шагнул на экран неуязвимый «секретный агент 007 с правом на убийство» — Джеймс Бонд. После восьми серий об альковно-шпионских приключениях супермена, в том числе и одной антисоветской, актер, исполнявший роль Бонда, — шотландец Шон Коннери — отказался участвовать в съемках следующих фильмов. Шон Коннери недвусмысленно высказал свое ироническое отношение к персонажу. Но нашелся новый Бонд — актер Лазенбай.

Атмосфера насилия и террора, открытый бандитизм, царящие в повседневной жизни нынешней Америки, послужили темой картины «Инцидент» («Случай в метро»). Авторы фильма стремятся убедить запуганного обывателя, что все происходящее в картине — кровавые драки, издевательства подвыпивших юнцов над пассажирами вагона метро — лишь инцидент, единичный случай, и в жизни, как и в финале «Инцидента», всегда найдется бравый солдат, который отважно побеждает бандитов. Силе противопоставляется только сила, кулаку бандита привычный к драке кулак солдата.

• 13 августа — 175 лет со дня смерти В. И. Баженова (р. 1737 или 1738 — ум. 1799), русского архитектора.
• 15 августа 1945 — Завершено освобождение Кореи от японских захватчиков.
• 18 августа — День Воздушного Флота СССР.

АНДЖЕЛО БРОНЗИНО (1503-1572). Портрет юноши. Ок. 1535-1537. Дерево, масло. 95,6x75. Метрополитен-музей. Нью-Йорк.

АВГУСТ 19 20 21 22 23 24 25 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Песнь земли молдавской

Словно быстрокрылые птицы, летят над землей молдавские дойны. Разносит их оркестр народной музыки «Флуераш». Десятки тысяч километров за его плечами, сотни городов Советского Союза, зарубежные страны: ГДР, Финляндия, Чехословакия, Канада. «Флуераш» всегда на колесах. Но где бы он ни был, на севере или на юге, он остается верным сыном родной солнечной Молдовы.

«Флуераш» в переводе с молдавского означает «свирелька». Родился коллектив в 1949 г. как прямой профессиональный наследник и продолжатель славных традиций молдавских лэутаров, бродячих музыкантов.

Как всякий народный коллектив, «Флуераш» играет без дирижера: ансамбль ведет первая скрипка — самый опытный скрипач, стоящий впереди. Уже более 15 лет в этой роли выступает народный артист Молдавской ССР Сергей Лункевич, художественный руководитель ансамбля и солист, музыкант с яркой артистичностью и бурным темпераментом.

Высокое звание лауреата VI Всемирного фестиваля завоевал бывший колхозный пастух Петря Захария. Богатство и красочность палитры музыканта, игравшего на бузинной дудочке, привели в восторг слушателей.

Огромна популярность певцов «Флуераша». Имя народной артистки Советского Союза Тамары Чебан давно уже приобрело международную известность.

Праздничность — это, пожалуй, наиболее полное определение того впечатления, которое оставляют стремительные и задорные, полные огня молдавские танцы в исполнении танцовщиков «Флуераша». Эта праздничность — в ритмах, и в богатстве красок, и в горячей увлеченности.

Кратко и емко, почти афористично назвали выступление «Флуераша» в Прибалтике — «заряд солнца и бодрости».

Д. АМГАЛАН. Доброе утро, мама! Из серии «Утро Монголии»

ВОЗЛЕ ПАМЯТНИКА ПУШКИНУ В МОСКВЕ

* * *

3010 случаев хищения произведений искусства зарегистрировала французская уголовная полиция в 1971 г. Это вдвое больше, чем в 1970 г. Ограблены 36 музеев, 217 церквей и много частных коллекций.

«Журналь дю диманш» прокомментировал это сообщение следующим образом: «Франция стоит на «верном» пути, чтобы догнать Италию, которая пользуется печальной славой обладательницы рекорда в хищении произведений искусства».

ГИТИС-Интернациональный

Государственный ордена Трудового Красного Знамени институт театрального искусства имени Луначарского — старейшее и самое крупное театральное учебное заведение нашей страны. Заглянем в один из его залов. Идет репетиция трагедии Шекспира. Участники спектакля — студенты чеченоингушской студии — репетируют одну из сцен. Смотришь на убедительную игру актеров и невольно вспоминается тот день, когда молодежь студии впервые появилась в стенах института. Все для них было ново и необычно. Ведь многие из них родились и выросли в горных селениях.

Не у всех одинаково легко начинался путь в искусство. Родители нередко не хотели отпускать девушек учиться. Приемной комиссии, выехавшей в республику, чтобы там отобрать талантливую молодежь, приходилось долго уговаривать родителей.

Трудно приходилось на первых порах. Кроме специальности много времени отнимали другие предметы. Ведь актер, участвуя в духовном и идейном воспитании зрителей, помимо таланта должен обладать разносторонними знаниями, передовыми политическими взглядами.

Много сил и знаний отдали педагоги воспитанию своих питомцев. Сравнительно за короткое время из юношей и девушек с разными характерами, привычками, вкусами был создан единый сплоченный творческий коллектив.

ГИТИС по праву можно назвать интернациональным вузом. На его факультетах и отделениях учится до 700 человек. Среди них русские и белорусы, украинцы и молдаване, таджики и киргизы, осетины и адыгейцы — представители свыше 34 национальностей. Сюда приезжает учиться молодежь из разных стран.

С 1931 г. в ГИТИСе была введена система подготовки самостоятельных национальных студий. Среди опытнейших педагогов — известные мхатовские актеры прошлого и настоящего: М. М. Тарханов, В. А. Орлов, В. Я. Станицын и другие. Историю театра читают видные ученые-теоретики. Многие студии позднее явились тем ядром, вокруг которого сформировались национальные театры.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

Начинается обычный рабочий день. Залы наполняются посетителями. Экскурсоводы ведут группы студентов, школьников, туристов, знакомя их с искусством Казахстана, с подлинниками русской и западной классики.

Галерея — один из самых молодых художественных музеев страны: она была организована в 1935 г. В 1939 г. ей было присвоено имя Т. Г. Шевченко, первого художника, посвятившего свои работы изображению жизни казахского народа.

Собрание галереи приобрело широкую известность далеко за пределами республики. На крупнейших выставках в Москве и за рубежом можно видеть произведения с надписью «Собственность Казахской художественной галереи». Среди них работы известных мастеров живописи, скульптуры и графики Казахстана — А. Кастеева, А. Исмаилова, А. Черкасского, А. Галимбаевой, К. Тельжанова, X. Наурзбаева, С. Мамбеева, Н. Нурмухаммедова, К. Шаяхметова, Е. Сидоркина и молодого поколения художников республики, произведения русского дореволюционного искусства и художников западных школ. Галерее принадлежат многие, ставшие широко известными, работы советских художников П. Корина, С. Герасимова, А. Рылова, А. Дейнеки, М. Сарьяна.

Проходя сейчас по залам галереи, трудно поверить, что этот первый в республике художественный музей создавался на пустом месте. Никаких частных собраний, которые могли бы заложить основу коллекции, в Казахстане не было. Тем не менее почти пятую часть музейных фондов составляют произведения русской и западной классики.

* * *

— Знаете, Джеймс, говорят, что Паркер сколотил огромное состояние благодаря урокам пения, которые берет его дочь.

— Каким образом?

— Он скупил за бесценок все соседние дома.

• 21 августа — 100 лет со дня рождения П. М. Садовского (1874-1947), советского актера и режиссера, народного артиста СССР.
• 23 августа — 30 лет со дня освобождения Румынии от фашистского ига (1944). Национальный праздник румынского народа.
• 25 августа — День шахтера.

В. БОБОРЫКИН (р. 1922). Памирский хлебороб. 1963. Холст, масло. 100x140. Музей историко-краеведческий и изобразительных искусств имени Бехзада. Душанбе.

АВГУСТ 26 27 28 29 30 31 1 СЕНТЯБРЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

A. H. РАДИЩЕВ И ЕГО КНИГА

Пламя, зажженное Радищевым, прошло, не ослабев в своей яркости, через века. Радищев зажег его в ту пору, когда самодержавие глухой стеной стояло на пути полноправного развития народа, когда ни о каком светлом дне для себя не мог и думать забитый крепостной человек.

Книга Радищева «Путешествие из Петербурга в Москву» в своей ненависти к тирании и в своем глубоком сочувствии к подневольному человеку потрясла основы самодержавия. Это хорошо поняла императрица Екатерина, расправившаяся с автором во всю силу своей самодержавной руки: Радищев был сослан в Илимский острог, книга его была сожжена, литературная деятельность оборвана, жизнь сломана, и, ссылая его в Сибирь, Екатерина несомненно рассчитывала, что оттуда он уже не вернется.

Однако слово нетленно, его не сожжешь, не втопчешь в землю. Пламя, зажженное Радищевым, было принято как эстафета и Пушкиным, и декабристами. Воздействие книги Радищева на всю прогрессивную часть русского общества явилось не только огромным; книга эта как бы призывала к действию последующее поколение просветителей, она в нетленности прошла с XVIII в. через всю историю России, имя Радищева стало символом передового просвещения.

У книги Радищева «Путешествие из Петербурга в Москву», помимо ее воздействия на освободительную борьбу в России, особая судьба. Отобранная у книгопродавцов и сожженная, сохранившаяся в единичных экземплярах, книга эта стала одной из самых замечательных редкостей среди русских книг. Существует канонический счет уцелевших экземпляров, среди них и принадлежавший Пушкину.

В истории русского книгопечатания «Путешествие из Петербурга в Москву» возглавляет не только ряд уничтоженных и попранных книг; оно возглавляет и ряд тех книг, которым дано было своим призывным словом привлечь к действию демократические силы России. Запрещенное в России вплоть до 1905 г., «Путешествие» распространялось в многочисленных списках. А. И. Герцен издал его в 1858 г. в Вольной русской типографии в Лондоне.

Благодарные потомки, мы чтим имя Радищева, мы вручаем его книгу в руки представителей молодого поколения, чтобы на примере героических дел прошлого они лучше познали бы сегодняшний день своего Отечества, когда осуществились все чаяния далекого предка, мученика за свободу народа — Александра Николаевича Радищева.

В его музыке — современность

«С самого детства меня, как и моих ровесников, окружала романтическая атмосфера свершений народа; героика, подвиги, пафос революционной борьбы требовали своего увековечения; весь мир, все окружающее, казалось, обретало свой ритм, свою неповторимую мелодию. И эту воображаемую, звучащую где-то в глубине души мелодию мне неудержимо хотелось воспроизводить» — так сам Кара Караев объясняет свой взгляд на жизнь. Взволнованно, смело композитор откликается на события современности, воплощая их в своем творчестве.

Сюита «Вьетнам» и симфонические гравюры «Дон Кихот» (на основе музыки к одноименному фильму), балет по роману писателя ЮАР Питера Абрахамса и ноктюрны-блюзы для баса в сопровождении джаза на слова негритянского поэта Ленгстона Хьюза — в этом перечне не только колоритная и многонациональная «география» творческих интересов Кара Караева, но и его понимание народного и национального в современном музыкальном искусстве. Глубоко проникая в национальный колорит, композитор решает тему как национальный азербайджанский музыкант: «Обращаясь к материалу из жизни других народов, — говорит Кара Караев, — композитор все же может остаться самим собой, сохранить свой национальный характер.

В каждом его произведений: в «Поэме радости», написанной в двадцатилетием возрасте, в симфонической поэме «Лейли и Меджнун», в балете «Тропою грома» — везде звучит любовь композитора к жизни, к людям, его протест против любого зла и насилия.

Ленинская премия — вот оценка достижений и заслуг азербайджанского композитора, огромной популярности его музыки, в которой, по словам Назыма Хикмета, «есть солнце и страсть Юга, луна и романтика Севера», «это музыка наших дней, когда люди уже вышли на завоевание космоса».

* * *

Американский миллионер, очень кичившийся своим богатством, пришел однажды в музыкальный магазин и попросил дать ему самую дорогую скрипку. Продавец принес ему уникальный инструмент, сделанный в XVIII в.

— Скажите, — обратился к продавцу миллионер, — а та компания, которая выпустила эту скрипку, еще существует?

— Конечно, нет, — ответил продавец.

— Тогда я не куплю. Где я найду к ней запасные части?

ЗАМЕЧАТЕЛЬНАЯ КОЛЛЕКЦИЯ

Павловский дворец, памятник русского искусства эпохи классицизма, знаменит не только своей архитектурой. Громадную художественную ценность представляет и его убранство: мебель, ковры, бронза, фарфор, картины и скульптура. Особенно значительную роль в убранстве залов играет античная скульптура. И это не удивительно. Дворец создавался в период увлечения искусством Древней Греции и Рима. В архитектуре этого времени используют выработанные в античном искусстве формы, парадные залы украшают статуями, бюстами, барельефами, найденными на развалинах древних сооружений. Так и архитектор Ч. Камерон, начав в 1782 г. строительство дворца, задумал украсить его антиками. В том же году в Италии делаются закупки произведений древней пластики.

Первые античные статуи были привезены в 1783-1784 гг. Антики не только устанавливались в нишах и на специальных постаментах в залах дворца, но и заделывались непосредственно в стены. Так, в Итальянском зале были вмонтированы мраморные рельефы «Три грации» и «Обряд римской свадьбы», а также 8 профильных портретов знаменитых людей древнего мира.

Много новых произведений поступило во дворец после прихода Павла к власти в 1796 г.

В настоящее время коллекция античной мраморной скульптуры в Павловске насчитывает 45 произведений (статуи, бюсты, рельефы). Все это работы древнеримских скульпторов I и II в. н. э. Часть их повторяет утраченные древнегреческие оригиналы. Одна из лучших — статуя «Пляшущий сатир» — в нише Итальянского зала. Она превосходно передает динамику танца: анатомически четко прослеженная, но не чрезмерно детализированная мускулатура, упругий разворот корпуса, порывисто откинутая голова, кажется, наполняют статую жизнью и движением.

Другая часть коллекции — это оригинальная древнеримская скульптура, и в первую очередь римский портрет. В Павловской коллекции особенно интересны портретные статуи, которых в музеях СССР буквально считанные единицы. Это — «Римский гражданин в тоге» и «Фаустина Младшая в образе Афродиты» в Кавалерском зале. Обе статуи отличаются первоклассным исполнением и сравнительно хорошей сохранностью.

Античные бюсты и рельефы входят и в убранство других залов. По разнообразию подбора и высокому художественному качеству коллекция антиков Павловского дворца занимает одно из первых мест среди лучших скульптурных собраний Советского Союза.

Три грации. Римская работа II в. н. э.

Пляшущий сатир. Римская работа по греческому образцу II в. до н. э.

* * *

...Человек ведь не только мыслящее, но одновременно и чувствующее существо. Он нечто целостное, единство различных сил, тесно связанных между собой. К этому-то целому и должно взывать произведение искусства, оно должно соответствовать этому разнообразному единству, этому слитному разнообразию.

• 28 августа — 225 лет со дня рождения Иоганна Вольфганга Гете (1749-1832), немецкого поэта и мыслителя.
• 31 августа — 225 лет со дня рождения А. Н. Радищева (1749-1802), русского революционера, писателя, философа.
• 1 сентября — Всесоюзный день работников нефтяной и газовой промышленности.

ЭДУАРД МАНЕ (1832-1883). Флейтист. 1866. Холст, масло. 164x97. Лувр. Париж.

СЕНТЯБРЬ 2 3 4 5 6 7 8 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В Латвийской ССР в 1971 г. насчитывалось 54 музея и их филиала, которые за год посетили 2717 тыс. человек.

Рижская киностудия в 1946-1971 гг. выпустила 76 полнометражных и 330 короткометражных фильмов и 1257 киножурналов. Общее число киноустановок в 1972 г. — 1300 (в 1940 г. — 77).

В республике 10 профессиональных театров. Каждый вечер их посещает более 6 тыс. зрителей. В 1971 г. сыграно 4472 спектакля (в 1940 г. — 773).

В Латвийской ССР в 1972 г. работало более одной тысячи клубных учреждений (в 1940 г. — 92).

Эмиль Золя об Эдуарде Мане

Первое впечатление, которое производит любая картина Эдуарда Мане, несколько сурово и терпко. Мы не привыкли видеть такое простое и искреннее толкование действительности. Кроме того, неожиданной кажется здесь и какая-то элегантная угловатость. Сначала глаз не замечает ничего, кроме широко положенных пятен. Затем предметы начинают вырисовываться и становиться на место; через несколько мгновений выявляется целое, значительное и прочное, и начинаешь по-настоящему наслаждаться, созерцая эту ясную и серьезную живопись, изображающую натуру с грубоватой нежностью, если можно так выразиться. Приближаясь к картине, видишь, что техника — скорее деликатная, чем небрежная; художник употребляет только широкую кисть и пользуется ею очень осторожно; нигде нет нагромождения красок, кладка везде компактная. Та дерзость, которая вызывала смех, достигается мудрыми приемами, и если его произведения имеют особый характер, то это объясняется только совершенно индивидуальной манерой наблюдать и передавать объекты.

В общем, если бы меня спросили, в чем новизна языка Эдуарда Мане, я бы ответил: он говорит языком простым и точным. Тон, который он вносит, светел и наполняет холст сиянием. Его трактовка точна и проста; он оперирует большими ансамблями и намечает только массы...

Но более всего мне нравится «Флейтист»... На ... пронизанном светом фоне вырисовывается молодой музыкант; он в форме: в красных панталонах и военной шапке; стоя лицом к лицу со зрителями, он дует в свой инструмент. Если я выше сказал, что характерными чертами таланта Мане являются простота и точность, то прежде всего потому, что вспомнил о впечатлении, произведенном на меня этой картиной.

КОМПОЗИТОР АНТОН БРУКНЕР

Австрийский композитор Антон Брукнер родился в деревне Ансфельден, в нескольких десятках километров от Зальцбурга. На Брукнера оказало большое влияние народное музыкальное творчество австрийских крестьян. «Я знаю лишь одного, кто приближается к Бетховену; это — Брукнер», — сказавший эти слова Рихард Вагнер бесспорно был близок к истине.

В музыке Брукнера поразительно совмещаются величие и простота, теплота чувства и глубина философской мысли, кажущаяся «старомодность» и поразительные музыкальные «прозрения». Часто кажется, что слышишь музыку современного композитора, настолько смелы гармонические обороты у Брукнера.

Среди 9 симфоний композитора, пожалуй, чаще других звучат на концертной эстраде 4, 7 и 9-я. Я неоднократно дирижировал этими симфониями и при исполнении второй части 9-й симфонии остро ощущал близость Брукнера к Шостаковичу. Мне кажется, что Брукнеру в его время не хватало современного оркестра (я имею в виду современные музыкальные инструменты) для выражения своих идей. По-видимому, здесь имеет место то же, что испытывал Бетховен, когда при инструментовке своих симфоний вынужден был пользоваться имеющимися в его распоряжении старинными медными духовыми, хотя его композиторская фантазия далеко опережала их технические возможности.

Форма у Брукнера поразительна. Какой масштаб, какое совершенство конструкции, какое чувство пространства! Все симфонии Брукнера длятся около часа, а то и больше, но в этой музыке нет лишних нот, так же как нет лишних камней в Миланском соборе. Брукнер — подлинный поэт симфонии. Не случайно за всю свою долгую жизнь он не создал почти никаких сочинений помимо своей поистине гигантской «симфонической саги».

Симфонии Брукнера украшали репертуар всемирно известных дирижеров — Малера, Никиша, Вальтера, Фуртвенглера, Клемперера. В Советском Союзе среди интерпретаторов Брукнера прежде всего следует назвать Е. Мравинского, Н. Рабиновича, Н. Аносова.

ТЕАТР ВО ВЛАДИМИРЕ

Очень сложно и ответственно возводить новые сооружения в непосредственной близости от всемирно известных памятников архитектуры. Однако создатели нового здания Владимирского областного драматического театра имени Луначарского сумели включить его в застройку древней части города, не нарушив ее гармонии.

Главный вход обрамлен снаружи стройными колоннами из белого известняка.

Поверх колонн выступает мощный карниз, облицованный медной черненой черепицей. Из широких проемов между колоннами смотрят на входящих в театр фигуры скоморохов. Выполненные с юмором и теплотой, они смягчают строгость и торжественность общего облика здания. В облицовке внутренних помещений театра гладкие белокаменные плиты чередуются с резными рельефными панно. На фоне белого камня эффектно выглядят декоративные изделия из кованой меди, изготовленные владимирскими мастерами. Точно найденные размеры театра, традиционные местные материалы, примененные в его отделке, роднят новое сооружение с окружающими памятниками древнерусского зодчества.

Зрительный зал театра рассчитан на 800 человек. Потолок его отделан деревянными панелями. Вдоль панелей, под потолком размещены рядами медные светильники, льющие мягкий рассеянный свет. Техническое оснащение театра отличается совершенством. Он обеспечен системой кондиционирования воздуха, отличной службой свето-звуко-сопровождения. Сцена театра снабжена вращающимся барабанным кругом. Большая авансцена также расширяет постановочные возможности театра.

На третьем Всесоюзном смотре творческих достижений советской архитектуры, посвященном 50-летию образования СССР, авторам проекта архитекторам Г. Горлышкову, В. Давиденко, Н. Шебалиной, И. Былинкину, скульпторам Ю. Александрову, 3. Ветровой и инженерам М. Алдошиной, М. Глебовой был присужден диплом.

В. ПАНФИЛОВ. Богатыри. 1960 г.

«НЕИСТОВЫЙ РОЛАНД»
Отрывок из поэмы

• 2 сентября 1945 — Провозглашение Демократической Республики Вьетнам.
• 2 сентября 1945 — Подписан акт о безоговорочной капитуляции Японии.
• 2 сентября — 70 лет со дня рождения А. М. Якобсона (1904-1963), эстонского советского государственного деятеля, писателя.
• 4 сентября — 70 лет со дня рождения (1904) П. В. Массальского, советского актера, народного артиста СССР.
• 4 сентября — 150 лет со дня рождения Антона Брукнера (1824-1896), австрийского композитора, органиста и педагога.
• 8 сентября — День танкистов.
• 8 сентября — Международный день солидарности журналистов.
• 8 сентября — 500 лет со дня рождения Лудовико Ариосто (1474-1533), итальянского поэта.

А. КУИНДЖИ (1842-1910). Сосна. Не датирована. Бумага на картоне, масло. 55x36,5. Калининская картинная галерея.

СЕНТЯБРЬ 9 10 11 12 13 14 15 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

АРХИП КУИНДЖИ

В начале 1880 г. в Петербурге, в Обществе поощрения художеств открылась необычная выставка — выставка одной картины. Войдя в зал с задрапированными окнами и освещенный лампами, зрители, зачарованные, замирали перед излучавшей, казалось, живой лунный свет картиной «Ночь на Днепре». «Что это такое? — писал поэт Полонский. — Картина или действительность? В золотой раме или в открытое окно видели мы этот месяц, эти облака, эту темную даль...»

Мастер, создавший необыкновенную картину, чье звучное имя Архип Куинджи было у всех на устах, и сам был необычен во всем! Необычна была его биография. Сын бедного мариупольского грека-сапожника, он пробился в Академию художеств, стал одним из прославленнейших художников России, самым любимым профессором тогдашней академической студенческой молодежи. Необычен, непроторен был творческий путь художника. Первая его картина «Татарская сакля», за которую Академия художеств присвоила самоучке Куинджи звание неклассного художника, появилась на академической выставке прежде, нежели автор ее стал вольнослушателем Академии. Но не окончив курса, Куинджи углубился в творчество. В первые 10 лет были им созданы такие шедевры, как «Осенняя распутица», «На острове Валааме», «Чумацкий тракт в Мариуполе», «Украинская ночь», «Север», «Березовая роща», «Ночь на Днепре», принесшие автору громкую славу, поднявшие вокруг имени его пламенные восторги, горячие споры, порой несправедливые нападки и даже обвинения в... безграмотности. Бурное и плодотворное десятилетие неожиданно сменилось тридцатилетним «молчанием», которое длилось до самой смерти. В этот период Куинджи в тиши мастерской, куда он никого не пускает, оттачивает свое резкое, неподражаемое мастерство, создавая немногочисленные полотна, экспериментирует с составами и сочетаниями красок.

Архип Иванович Куинджи был человеком большого, щедрого, доброго сердца, отдавшим все без остатка заботам о русском искусстве. Он был первым, кто призывал передвижников вернуться в Академию и своей работой разрушать изнутри ее рутину. Он, спасая студентов, устроивших бунт в Академии, принял на себя удар — вынужденную отставку. Он поддерживал нуждающихся художников, организовывал Весенние выставки в Академии художеств, премии на которых выплачивались из пожертвованных им средств. Он вместе со своими учениками создал Общество художников, которое стало носить его имя, и завещал ему все, что имел, все, что создал.

ВЕЛИМУХАМЕД МУХАТОВ

В успехах профессионального музыкального искусства Туркмении, прошедшего за годы Советской власти колоссальный путь от одноголосных народных мелодий до самых совершенных форм современной музыки, есть немалая доля заслуг Велимухамеда Мухатова, одного из ведущих композиторов республики сегодня.

В 20 лет он начал учиться читать ноты, играть на скрипке и попробовал сочинять. Затем в Туркменской национальной студии при Московской консерватории Мухатов занимается уже в двух классах — скрипки и композиции.

1941 год. Война. И начинающий композитор, сменив смычок и перо на штык, идет на фронт защищать Советскую Отчизну, ее свободу и счастье.

После окончания Великой Отечественной войны Мухатов вновь возвращается в Москву, но теперь уже не в национальную студию, а в консерваторский класс композиции, которым руководит профессор С. Н. Василенко. Одно за другим появляются сочинения молодого туркменского композитора, и каждое говорит о его большом даровании. Еще в студенческие годы он пишет балет «Ак-Памык» («Белый хлопок») в соавторстве с А. Зноско-Боровским, оперу «Кемине и казы» («Поэт и судья»), навеянную произведениями туркменского сатирика Кемине в соавторстве с А. Шапошниковым. Она стала первой национальной комической оперой.

Мухатов — автор музыки к Гимну своей республики, им написаны симфонические сюиты, «Героическая симфония», поэма «Моя Родина», кантата «Победа», «Кантата о счастье», песни, хоры, фортепианные пьесы, музыка к кинофильмам. Одна из последних работ — опера «Конец кровавого водораздела», посвященная событиям гражданской войны.

однажды...

Бельгийский скрипач Эжен Изаи после концерта в Брюсселе был приглашен на вечер к владельцу большой обувной фабрики. После ужина хозяин попросил Изаи сыграть.

— Охотно, — ответил музыкант, — кстати, если вы будете моим гостем, я вас попрошу снять у меня мерку с обуви.

А. П. ДОВЖЕНКО. Автопортрет

МНОГОГРАННЫЙ ТАЛАНТ

Александр Петрович Довженко известен во всем мире как выдающийся кинорежиссер и писатель.

Но не многие знают о том, что он был чудесным художником-карикатуристом, живописцем, иллюстратором, плакатистом, человеком, великолепно разбиравшимся в сложных вопросах изобразительного искусства.

«Я пришел работать в кинематографию в 1926 году, — вспоминал Довженко в одном из своих публичных выступлений. — До тех пор я в течение четырех-пяти лет занимался живописью... К искусству меня тянуло с детства, и я был глубоко убежден, что в этом направлении я и должен строить свою жизнь».

Но не живописи и не графике, а кино отдано было сердце художника. Взойдя на самую вершину кинематографического искусства и создав такие шедевры, как «Земля», «Арсенал», «Щорс», «Мичурин», Довженко уже никогда больше не возвращался к страстному влечению своей молодости и ни разу не выступал на выставках, в печати в качестве живописца или графика. Но незаурядное дарование художника давало о себе знать на протяжении всего жизненного и творческого пути. Свидетельством этому — не только киноживопись его фильмов, но и хранящиеся в архиве мастера многочисленные зарисовки, автопортреты и главным образом виртуозные и динамичные рисунки к кинокартинам.

Наследие Александра Довженко-художника: более 500 портретов, плакатов, карикатур, шаржей, иллюстраций к произведениям украинских писателей, сатирических и юмористических рисунков.

* * *

* * *

Мадридский Прадо, один из великолепнейших музеев Европы, обслуживается штатом в 10 человек, не считая трех секретарей. Директор Прадо говорит: «Во второй половине дня вы здесь не найдете ни одного служащего, кроме меня. Все вынуждены подрабатывать на стороне, например, в университете» .

Как, в сущности, все европейские музеи, Прадо финансируется за счет национального бюджета. Это положение может вроде бы вызвать зависть у директоров некоторых американских музеев, зависящих от советов попечителей и от причуд меценатов. Но если в Европе директор и является хозяином в своем доме, то дом этот зачастую очень беден.

Ю. КРЕМЛЕВ. Йозеф Гайдн. Очерк жизни и творчества. М., «Музыка», 1972. А. СТОЙКО. Великий композитор. Повесть о жизни П. И. Чайковского. Л., «Музыка», 1972.

• 9 сентября 1948 — Провозглашение Корейской Народно-Демократической Республики.
• 9 сентября — 30 лет социалистической революции (1944) в Болгарии. Национальный праздник болгарского народа — День свободы.
• 11 сентября — 80 лет со дня рождения А. П. Довженко (1894-1956), советского кинорежиссера и кинодраматурга.
• 11 сентября — 450 лет со дня рождения Пьера Ронсара (1524-1585), французского поэта.
• 15 сентября — День работника леса.
• 15 сентября 1946 — Болгария провозглашена народной республикой.

С. КОБУЛАДЗЕ (р. 1909). Иллюстрация к «Слову о полку Игореве». Битва с половцами. 1939. Бумага, гуашь. 45x45. Музей искусств Грузинской ССР. Тбилиси.

СЕНТЯБРЬ 16 17 18 19 20 21 22 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ВЕЛИКОЕ ПРОИЗВЕДЕНИЕ ИСКУССТВА

Великие произведения искусства отличаются тем, что, перейдя за грани веков и даже тысячелетий, они сохраняют не только свою историческую ценность, но и художественное обаяние, продолжая эстетически воздействовать на сердца и души новых поколений. В каждую новую эпоху они как бы заново рождаются, оказывая непосредственное влияние на развитие вечно обновляющегося и потому вечно молодого искусства.

Именно к такого рода произведениям относится гениальное творение безымянного русского поэта — «Слово о полку Игореве».

Это произведение даже как-то странно называть памятником древней русской словесности. Странно потому, что к памятникам мы обычно относимся с холодноватой почтительностью, а «Слово о полку Игореве» задевает и заставляет звучать все самые чуткие, самые живые струны нашего сердца.

Посвященное одной из самых трагических эпох древней русской истории, эпохе удельных княжеских междоусобиц, оно высоко поднялось над всеми местническими интересами, вобрав в себя самые заветные, самые сокровенные думы и чаяния народа, обеспокоенного не столько выпавшими на его долю бедами, сколько судьбами родной земли.

Гениальность «Слова о полку Игореве» заключается не только в том, что автор его с удивительной прозорливостью проник в самую суть событий времени, мужественно глядя в лицо самой горькой правде, а и в том, с какой полнотой и силой воплотил он народные характеры, с какой страстью выразил веру в жизнь, жажду мира и справедливости.

Если бы рядом с суровым воином Игорем не стояла трепетно-нежная Ярославна, если бы буй-тур Всеволод в жаркой сече не вспомнил «своя милыя хоти, красныя Глебовны свычая и обычая», «Слово о полку Игореве», наверное, потеряло бы большую половину своего обаяния — обаяния просветленного жизнеутверждения.

Автор «Слова» не бесстрастный летописец, а страстный боец за утверждение самых высоких идеалов своего народа, за счастливое будущее родины, против всего, что связывает ее силы, мешает ей развернуться во всю мощь.

Нас до сих пор поражает смелость автора «Слова», который создал не плач о поражении Игорева войска, как это было принято прежде, не песнь в честь благополучного возвращения князя из половецкого плена, хотя у него есть и то и другое, а глубоко поэтическую повесть о русской земле, полную раздумий о ее судьбах. Повесть, где даже поражение не унижает человека, не убивает веры в торжество света над тьмой, добра над злом.

«Слово о полку Игореве» вобрало в себя все достижения древнерусской художественной культуры, как в ее устной традиции, так и в книжной письменности. Его автор черпает не только вдохновение, а и образы в народных песнях и сказках, в летописях и поучениях.

В. ФАВОРСКИЙ. Плач Ярославны. Левая часть разворота. Иллюстрация к «Слову о полку Игореве»

ИЗ ПИСЬМА В. ФАВОРСКОМУ

Уважаемый Владимир Андреевич, позвольте Вас глубоко отблагодарить за единственный по красоте подарок, за гравюры Ваши к «Слову о полку Игореве»...

Самое главное — в том, что Вы замечательно прочитали «Слово», как немногие историки и редкий поэт и переводчик прочитывали его до сих пор. Благодаря чуткому- вживанию в текст «Слова» Вам удалось создать разительный синтез поэтической легенды с историческим документом.

Люди, живущие в Ваших гравюрах, полны человеческих страстей и в лучшем смысле психологичны, то есть наполнены внутренним движением. Эта сказочная жизнь наших праотцев понятна, близка, трогательна нам, как будто она произошла на нашей памяти и вполне реальна. Вместе с тем реализм рассказа о трагедии Игоря воспринимается как нетленная сказка, исполненная песенной прелести и возвышенная, как самый драгоценный памятник о великих делах истории.

Гулбаки — резное украшение в центре потолка

РЕЗЬБА ПО ДЕРЕВУ В ГРУЗИИ

С древних времен в Грузии было распространено деревянное зодчество.

Резьбой по дереву украшали отдельные части жилого дома: обшивки стен комнат, двери, дверцы стенных шкафов, камины, лестницы, балконы, очаги, «гулбаки» (украшение в центре потолка). Покрывали резьбой деревянную мебель: в Сванетии кресла «сакурцхвили» — для старшего в семье или для особенно почетного гостя, «лергими» (диван), разные сундуки, разнообразные сосуды, музыкальные инструменты. Сохранились памятники средневекового искусства: фрески, рельефы с характерными изображениями резной деревянной мебели.

Для резьбы по дереву использовали как геометрические, так и растительные орнаменты. Реже встречаются в орнаменте изображения человека, животных и птиц. Традиции резьбы по дереву дошли до наших дней, и сейчас резчики украшают своим искусством быт советского человека.

СЛОВО О ПОЛКУ ИГОРЕВЕ
(Отрывок)

Торжокский кремль в XVII в. (По рисунку Олеария)

СТАРИННЫЙ РУССКИЙ ГОРОД

«Начало города Торжка сокрыто во мраке давно минувших столетий, и все летописи о сем молчат. Известно по преданию только то, что город Торжок в древние времена окружен был дремучими лесами». Так написано об этом древнейшем русском городе в одной из старинных книг. Есть сведения, что уже в XII в. эта местность принадлежала Великому Новгороду и, благодаря своему удачному географическому расположению на судоходной реке Тверце, была местом торговых сделок. Когда местность стала заселяться — поселение назвали Торговым городком, позднее — Торжком.

В XVIII в. Торжок оказался на тракте, связывавшем старую и новую столицы — Москву и Петербург. В XVIII-XIX вв. город украшается Путевым дворцом, появляются гостиницы, постоялые дворы, трактиры для проезжающих и путешествующих. Особой популярностью пользовалась гостиница Пожарского. сохранившаяся до наших дней. В ней часто останавливался А. С. Пушкин, бывали Н. В. Гоголь, В. Г. Белинский, И. С. Тургенев.

Жительницы города издавна славились своим мастерством золотошвей. Старинные вышивки можно видеть в музеях Калинина и Торжка. И сейчас не забыто в городе золотошвейное дело. На фабрике имени 8 Марта вышивают знамена, воинские знаки отличия, театральные занавесы и костюмы.

Следы многих эпох сохранил этот живописный город, неизменно привлекающий туристов. Лучше всего сказал о нем А. Н. Островский: «Торжок, бесспорно, один из красивейших городов Тверской губернии. Прекрасны и разнообразны берега «знатной» реки Тверцы. Восхитительной панорамой развертываются улицы и площади древнего города, разместившегося на восьми холмах. А сколько кругом архитектурных и исторических памятников, свидетелей давно минувших печальных и радостных событий».

ДИРК ГАЛЬС (1591-1656). Концерт. Дата неразборчива. Дерево, масло. 33,5x45,5. Киевский музей Западного и Восточного искусства.

СЕНТЯБРЬ 23 24 25 26 27 28 29 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В Таджикской ССР работает 11 профессиональных театров, в том числе Таджикский государственный академический ордена Ленина оперы и балета им. С. Айни, Таджикский государственный академический ордена Трудового Красного Знамени театр драмы им. А. Лахути и др.

К началу 1973 г. в республике насчитывалось 1070 киноустановок (в 1940 г. — 140), более 1200 массовых библиотек.

В 1973 г. в Таджикистане было 5 музеев, более одной тысячи клубных учреждений.

ДИРК ГАЛЬС

Голландская живопись XVII в. — одно из наиболее значительных явлений в западноевропейском искусстве. К середине этого века голландские художники достигают вершин реалистического мастерства во всех областях живописи. Портретисты и жанровые живописцы овладели сложным и трудным искусством изображения психологии человека. Как живой, предстает перед нами образ голландского бюргера эпохи первой буржуазной республики с его чувствами и мыслями, нравами и обычаями.

В голландской живописи утверждается в это время тип небольшой, «кабинетного» размера картины с мелкими фигурами, отличающейся повествовательным сюжетом и тщательным исполнением. Зритель хотел видеть в картине самого себя. И голландские художники наперебой предлагали ему многочисленные изображения сцен и событий повседневной жизни, быта и нравов всех слоев общества.

Одним из ранних жанристов был Дирк Гальс, младший брат знаменитого портретиста Франса Гальса. Большинство его жанровых картин изображает группы людей на лоне природы. в парках или в обширных залах пышных дворцов.

На картинах Дирка Гальса идет шумная, беспорядочная жизнь. Здесь бражничают, музицируют, играют в карты, хохочут. Для его картин характерно соединение праздничного настроения с какой-то напряженностью: тесно сгруппированы фигуры, тревожно мерцают яркие краски. В его композициях всегда ощущается широкий размах, большая свобода в выражении чувств.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

Лондонская Национальная галерея впервые была открыта для публики в мае 1824 г. Тогда она состояла всего лишь из 38 картин, приобретенных государством после смерти богатого банкира и коллекционера Ангерстейна. Произведения, среди которых находились 5 пейзажей Клода Лоррена, отдельные полотна Себастьяно дель Пьомбо, Тициана, Рембрандта, Рубенса, Хогарта и другие, были выставлены за неимением специального помещения в особняке Ангерстейна на улице Пэлл-Мэлл, а весь штат музея состоял из главного хранителя, его помощника, швейцара и уборщицы. Так началась жизнь галереи. Но идея о необходимости ее создания зародилась в умах передовой общественности Англии задолго до этого, во второй половине XVIII в. Такие известные личности, как художники Рейнолдс и Лоуренс, актер Гаррик, сделали немало для ее осуществления.

Галерея пополнялась за счет приносимых в дар или завещанных частных коллекций и государственных закупок. В 1832 г. по проекту архитектора Уилкинса было начато строительство музейного здания, которое впоследствии несколько раз расширялось.

Гордость галереи — уникальное собрание шедевров итальянского Возрождения. Здесь одна из первых батальных картин в истории европейской живописи «Битва при Сан Романо» Учелло, произведения Боттичелли, Поллайоло, Мантеньи, великолепная коллекция венецианской живописи XV в., «Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи, «Положение во гроб» Микеланджело, картины Рафаэля, Тициана, Тинторетто.

Блестящими именами представлена в галерее старонидерландская школа. Это несколько картин Яна ван Эйка, среди которых особенно выделяется парный портрет «Чета Арнольфини», произведения Брейгеля, Босха, Рогира ван дер Вейдена, Мемлинга.

Сравнительно невелик раздел испанской живописи (всего один зал). Наряду с картинами Эль Греко, Сурбарана. Гойи, Мурильо в нем экспонируется такой шедевр, как «Венера с зеркалом» Веласкеса.

Достаточно богаты и другие художественные школы — голландская, фламандская, французская. Особое место занимает в музее национальная английская школа — самое большое в мире собрание полотен Хогарта, Рейнолдса, Тернера, Гейнсборо.

Здание института

ИНСТИТУТ ПОД МОСКВОЙ

Каждый, кто посетит подмосковный город Зеленоград, несомненно обратит внимание на новый комплекс Московского института электронной техники. Он привлекает взгляды прежде всего нарядным цветом: сборные железобетонные каркасы зданий сочетаются с краснокирпичной облицовкой, оттененной белыми полосами ограждающих конструкций.

К строениям вплотную подступает лес. Пять невысоких корпусов (в 2-3 этажа) как бы следуют рельефу местности, в открытых и закрытых двориках сохранены естественные группы деревьев. Корпуса связаны крытыми переходами с общим вестибюлем и, таким образом, образуют единое целое. Главное здание с парадным входом находится в центре. Удивительно своеобразен его беломраморный портал: это прямоугольная вытянутая вверх рама со свободно висящими курантами работы скульптора В. Тюлина и художника С. Чехова. Здесь же можно увидеть набатный колокол XVII в., подаренный институту музеем в Тутаеве. Мерными ударами созывает он студентов и преподавателей на массовые собрания.

Большой гипсовый рельеф в символических образах показывает силу человеческого разума. Лишенные других украшений интерьеры аудиторий и лабораторий хороши своим цветовым решением, отличной освещенностью и сдержанной деловитостью. На основе последних достижений науки и техники архитекторы Ф. Новиков и Р. Саевич, а также инженер. Ю. Ионов создали современное здание, в котором можно проследить связь с древнерусским народным зодчеством. Комплекс этот справедливо был награжден дипломом 1-й степени и премией на 3-м Всесоюзном смотре творческих достижений советской архитектуры.

Кадр из фильма

Испытано временем

Двадцать лет назад кинозрители впервые познакомились с Журбиными. В фильме режиссера Иосифа Хейфица «Большая семья», снятом по роману Всеволода Кочетова, мы увидели представителей потомственной династии рабочих-судостроителей. Увидели и полюбили ершистого, вспыльчивого старика Матвея Журбина в талантливом исполнении Сергея Лукьянова, его сына Илью Журбина (Борис Андреев) — немногословного, волевого мастера и на склоне лет тянущегося к знаниям, чтобы не отстать от времени. Интересный образ младшего Журбина — Алексея — создал начинавший тогда свою артистическую карьеру Алексей Баталов. Алексей Журбин — рабочий новой формации, спокойный, уверенный в себе, в своих знаниях, своем месте в жизни.

Создателям «Большой семьи» удалось найти верную интонацию для показа жизни простой рабочей семьи — интонацию лиричного, душевного разговора. Даже в эпизоде, где легко было впасть в ложный пафос, — в эпизоде спуска со стапелей нового корабля, названного именем Матвея Журбина, — побеждает лирическое начало. И когда тайком от ликующей толпы смахивает набежавшую слезу пришедший на торжество патриарх династии Матвей, кого из зрителей оставляла спокойным эта волнующая сцена победы человеческого духа, коллективного труда, сцена, передающая праздничную атмосферу трудовой жизни. Поэтому фильм выдержал самое трудное испытание — временем.

• 27 сентября — 80 лет со дня рождения Отто Нагеля (1894-1967), немецкого художника.
• 28 сентября — 70 лет со дня рождения (1904) А. Я. Каплера, советского кинодраматурга.
• 29 сентября — День машиностроителя.
• 29 сентября — 70 лет со дня рождения Н. А. Островского (1904-1936), советского писателя.

И. ЛЕВИТАН (1860-1900). Сад в снегу. 1890. Бумага, гуашь. 29,2x35,1. Русский музей. Ленинград.

СЕНТЯБРЬ 30 1 2 3 4 5 6 ОКТЯБРЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

СОЛОВЬИНОЕ ЦАРСТВО

Первая «встреча» с Левитаном произошла у меня в Третьяковской галерее. Но сильно запомнилась еще одна из многочисленных, если можно так сказать, «внутренних» встреч с давно умершим художником. Этих встреч на самом деле не было, но часто возникало ощущение, что Левитан был только что здесь, что, конечно, только оц мог показать нам те великолепные уголки страны, что сияют в бледной синеве неба, молчат вместе с безветренными водами рек и озер и откликаются эхом на крики кочующих птиц.

Эта встреча случилась в лесистой и пустынной стороне невдалеке от Москвы. Места были глухие, почти бездорожные. Мне пришлось ехать в телеге и переправляться через лесные реки на паромах.

Кончалась весна. Зеленоватое ночное небо слабо светилось над сырыми лесами. Воздух был пропитан холодноватым запахом мокрых доцветающих трав.

Я уснул в телеге. Проснулся я оттого, что телега, заскрипев, остановилась на песчаном спуске к реке и возница лениво закричал:

— Эй, Семен, давай перевоз!

— Ладно, ладно! — ответил из тумана хриплый голос. — Тоже торопыга нашелся. Всех птах мне распугаешь. Невежа — и есть невежа!

— Во беда! — шутливо сказал возница. — Хоть не езди через этот чертов паром, через Птичий Угол. Тут, верно, — соловьиное царство!

Мы помолчали. За рекой в черных ночных вершинах дерев начинало светать.

Слабый и чистый свет зари появился в небе. Низко, над самым краем земли висел прозрачный слабый месяц.

«Вот — Левитан!» — почему-то подумал я, и у меня, как в молодости, заколотилось сердце.

Вокруг было очень тихо.

Внезапно в зарослях что-то осторожно звякнуло, будто кто задел колокольчик. И тотчас высокая трель ударила по черной воде и рассыпалась среди зарослей сусака и кувшинок.

Соловей замолчал, прислушался, потом пустил по реке странные и смешные звуки, будто он полоскал себе горло ночною росой.

— Во, слыхали? — спросил возница. — Это он разгон пока что берет. А потом как развернется, — одна красота!

Соловьиный гром нарастал. Заря открыла свои смутные дали. Тогда оказалось, что на востоке, за частоколом лесных вершин, лежит тихая и лучезарная страна, которой нет названия.

И я снова, сам не понимая почему, подумал:

— Левитановская заря...

Потом мы переехали через реку и немного посидели около шалаша перевозчика.

За рекой потянулся сосновый лес. Все в нем было очень приветливым, даже самые скромные, самые обыкновенные замухрышки — липкие сыроежки и цветы земляники.

Я снова подумал о Левитане, о том, что в родной земле все хорошо, вплоть до этого слабенького лесного цветка. Если бы нам сказали, что больше мы его никогда не увидим, у многих людей сердце бы сжалось от боли.

ПОЛЕ

* * *

Карузо приехал на несколько спектаклей в Париж. После первого выступления певец простудился и не смог петь. Директор оперы начал возмущаться:

— Ну что мне делать? Не понимаю, как вы умудрились летом простудиться?

— Не понимаете? Я объясню, — отрезал певец. — Во-первых, зал был разогрет энтузиазмом публики, потом — буря оваций и, наконец, прохладный прием у критики! Разве этого недостаточно?

И. ШИШКИН. Заросший пруд

Рисунки И. Шишкина и А. Саврасова

Еще в детстве с редкостным прилежанием зарисовывал Иван Иванович Шишкин то дорожку в лесу, полянку, берег реки, то отдельные листья, стебли, ветки. И в зрелые годы, окончив Академию художеств, став известным пейзажистом, он сохранил верность самому подвижному, непосредственному и одновременно объективному виду искусства — рисунку, позволявшему ему исследовать и запечатлевать природу во всех ее, как он выражался, прихотях.

На первой выставке передвижников он наряду с живописными работами экспонирует и рисунки, а на персональной выставке 1891 г. отводит целую стену рисункам облаков.

Прозрачность утреннего воздуха и свежесть ветерка в рисунке «Мери Хови. Берег моря»; розовый свет заката, то особое «жаркодышащее», по словам художника, состояние, когда и небо с облаками, и вода, и деревья купаются в последних лучах солнца, в листе «Болото»; борьба дня и ночи в «Заросшем пруду» и «Береге моря. Гурзуф»; задумчивость «Сосны» — поэтической интерпретации лермонтовского «На севере диком»; мерцание бликов в «Полевых цветах»; мерное движение мощных стволов в «Поляне в лесу», «Лесе», «Деревьях у ручья»... Почему так восхищались этими листами Крамской и Репин, Левитан и Рылов, а сегодня восхищаемся мы? Неужели лишь потому, что все изображено «точь-в-точь»? Конечно, нет. Это точность более высокого порядка, когда мы не только ощущаем степень холода и тепла, сухости и влажности воздуха, различаем время дня, но, и это главное, приобщаемся к жизни природы.

Важно и то, что понимание природы соединяется у Шишкина с пониманием специфических особенностей самого рисунка, его выразительных возможностей. Это присущее только подлинному рисовальщику чувство материала еще выше поднимает рисунки Шишкина, делает их самостоятельными и полноценными художественными произведениями.

А. САВРАСОВ. Весенний пейзаж

* * *

Безграничная любовь к родной земле пронизывает рисунки Алексея Кондратьевича Саврасова.

Рисунки эти, такие, как «Пейзаж с церковью и колокольней», «Деревня», «Осенний пейзаж», «Оттепель» и многие другие, в ту эпоху, когда они, создавались, и прежде всего в 1860-1870 гг., были событием не просто значительным, но принципиально новым.

Нужно было обладать глубокой внутренней убежденностью и даже мужеством, чтобы, преодолевая рутину устоявшихся вкусов, ввести в обиход искусства опушки леса и болотца, сарайчики и заборы, размытые весенние дороги и пустынные зимние поля, старенькие колокольни и ветхие крестьянские избы, тонкие стволы осин и берез, столь далекие от идеализированных представлений о «красивом» объекте, о «правильном» дереве. Не от этих ли тонких стволов берет начало то любовное отношение к русской березе, ее хрупкой женственной красоте, которое мы находим позднее у Нестерова и Есенина.

Утверждая новые темы, новое понимание красоты, Саврасов не довольствовался беглыми набросками. Он стремился к убедительности, конкретности и картинной завершенности своих рисунков. Техника их сложна и разнообразна. Часто в одном листе соединялись различные материалы — графитный и итальянский карандаш, сепия, соус, белила.

Если для рисунков Шишкина характерен крепкий, мужественный строй и их хочется сравнить с добротной реалистической прозой, то у Саврасова мы встречаем более нервное, порой грустноватое и всегда лирическое настроение, созвучное многим страницам русской поэзии. Тревожные ритмы пушкинких «Бесов» вспоминаются перед рисунком «Осенняя ночь»; трогательная обнаженность просыпающейся природы открывается нам в «Весеннем пейзаже»; в рисунке «Поле и вороны» слышится печальная интонация некрасовской «Несжатой полосы».

• 1 октября — 25 лет со дня провозглашения (1949) Китайской Народной Республики.
• 3 октября — 150 лет со дня рождения И. С. Никитина (1824-1861), русского поэта.
• 6 октября — День учителя.

Н. РЕРИХ (1874-1947). Заморские гости. 1901. Холст, масло. 84x111,5. Третьяковская галерея. Москва.

ОКТЯБРЬ 7 8 9 10 11 12 13 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ПЕЙЗАЖИ Н. К. РЕРИХА

Имя замечательного, русского художника Николая Константиновича Рериха широко известно не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами. Свыше семи тысяч картин, созданных мастером, украсили экспозиции крупнейших музеев мира. Есть собрание пейзажей Н. К. Рериха и в Новосибирской картинной галерее.

Если подняться на второй этаж галереи и пройти в правое крыло, то попадешь в удивительный мир, где царствуют краски ярчайших тонов. Синие, красные, зеленые, сиреневые, лиловые, янтарно-желтые цвета сиянием и переливами напоминают самоцветы.

Особенно полно представлены в Новосибирской картинной галерее пейзажи, запечатлевшие Гималаи. Как известно, художник много путешествовал, жил в Гималаях и был безгранично влюблен в эту величественную горную страну с ее первозданной красотой. Он запечатлел ее на многих своих полотнах. Любителей живописи очаровывает в рериховских полотнах не только правдивое изображение величественных горных хребтов, сияющих, как алмазы, снежных вершин. Каждый, кто видит творения мастера, не может не заметить, что его картины несут на себе печать глубокого раздумья о смысле бытия, великом предназначении человека.

Полотна Н. К. Рериха появились в Новосибирске по завещанию их создателя. В 1957 г. старший сын художника ученый-востоковед Ю. Н. Рерих возвратился на Родину и привез более четырехсот произведений отца, созданных в последний период творчества. Это, в основном, пейзажи, написанные темперой. Художник, любивший Сибирь, особенно Горный Алтай, завещал часть своих полотен сибирским музеям. Шестьдесят из них сейчас постоянно экспонируются в двух больших залах Новосибирской картинной галереи и стали одной из достопримечательностей столицы Сибири.

Е. КРУГЛИКОВА. Анатоль Франс. 1904 г.

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

В центре Берлина, «на острове музеев», который образован рекой Шпрее и одним из ее рукавов, расположены государственные музеи Берлина. Так стали называть после образования Германской Демократической Республики художественные музеи столицы, входящие в единый комплекс. Почти весь комплекс возник в XIX в. Он состоит из Национальной галереи, музея Бодэ, Пергамского музея, Старого музея.

В музее Бодэ, названном так по имени известного немецкого искусствоведа, директора картинной галереи, размещаются отдел искусства Древнего Египта, собрание раннехристианского и византийского искусства, собрание скульптуры, нумизматический кабинет и картинная галерея.

Последний — один из самых старых отделов. Уже в 1830 г. архитектором Шинкелем было построено для галереи специальное здание, где разместилось собрание живописи, начиная со средних веков и кончая эпохой рококо. Здесь можно увидеть полотна Корреджо, Рубенса, ван Дейка, Рембрандта, Пуссена, Ватто, немецких мастеров, начиная с Лукаса Кранаха Старшего. Значительно пополнилась галерея с 1890 по 1929 г., когда ее директором был Вильгельм фон Бодэ.

Среди множества прославленных полотен особое внимание в картинной галерее привлекает «Автопортрет» Никола Пуссена. Основоположник французского классицизма, Пуссен изобразил себя философом, для которого главное — человеческий разум.

Эта картина, как и многие произведения других собраний Берлина, была спасена Советской Армией во время второй мировой войны и возвращена немецкому народу.

* * *

...Россия — страна, где сбывается и невозможное. Это невозможное большевики совершают теперь и завершат.

Искусство во все времена стремилось изображать человека, и именно всего человека.

СЕРП И МОЛОТ

Монумент в Днепродзержинске

Символ мужества

«Революционер для меня, — писал А. М. Горький, — носитель Прометеева огня».

Кто не знает имени Прометея, этого прославленного в древнегреческих мифах героя? Вопреки воле небожителей Прометей принес на землю огонь, научил людей пользоваться им, научил их зодчеству, строительству жилищ, чтению и письму. По повелению «разгневанного отца богов и людей» Зевса титана приковали к кавказской скале, и огромный орел каждый день прилетал клевать печень мученика.

Более полувека назад в городе Ромны был сооружен памятник павшим Героям революции по проекту скульптора И. П. Кавалеридзе. Он состоит из двух высоких четырехгранных обелисков: из них словно вырастают статуи закованного Прометея, которого терзает орел, и раскованного титана, изображенного в виде разорвавшего оковы рабочего.

К тому же времени относится монумент в Каменском (ныне Днепродзержинск), созданный в честь Великой Октябрьской революции архитектором и скульптором А. Я. Соколом и восстановленный (после разрушения его гитлеровцами) еще в годы Великой Отечественной войны. 20-метровая колонна памятника увенчана фигурой Прометея. На мемориальных досках постамента — имена погибших: участников революционных боев, боровшихся с фашистскими захватчиками героев-подпольщиков, освобождавших город воинов Советской Армии.

ТАКОЕ ПРОЗРАЧНОЕ СОЛНЦЕ...
(Отрывок)

• 7 октября — 25 лет со дня провозглашения (1949) Германской Демократической Республики.
• 9 октября — 50 лет со дня смерти В. Я. Брюсова (1873-1924), советского писателя.
• 9 октября — 70 лет со дня рождения (1904) Миколы (Н. П.) Бажана, украинского советского поэта.
• 9 октября — 100 лет со дня рождения Н. К. Рериха (1874-1947), русского художника.
• 10 октября — 50 лет со дня образования (1924) Молдавской АССР; с 1940 г. — Молдавская ССР.
• 11 октября — Всесоюзный день работников сельского хозяйства.
• 13 октября — 50 лет со дня смерти Анатоля Франса (Жак Анатоль Тибо) (1844-1924), французского писателя.

Э. КАЛНЫНЬ (р. 1904). Новые паруса. 1945. Холст, масло. 147x173. Третьяковская галерея. Москва.

ОКТЯБРЬ 14 15 16 17 18 19 20 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ИЗ СТИХОВ М. Ю. ЛЕРМОНТОВА

1831-го июня 11 дня
(Отрывок)

РИСУНКИ М. Ю. ЛЕРМОНТОВА
Схватка горцев с казаками	Черкес с лошадью

ЧЕЛОВЕЧНЕЙШИЙ ПЕВЕЦ
(По статье Николая Рыленкова)

Рядом с самым дорогим для нас именем — с именем Пушкина мы всегда мысленно произносим имя Лермонтова. Эти имена для нас нерасторжимы. Мы просто не можем и вообразить себе их одного без другого, хотя в жизни им не суждено было встретиться. И уж абсолютно немыслимо для нас представить русскую литературу без кого-нибудь из них.

Пушкин и Лермонтов — это как бы две ипостаси русского народного характера. Если первый является для нас воплощением гармонического начала, то второй олицетворяет самосожженческую страстность и непримиримость в поисках идеала.

У Лермонтова уже в ранней юности сложились очень высокие понятия о долге и чести художника, об его ответственности перед собой и перед народом. Искусство он мыслил себе только как подвиг.

Как богатырь из пушкинской сказки, он рос воистину не по дням, а по часам и уже юношей поднялся на убеленные снегами вершины творчества.

В свои двадцать семь лет он внес неоценимый вклад в развитие буквально всех жанров отечественной литературы, расширив после Пушкина возможности стиха, прозы и драмы.

По живописности, гибкости и звучности языка Лермонтов не имеет себе равных в богатейшей русской поэзии. Утверждали, что он владел всеми возможными в русском стихе размерами...

Образ Лермонтова всегда будет для новых поэтических поколений вдохновляющим символом нестареющей силы искусства.

ИЛЛЮСТРАЦИИ К ПРОИЗВЕДЕНИЯМ М. Ю. ЛЕРМОНТОВА
Ф. КОНСТАНТИНОВ. Суперобложка	М. ПИКОВ. Иллюстрация к стихотворению «Листок»

О ФРИДЕРИКЕ ШОПЕНЕ

Шопен страстно любил свой многострадальный народ, с огромным вниманием прислушивался он к народной песне, такой родной и понятной ему...

Уже в «революционном» этюде слышатся народные песни. В длинной веренице сверкающих красками, непостижимым образом сливающих вакхическое веселие с почти безумной тоскою мазурок Шопен целиком улавливает старопольскую душу, рыцарскую, разнузданную, страстную, неудовлетворенную и в недрах своих глубоко печальную. Это именно славянские танцы...

В полонезах Шопена столько пышности, блеска, молодости, порыва и вместе такой сдержанной грации играющего своими силами гиганта, что нельзя, слушая эти полонезы, не верить, что «еще Польша не погибла», что народ этот еще будет иметь свой новый расцвет высокой культуры, что его пророки не ошибались, предрекая ему великое будущее.

Но времена были тяжелые, времена были отчаянные, и часто Шопен оплакивал свою родину, хоронил свои надежды. Таким образом создал он свой похоронный марш, своего рода Монблан музыкальных Альп. Острота личных переживаний, страстный крик индивидуальной изболевшейся души здесь гармонично смешивается с колоссальным коллективным горем, траурным потоком массовой печали. Шествие развертывается, исполинское и черное, длинные вереницы людей с поникшими головами, хоронящих самое дорогое, объединенных одним чувством безотрадного горя, но в то же время людей гордых, идущих к могиле ровным и сильным шагом, мужественно встречающих сразивший их надежды удар. И вдруг черная пелена разрывается. Луч солнца падает сквозь тучи. Что-то зажигается в черных глубинах сердца, во что-то еще верится, какое-то умиление сжимает горло, и почти сладкие слезы выступают на глаза. Кто-то поет грустно и просто — она ничего не обещает, она таинственна, эта песня, но она утешает почему-то. Однако клубящиеся громады черных туч вновь скрывают беглый луч солнца. И опять, надрываясь, звучит сумрачная похоронная музыка, и опять холодные с виду, сдержанные в движениях, проходят титаны, со смертью в сердце, за гробом самого для них дорогого.

Непосредственное влияние Шопена велико. Лист и в рояльной и в оркестровой музыке широко использовал вольности Шопена... Глинка горел к нему энтузиазмом. Отец новейшей школы — Балакирев — был знаток и, можно сказать, последователь польского музыканта. Чайковский во многом шопенианец. Не менее заметно приемы и ритмы Шопена проникли во всю современную музыку. Мало того, эти ритмы проникли во всю современную культуру.

ПАМЯТНИК КОМПОЗИТОРУ

Памятник великому польскому композитору Фридерику Шопену неразрывно связан с обликом столицы народной Польши Варшавы, как бы вписан в ее пейзаж.

Оккупировав Польшу, гитлеровцы тут же запретили исполнение музыки Шопена как самого польского по духу композитора. В мае 1940 г. они уничтожили его памятник, предназначив его на лом. В Лазенковском парке остался лишь пустой цоколь, на котором борцы польского движения Сопротивления как-то ночью, не страшась террора и преследований гитлеровцев, поместили надпись: «Кто меня снял, не знаю. Но знаю зачем: чтобы я не сыграл ему Похоронного марша». После войны в 1946 г. польские рабочие обнаружили в освобожденном Вроцлаве (в ломе) голову Шопена с бронзовой модели варшавского памятника. В Варшаве, в развалинах дома, была найдена уменьшенная модель памятника, благодаря которой удалось восстановить весь памятник. 11 мая 1958 г., через 18 лет после гибели оригинала, в Лазенковском парке состоялось вторичное торжественное открытие памятника гениальному композитору.

Памятник великому Шопену стал еще одним символом героической Варшавы.

• 12 октября — 50 лет со дня образования (1924) Таджикской АССР; с 1929 г. — союзная ССР.
• 13 октября — 160 лет со дня рождения М. Ю. Лермонтова (1814-1841), русского поэта.
• 17 октября — 125 лет со дня смерти Фридерика Шопена (1810-1849), польского композитора и пианиста.
• 18 октября — 80 лет со дня рождения Ю. Н. Тынянова (1894-1943), советского писателя.
• 20 октября — День работников пищевой промышленности.

А. АРХИПОВ (1862-1930). На Волге. 1888-1889. Холст, масло. 36x58. Русский музей. Ленинград.

ОКТЯБРЬ 21 22 23 24 25 26 27 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Малый театр лучше всяких школ подействовал на мое духовное развитие. Он научил меня смотреть и видеть прекрасное... Малый театр стал тем рычагом, который управлял духовной, интеллектуальной стороной нашей жизни...

МАЛЫЙ ТЕАТР И РУССКАЯ КУЛЬТУРА
(По статье Леонида Леонова)

«Дом Щепкина», как издавна называли... Малый театр, был родным домом наших великих предков.

Основоположник русского сценического, реализма Михаил Семенович Щепкин, знаменитый Мочалов и другие корифеи прославленной труппы Малого театра были не только друзьями, но и прямой духовной родней лучших людей России — Пушкина и Гоголя, Грибоедова и Герцена, Белинского и Чернышевского. В «Доме Щепкина» облеклась в плоть и кровь революционная русская мысль — сцена Малого театра была могучим рупором, гулко разносившим передовые идеи по всей России. Малый театр принято было называть «вторым московским университетом». И это действительно так, ибо в стенах Малого театра наглядно преподавалась наука гуманизма и лекторами были такие гиганты, как Пушкин, Фонвизин, Гоголь, Грибоедов, Островский, Лев Толстой. Поэтому говорить о Малом театре — это всегда значило говорить о самом важном в русской общественной жизни. «Искусство можно творить только с жизнью, только отталкиваясь от жизни», — учил М. С. Щепкин.

Но Малый театр был не только университетом. С этой ролью он совмещал и не менее почетные функции букваря для простого люда. Рядовой, даже неграмотный россиянин, прибывший в Москву из захолустья, без затруднения учился в Малом театре той грамоте умного патриотизма, душевной чистоты, общественной деятельности, которые весьма пригодились народу.

Широко известны мечтания Островского о театре — выразителе дум и чаяний народа, о театре, доступном широким трудовым массам; этим мечтаниям суждено было в полной мере сбыться уже в нашу советскую эпоху.

Великая Октябрьская социалистическая революция предоставила Малому театру все возможности творить свое искусство для народа.

С первых лет революции Малый театр неустанно и энергично работает с современными писателями над созданием пьес, в художественных образах воплощающих нашу замечательную эпоху свободного, творческого труда, эпоху героизма и созидания. Постановкой «Любови Яровой» К. А. Тренева Малый театр продемонстрировал свою чуткость, свое уменье правдиво и вдохновенно воплощать на сцене не только страницы прошлого, но и наш сегодняшний день; нашу борьбу, наших людей.

Прежний классический репертуар Малого театра год от году пополнялся и продолжает пополняться новыми постановками — лучшими пьесами наших современников.

«Дом Щепкина» внес и продолжает вносить богатейший вклад в сокровищницу нашей родной культуры. Неоценимо значение Малого театра в развитии отечественной драматургии. Бывают театры, которые приходят и уходят, содеяв все положенное им и израсходовав весь отпущенный им «порох». Но Малый театр будет существовать, покуда звучит русская речь. И, значит, — вечно!

В ГОДЫ ВОЙНЫ

Отечественная война застала Малый театр в гастрольных поездках. Часть труппы выступала под Киевом, другая — в Донецке и Днепропетровске. Артисты с первых же дней войны оказались во фронтовой обстановке. Была образована первая фронтовая бригада Малого театра. Постепенно было организовано более 20 таких бригад.

Артисты Малого театра выступали на всех фронтах от Северного до Черного моря. В концертах принимала участие почти вся труппа во главе с ведущими артистами: Остужевым, Пашенной, Рыжовой, П. М. Садовским, Турчаниновой, Гоголевой, Жаровым, Ильинским. Царевым и бессменной Обуховой.

В тылу устраивались спектакли и концерты, сбор с которых шел в фонд обороны. На эти средства были приобретены боевые самолеты для N-ской авиационной части. Так появилась эскадрилья, получившая название «Малый театр — фронту». Эти слова были написаны на бортах всех истребителей-бомбардировщиков эскадрильи. Для передачи самолетов на аэродром приехала вся труппа.

В начале 1943 г. создан был фронтовой филиал Малого театра с двумя группами. За три года они побывали на тринадцати фронтах и выступали перед моряками двух военноморских флотов. По просьбам фронтовиков в репертуаре филиала были в первую очередь пьесы А. Н. Островского. Когда трудно было проехать на передовую с большим реквизитом, фронтовые бригады выступали с одноактными комедиями, водевилями и просто концертами.

Фронтовой филиал закончил свой путь в Берлине.

Комедия

Комедия, как театральный и литературный жанр, возникла и получила свое название в Древней Греции. Ее истоками были ритуальные игры и песнопения в честь Диониса, бога вина и виноделия, покровителя животворящих сил природы.

Но комедию питал еще и другой могучий источник: мимы. Мимы — это бытовые сатирические сценки. Сначала они исполнялись импровизационно, а затем обрели литературную форму. Мимами называли также и актеров — исполнителей этих сценок. Позднее сценки выросли в крупные произведения для театральных представлений.

Комедия на протяжении всей своей многовековой истории была искусством демократическим; как правило, она выражала идеологию наиболее прогрессивных общественных кругов.

Отцом этого многообразного и плодотворного жанра по праву считается древнегреческий комедиограф Аристофан (V в. до н. э.).

Комедия рассчитана на то, чтобы возбудить смех зрителей. В зависимости от того, что именно подвергается осмеянию — ситуация или сам по себе персонаж, — различают комедию положений и комедию характеров; а в зависимости от важности поставленных в произведении проблем и от того, над чем и как смеется драматург, комедия подразделяется на сатирическую, гротесковую, водевиль, фарс и т. д.

ЗДАНИЕ ТЕАТРА

Осенью 1824 г. в «Московских ведомостях» появилось объявление: «Контора Дирекции Императорского Московского Театра чрез сие объявляет, что в будущем октябре месяце последует открытие малого театра, устроенного в доме купецкого сына Варгина, состоящем на Петровской площади». Вскоре был дан первый спектакль. Здание, в котором расположился этот театр, одно из старейших в Москве. Постройка его относится к 1820-1824 гг. и тесно связана с историей проектирования Театральной площади.

После изгнания Наполеона Москва быстро строилась. В 1818 г. по проекту архитектора Бове были начаты работы по созданию ансамбля Театральной площади.

Она была органичным продолжением Красной, поэтому ее проектированию было уделено столько внимания. Сейчас с тех времен на площади сохранилось лишь здание Малого театра.

Первоначально Малый театр был украшен портиками с ионическими колоннами, которые придавали ему праздничный и нарядный вид. В 1838-1840 гг. театр был перестроен. Здание приобрело тот вид, который оно и сохранило до нашего времени.

Первоначальный вид Малого театра

С. ХАРЛАМОВ. «Островский»

М. КНЕБЕЛЬ. О том, что мне кажется особенно важным. Статьи, очерки, портреты. М., «Искусство», 1971. О. КНИППЕР-ЧЕХОВА. Воспоминания и переписка. Ч. 1-2. М., «Искусство», 1972. В. ПАШЕННАЯ. Статьи. Воспоминания. М., «Искусство», 1971.

• 24 октября — Международный день Организации Объединенных Наций.
• 25 октября — 70 лет со дня рождения (1904) Э. Ф. Калныня, латышского советского художника.
• 26 октября — 150 лет со дня основания (1824) в Москве Малого театра.
• 27 октября — 50 лет со дня образования (1924) Туркменской ССР.
• 27 октября — 50 лет со дня образования (1924) Узбекской ССР.

ЖАН ШАРДЕН (1699-1779). Натюрморт (атрибуты искусства). Холст, масло. 52x112. Музей изобразительных искусств имени Пушкина. Москва. Фрагмент.

ОКТЯБРЬ 28 29 30 31 1 2 3 НОЯБРЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

В 1970 г. 11 книжных издательств Грузинской ССР выпустило более 2 тыс. названий книг тиражом 15-16 млн. экз. В республике работало 22 профессиональных театра, в том числе такие известные коллективы, как Государственные академические театры грузинской драмы им. Руставели и им. Марджанишвили. 2 киностудии выпускают ежегодно десятки художественных, документальных, мультипликационных фильмов. В 1970 г. насчитывалось 1822 киноустановки.

В Грузии функционирует широкая сеть культурно-просветительных учреждений. В 1970 г. в республике было 3550 массовых библиотек с книжно-журнальным фондом более 22 млн. экз., 74 музея, более 2 тыс. клубных учреждений, 402 народных университета.

В 1971 г. в республике насчитывалось 1847 тыс. радиоприемных точек, 932 тыс. радиоприемников, 511 тыс. телевизоров. Грузинское телевидение ведет цветные телепередачи.

Добрый гений домашнего очага

В 1728 г. на «выставке молодежи», которая регулярно устраивалась в ту пору в Париже, на площади Дофина, прямо под открытым небом, зрители увидели два натюрморта «Скат» и «Буфет». Автору их, дотоле лишь простому члену ремесленной корпорации св. Луки, Жану Батисту Симеону Шардену они принесли звание академика и европейскую известность.

Жизнь в домике художника на улочке дю Фур, а затем на улице Принцесс текла просто, ни в чем не отступая от патриархального уклада. А картины, созданные здесь, покупали для украшения дворцов могущественные монархи. По заказу Екатерины II был написан для строившегося в Петербурге здания Академии художеств натюрморт с атрибутами искусства, поныне хранящийся в Государственном Эрмитаже.

А между тем этот художник не написал почти ничего, кроме того, что окружало его дома. Ему позировали жена, дети, близкие друзья, жившая в доме прислуга, за чьими жестами, позами, характерами мог он без помех наблюдать годами. На скольких его холстах повторено скромное домашнее платье мадам Шарден в голубую и лиловую полоску!..

«Вернувшаяся с рынка», «Молитва перед обедом», «Кухарка», «Прачка», «Мальчик-слуга»... Не стремясь к точному сходству персонажей картин с моделями, любую, самую обыденную сцену умел превратить он в возвышенный образ-символ нравственной чистоты и достоинства простого человека. Предметы в картинах Шардена словно хранят тепло рук, касавшихся их, — отложенные ножницы, клубки шерсти, курительная трубка, фруктовый нож...

Работал художник чрезвычайно медленно, с ювелирной тщательностью отделывая живописную поверхность. Часами в одиночестве (никто никогда не видел Шардена за работой!) перекладывал он предметы, чтобы достичь такого композиционного совершенства, когда уже ничто не может быть изменено в картине. Писал он без предварительных зарисовок, и поэтому рисунки Шардена — величайшая редкость.

Дидро восторженно отзывался о художнике: «Вот кто понимает гармонию красок и рефлексов. О, Шарден! Это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и прикрепляешь их к полотну...»

Невысокого роста крепыш, сильный и мускулистый, любезный и рассудительный, практичный и самолюбивый, полный достоинства и сердечный, соединивший здравый смысл с гениальностью, — таков Шарден. Потомки назвали его «добрым дедушкой человечества». Он любил товарищей, заботливо пестовал учеников, никогда не поступался своими художественными убеждениями и не стремился к почестям и наградам, расточаемым двором. Скромно и честно двадцать с лишним лет кряду нес Шарден свои обязанности казначея Парижской Академии художеств, ни разу не пропустил заседаний ее совета. Как завещание остались людям его слова: «До свиданья, господа. Мягкости, побольше мягкости».

— Ваши билетики, дорогие! Рисунок В. Спельникова. (Из журнала «Советский Союз»)

МУЗЕИ СТРАНЫ И МИРА

В Замоскворечье на одной из тихих улочек стоит красивый старинный особняк. В нем расположен Центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина. Музей носит имя человека, который был его создателем. Алексей Александрович Бахрушин с юных лет страстно увлекался театром; все, связанное с любимым искусством, было для него дорого.

Он начал собирать «театральные вещи» и в короткий срок сумел создать оригинальную и интересную коллекцию. Постепенно она разрасталась, и осенью 1894 г. собрание впервые было выставлено на всеобщее обозрение. В 1913 г. музей был принят в ведение Академии наук.

После Октябрьской революции создатель музея был назначен его пожизненным директором.

С тех пор собрание Бахрушина во много раз увеличилось.

Рассказ об истории отечественного театра начинается от его истоков — от скоморохов. Вы можете увидеть старинные кукольные театры «Петрушка» и «Вертеп», грамоту на дворянство, жалованную первому русскому актеру Федору Волкову, эскизы костюмов шереметевского крепостного театра, с покупки которых и началось собрание Бахрушина. Два зала музея посвящены жизни и творчеству Ф. И. Шаляпина.

С Великим Октябрем началась новая жизнь музея. «Революция сказала театру: «Театр, ты мне нужен»», — эти слова A. Луначарского, начертанные на красном транспаранте, открывают советский раздел экспозиции. Он рассказывает о театрах, рожденных Октябрем, о многонациональном советском искусстве.

Филиал Театрального музея им. А. А. Бахрушина — мемориальная квартира Ермоловой на Тверском бульваре. В экспозиционном зале рассказывается о творческом пути артистки. Пятьдесят лет беззаветно служила она искусству. В ее юбилей — 2 мая 1920 г. — днем состоялось шествие представителей всех театров Москвы к дому на Тверском бульваре со стягом, на котором золотом вышиты слова: «Слава великой Ермоловой». А вечером — торжественное заседание в Малом театре. Он сохранился, этот стяг, и занимает почетное место в экспозиции. А рядом с ним протокол заседания Совета Народных Комиссаров, на котором Ермоловой, первой из русских актрис, единогласно было присуждено почетное звание народной артистки Республики, протокол подписан B. И. Лениным...

Ансамбль «Ваталинка»

«Ваталинка». Так на одном из сибирских наречий называют любимую. Нежное имя «Ваталинка» носит народный ансамбль русской песни и танца новосибирского авиационного завода имени В. П. Чкалова. В самодеятельном коллективе больше 150 участников — вокалистов, танцоров, музыкантов. Это рабочие и служащие дважды орденоносного завода. Само существование такого коллектива — живое воплощение ленинской идеи о народном искусстве.

«Ваталинка» была создана около 20 лет Назад. Сейчас это один из прославленных творческих коллективов Сибири. Ансамбль стал лауреатом Всесоюзного фестиваля самодеятельного искусства, посвященного 50-летию Октября.

Самобытность концертным программам «Ваталинки» придают не только народные мелодии, которые бережно собирают заводские любители музыкального фольклора, но и песни, рождающиеся в самом ансамбле. Художественный руководитель «Ваталинки» композитор Н. Кудрин широко известен в стране как автор песен «Неизвестный солдат», «Русские сапожки», «Перепелка», «Деревенька моя» и многих других. Все они — в репертуаре ансамбли. Неотъемлемая составная часть ансамбля — хореографическая группа.

...По вечерам ярко светятся огромные стеклянные стены нового заводского Дворца культуры. Лкэди приходят сюда, чтобы встретиться с прекрасным. Их надежды всегда сбываются, если на сцене прославленная «Ваталинка».

* * *

Пьеса Е. Сперанского для Центрального театра кукол называлась «Поросенок Ваня»; так первоначально назывался и спектакль. По вине типографии на афише было напечатано «Поросенок в ванне». Переделать спектакль оказалось проще и дешевле, чем заказывать новые афиши. С веселым азартом была досочинена и молниеносно поставлена вставная сцена, где и был показан поросенок, попавший в ванну. На этом злоключения с названием спектакля не закончились. Журнал «Игрушка», дав в числе иллюстраций к статье С. Образцова «Кукла-актер» фотографию из этого спектакля, назвал его по-новому: «Пдросенок на войне»!

• 29 октября — День рождения комсомола.
• 2 ноября — 275 лет со дня рождения Жана Щардена (1699-1779), французского художника.

А. ТУРИН (p. 1915). Ленин. 1917 год. 1969. Холст, масло. 215x260. Ульяновский художественный музей.

НОЯБРЬ 4 5 6 7 8 9 10 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

А. ЗЫРЯНОВ. Мы наш, мы новый мир построим!

5 октября 1918 г. был принят декрет «О регистрации, приеме на учет и охране памятников искусства и старины, находящихся во владении частных лиц, обществ и учреждений». Реализация этого декрета потребовала огромной организаторской и оперативной работы, которая, безусловно, способствовала выявлению и надлежащей охране произведений искусства. Только в Москве, например, за сентябрь 1918 г. было выдано 190 охранных грамот, а особо ценные художественные собрания В. А. Морозова, А. И. Морозова, С. И. Щукина, И. С. Остроухова были национализированы. Всероссийская коллегия по делам музеев и охраны памятников искусства и старины обследовала свыше 50 усадеб, из которых особо ценные произведения были переданы в музейный фонд страны. Член музейной коллегии, художник А. Грищенко, из имения Барятинских, находившегося в то время в трех километрах от фронта, вывез 200 картин. Среди них были эскизы Рубенса, «Интерьер» Тенирса, «Военная сцена» Воувермана, «Пейзаж с деревом» Рейсдаля, «Богоматерь» Вуэ, «Концерт» Ванлоо и др.

С ноября 1917 г. по сентябрь 1921 г. В. И. Ленин подписал 32 декрета и постановления СНК, направленные на сохранение произведений искусства в молодой республике.

ПРЕМЬЕРА «ДАЧНИКОВ»

Старейшие русские театры, такие, как Московский Малый и Петербургский Александринский, до революции были лишены возможности ставить пьесы Горького. По личному распоряжению Николая И императорские театры не имели права знакомить зрителя с горьковской драматургией. Поэтому постановка пьесы Горького на частной сцене в Драматическом театре Веры Федоровны Комиссаржевской была встречена с огромным интересом. Премьера состоялась 10 ноября 1904 г. Это было перед самым началом первой русской революции. Стремительно нарастающие политические события раскололи интеллигенцию на два лагеря — одни приветствовали «очистительную бурю», другие, предавая народные интересы, замыкались в узком, личном. Об этом говорилось в пьесе. На премьере присутствовали и те, которые хотели только «дешевенького счастья, сытости, удобств и тишины», и другие, которые, подобно Варваре Михайловне Басовой, ее брату Власу и врачу Марье Львовне, стремились к новой жизни, к полезной работе. Зал был словно наэлектризован, зрители бурно реагировали на каждую реплику. Одна часть публики встретила присутствовавшего на премьере Горького бурной овацией, другая, узнавшая себя в обывателях Суслове, Басове, Шалимове, негодовала, шипела.

В образе Варвары Михайловны, созданном В. Ф. Комиссаржевской, звучал призыв к русской интеллигенции идти вслед за революционной демократией.

Премьера «Дачников» приобрела характер политической демонстрации и показала всю действенность горьковских пьес. Вскоре спектакль «Дачники» был снят с репертуара в административном порядке, но под давлением возрастающих революционных событий власти вынуждены были разрешить возобновление постановки. Спектакль получил большой резонанс по всей России. В том же ноябре 1904 г. состоялась премьера в Рижском драматическом театре, где после первого действия Горький, встреченный овацией, был увенчан лавровым венком. В Киеве, Ростове-на-Дону, Казани, Саратове, Рязани, Одессе постановки «Дачников» сопровождались антиправительственными выступлениями.

несколько цифр

Первый Белорусский государственный драматический театр (в 1955 г. ему присвоено звание академического) был открыт в 1920 г. На начало 1971 г. в БССР работало 14 профессиональных театров.

Число клубных учреждений в 1971 г. составляло более б тыс. В 1972 г. число киноустановок составляло 6,7 тыс.; число посещений киносеансов за год — более 132 млн.

В 1971 г. в республике было 49 музеев (в 1913 г. — 5).

Кадр из фильма

Первое слово

В 1957 г. на экраны вышел фильм «Весна на Заречной улице» — первый фильм молодых режиссеров Марлена Хуциева и Феликса Миронера.

Все в этой работе было знакомо, привычно, вроде бы обыденно. Сюжет картины незамысловат, не раз использовался в литературе. Сталевар Саша Савченко учится в вечерней школе, учится кое-как, грубоват, даже развязен. Но работает он хорошо, отлично, вдохновенно работает. В школу приходит молоденькая учительница Таня Левченко. Она моложе многих своих великовозрастных учеников. И, конечно, Саша полюбил Таню. Эта любовь заставляет его по-новому взглянуть и на окружающую его жизнь, и на себя самого.

Тема любви дала возможность молодым авторам показать черты нового в сознании первого послевоенного поколения молодежи. Естественность поведения героев, поэтичная, но в то же время не прикрашенная атмосфера жизни трудового коллектива, правдивые, точные детали отличали этот фильм. Хуциев и Миронер не идеализируют своих героев. Ведь и Таня Левченко проходит в фильме нелегкий путь познания жизни. Поначалу она относится к Саше с чувством некоего «интеллектуального превосходства», но постепенно она ближе узнает его, начинает понимать, сколько мужества, ума и знаний требует труд сталевара.

Кульминационный момент фильма: Савченко бросил школу, и Таня решает найти его и уговорить сесть снова за парту. Редко в каком фильме можно увидеть так лирично снятый индустриальный пейзаж. Таня увидела своих учеников, управляющих могучей техникой, ощутила и себя членом трудового коллектива. Авторы фильма, как отмечала критика, «очеловечили» технику, завод, показав его как бы глазами человека, ощутившего впервые его красоту. И Саша Савченко, стоящий у мартена, по-настоящему красив в своей увлеченности делом. ...В конце фильма Саша Савченко сдает экзамен и на вопрос, что такое многоточие, отвечает: «Многоточие ставится в конце предложения или целого рассказа, когда он еще не совсем закончен и многое осталось впереди».

Многоточием заканчивается «Весна на Заречной улице» — фильм, лишенный внешних эффектов так называемой «производственной темы», но раскрывший эту тему поэтично, с юмором, с любовью к героям.

* * *

Когда французский композитор Рамо лежал на смертном одре, его посетил духовник, старавшийся наставить старого безбожника на путь праведный. Насмешник, которого и перед смертью не покинуло чувство юмора, прошептал, обращаясь к священнику:

— Какого черта вы мне там напеваете? У вас голос фальшивый.

• 7 ноября — 57 лет Великой Октябрьской социалистической революции.
• 7 ноября — 125 лет со дня рождения Юзефа Хелмоньского (1849-1914), польского художника.
• 8 ноября 1917 — II Всероссийский съезд Советов объявил о переходе всей власти в руки Советов. Съезд принял декреты о мире, о земле и создал первое Советское правительство — Совет Народных Комиссаров — во главе с В. И. Лениным.
• 10 ноября — День советской милиции.
• 10 ноября — Всемирный день молодежи.
• 10 ноября — 70 лет со дня (1904) первой постановки пьесы A. М. Горького «Дачники» на сцене Драматического театра B. Ф. Комиссаржевской

ЮЗЕФ ХЕЛМОНЬСКИЙ (1849-1914). Бабье лето. 1875. Холст, масло. 119,7x156,5. Национальный музей. Варшава.

НОЯБРЬ 11 12 13 14 15 16 17 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

ЮЗЕФ ХЕЛМОНЬСКИЙ

Знаменитый польский художник Ю. Хелмоньский получил художественное образование в Варшаве и в Мюнхене. Много лет жил и работал в Париже. Затем вернулся на родину. Он часто бывал на Украине, где находил сюжеты для своих картин. Творчество Хелмоньского посвящено почти исключительно жизни крестьянина.

Одна из самых поэтичных картин художника — «Бабье лето». Молодая крестьянка прилегла на межу, ловя осеннюю паутину. Женщина полна сил и здоровья. Крестьянка — это аллегорический образ земли-кормилицы, дающей жизнь. Художник создает глубоко эпический, народный образ, решенный в традициях реализма. Фигура великолепно вписана в пейзаж. Широкое, бескрайнее поле и чистое небо усиливают настроение особого приволья и покоя.

Хелмоньский — великолепный пейзажист, влюбленный в родную природу. В картине «Дорога в лесу» сумрачный лес поднимается по обе стороны дороги, по которой мчатся две тройки. В другом известном пейзаже — «Дорога в поле» — изображена дорога, убегающая в глубь цветущего летнего поля. У зрителя возникает чувство радости при виде солнечного пейзажа. А в картине «Облако» исполнено торжественного величия могучее, «вздыбившееся» облако.

Работы польского художника стали значительным вкладом в европейскую реалистическую живопись.

Будапешт. Цепной мост (Ланцхид)

МОСТЫ БУДАПЕШТА

Серебристо-голубая лента Дуная делит столицу Венгерской Народной Республики на древнюю гористую Буду и сравнительно молодой равнинный Пешт, где сосредоточена основная жизнь одного из крупнейших европейских городов. Без мостов, соединяющих город воедино, немыслимо существование Будапешта. Об этом хорошо знали фашистские войска, взорвавшие при отступлении все мосты города. Символом новой жизни стало восстановление первого временного моста через Дунай — моста Кошута в 1946 г. Самый старинный мост Будапешта — Цепной мост — построен в середине XIX в. Это было замечательное техническое достижение своего времени. Длина его — 375,4 м, высота двух надводных мостовых устоев в виде триумфальных арок — 48 м. Благодаря цепной конструкции он кажется легким и изящным.

Недалеко от острова Маргит — живописного места отдыха будапештцев — расположен мост Арпада. Это один из самых протяженных мостов Европы. Южный конец острова Маргит связан с обеими берегами мостом того же имени. Мост Маргит — оживленнейшая пешеходная и транспортная артерия города, особенно в воскресные дни, когда многие горожане стремятся в парк и к водным станциям.

В южной части города — два моста: чуть выгнутая дуга моста Петефи, получившего имя народного героя, поэта и революционера, и соединительный железнодорожный мост. По этому мосту, построенному в конце XIX в., проходит крупная международная магистраль, связывающая государства Западной и Восточной Европы. Самый красивый и любимый будапештцами мост — «висячий» — мост Эржебет. Его основной пролет легко парит над Дунаем. У самого подножия горы Геллерт находится мост Свободы.

Мосты Будапешта свидетельствуют о высоком техническом уровне инженерно-строительного мастерства, конструктивной смелости, умелом архитектурном осмыслении конструкций. Каждый мост имеет свой индивидуальный и выразительный облик, а в целом, четкие и ясные силуэты всех будапештских мостов обогащают архитектурный ансамбль города и составляют гордость его жителей.

ВЕСЕННИЙ ТОСТ

Сады и парки

Уголок парка в Павловске. Храм дружбы

В середине XVIII в. в западноевропейской и русской культуре зародилось новое эстетическое мировоззрение.

Писатели и художники начали идеализировать уединенную простую жизнь на лоне природы.

Парадные регулярные сады сменяются пейзажными, естественными. Начало этому стилю было положено в Англии, а затем он был воспринят и в других странах.

Композиция пейзажного парка всегда строится на смене впечатлений и разнообразии пейзажей. Планировка таких парков в подражание естественной красоте природы сочетает закрытые и открытые пространства. Большое внимание уделяется форме кроны и листвы, цвету деревьев и кустарников. Создателем одного из первых трудов о паркостроении в России был А. Т. Болотов — видный ученый и писатель, он же был и автором первого пейзажного парка. Разбитый им парк вызывал восхищение современников. Но, к сожалению, он не сохранился.

В XVIII в. возникает один из самых живописных пейзажных парков — дворцово-парковый ансамбль в Павловске. Он складывался на протяжении многих лет. Его создавали архитекторы и художники с мировым именем: Ч. Камерон, В. Бренна, А. Воронихин, П. Гонзаго и другие. При закладке парка был использован массив естественного леса. Искусно обработанные лесистые уголки чередуются в парке с искусственно созданными лужайками и небольшими рощицами. Неожиданные повороты дорог и множества тропинок раскрывают все новые ландшафты: то откроются необъятные дали полей, то поразит своими классическими пропорциями парковый павильон, то среди зелени забелеет мраморная статуя.

ВО ИМЯ МУЗЫКИ

Шел 1943 год — тяжелый год для Франции, оккупированной фашистами. Каждый французский патриот считал своим долгом бороться с врагом. Не могли стоять в стороне от борьбы и передовые музыканты, среди которых были прославленные скрипач Жак Тибо и пианистка Маргерит Лонг, которой в то время было уже почти 70 лет. Друг и первый исполнитель множества произведений крупнейших французских композиторов — Дебюсси и Равеля, Лонг была одинаково известна и как блестящая артистка, и как педагог. К слову ее всегда прислушивались. И Маргерит Лонг вместе с Жаком Тибо решили доказать, что наперекор врагу, унижавшему достоинство Франции, презиравшему ее многовековую культуру, французская музыка продолжает жить. Так родилась идея собрать молодежь, провести конкурс.

Этот конкурс по праву можно было назвать конкурсом протеста. В нем приняли участие многие одаренные артисты. Так было положено начало традиции одного из самых популярных ныне международных конкурсов, который и назвали именами Маргерит Лонг и Жака Тибо.

С 1953 г. в парижском конкурсе постоянно принимают участие советские музыканты. Среди победителей конкурса — скрипачи Нелли Школьникова, Борис Гутников, Ирина Бочкова, Нана Яшвили, пианисты Евгений Малинин, Дмитрий Башкиров, Марина Мдивани, Любовь Тимофеева и другие одаренные артисты.

Жак Тибо гастролировал в СССР, а на склоне лет в Москве побывала Маргерит Лонг, которой было тогда уже 80 лет. Французской пианистке присвоили звание Почетного профессора Московской консерватории. В те дни М. Лонг говорила: «Я счастлива сказать о глубокой привязанности, которую питаю к советским артистам... Существует большая общность между французскими и советскими музыкантами, и я радуюсь этому от всей души, радуюсь во имя музыки — музыки, облагораживающей и возвышающей душу человека».

• 13 ноября — 100 лет со дня рождения Маргерит Лонг (1874-1966), французской пианистки.
• 17 ноября — Международный день студентов.
• 17 ноября — 70 лет со дня рождения Саломеи Нерис (Бачинскайте-Бучене) (1904-1945), литовской советской поэтессы.

В. СУРИКОВ (1848-1916). Памятник Петру I на Сенатсной площади в Петербурге. 1870. Холст, масло. 52x71. Русский музей. Ленинград.

НОЯБРЬ 18 19 20 21 22 23 24 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

СОВЕТСКИЙ ЦИРК

Знаменитый русский клоун и дрессировщик Анатолий Дуров однажды написал: «Кто говорит, что театр — это искусство первого класса, а цирк — последнего, тот смотрит на искусство с чиновничьей точки зрения. Балаганного искусства нет и не может быть, есть балаганные артисты, а они встречаются и в театрах и в цирках. Талант артиста благословляет, чудесно освещает то место, где он выступает...»

Не случайно это было сказано в те времена, когда слова «цирк» и «искусство» даже рядом не ставили. А между тем имена, скажем, братьев Никитиных или того же Анатолия Дурова и его брата Владимира широко были известны до революции, а политические шутки двух последних, летевшие в публику с манежа, стали даже определенным общественным явлением.

И все-таки цирк был периферией искусства. Редко на манеже сверкал талант. Зато сколько несостоявшихся актерских судеб! Бродячее племя артистов жило скудно. Может быть, и жили-то артисты лишь тогда, когда под веселую музыку вступали на манеж, оставляя за кулисами все ради этой короткой, но прекрасной минуты. Потому что, кроме этого, ничего у них не было.

Революция все переменила. Дирки перешли в ведение государства. Цирк встал в один ряд с другими видами искусства, а его мастера, ранее презираемые и оттого поневоле замыкавшиеся в своем узком профессиональном мирке, теперь жили интересами своей страны, принимали участие в строительстве новой жизни. Они и теперь, конечно, кочевали из города в город. Но теперь-то им до всего было дело, и они с манежа пытались рассказать о том, что видели и что волновало их. Поначалу наивная и подчас грубая аллегория их номеров вызывала лишь улыбку. Но постепенно цирк научился на своем языке говорить на самые значительные темы.

Русский цирк — так стали называть наш цирк во всем мире. А между тем давно существовало мнение, что цирк — искусство вненациональное. Но советские артисты сумели поведать на языке цирка о своей стране и о себе. А то, что рассказ этот пришелся по душе зарубежным зрителям, свидетельствует триумфальное шествие советского цирка на всех континентах мира.

Одна из особенностей нашего цирка заключается в том, что его представления — это не просто собрание отдельных, пусть и блестящих номеров, а единый, цельный спектакль, композиционно завершенный, продуманный во всех деталях. Спектакль, над которым работают драматург, режиссер, композитор, художник, балетмейстер.

Особую прелесть придают советскому цирку национальные номера, такие, как, например, осетинские и туркменские джигиты, дагестанские и узбекские канатоходцы, тувинские жонглеры. А ведь в старой Туве даже слова «цирк» не существовало.

Помимо обычных представлений и спектаклей-пантомим в нашем цирке созданы и принципиально новые зрелища, которых еще не знало мировое цирковое искусство. Одна из таких работ — «Цирк на льду».

Если в «Цирке на льду» манеж представлял собой каток, то в представлении «Цирк на воде» манеж превращался в бассейн.

Советский цирк, как никакой другой в мире, оснащен всевозможной оригинальной аппаратурой, а инженер — непременный участник создания спектаклей.

Клоун номер один

Да, он действительно первый среди цирковых комиков, первый по тому принципиально новому, что принес он в искусство клоунады. Это новое в творчестве народного артиста СССР Михаила Николаевича Румянцева, которого не одно поколение зрителей знает под веселым неизменно вызывающим добрую улыбку именем — Карандаш, заключается в его отношении к маске клоуна.

Маска? В неустанном труде- и поисках, в раздумьях о гражданственности и впечатляющей силе клоунады он шел к отказу от маски — сначала «рыжего», затем «под Чаплина». Все, о чем хотел ежедневно разговаривать со зрителями этот талантливый и неугомонный артист, никак не вязалось с пресловутыми оплеухами, бессмысленными падениями и грубоватыми остротами, по традиции составлявшими арсенал выразительных средств «рыжего» клоуна; не вязалось и с образом чаплинского героя — маленького, забитого человека в мире социальной несправедливости.

И вот пришла победа — был создан подлинно новаторский, необычный в цирке образ — появился Карандаш! Кто же он, этот смешливый, проказливый и находчивый человек в мешковатом костюме, с такой же смешной, как он сам, собачонкой на руках?

Именно таким вошел в сознание зрителей Карандаш, смело раздвинувший привычные границы жанра и в главном предопределивший путь, которым впоследствии пошли многие цирковые комики, в том числе такие блистательные мастера, как «солнечный клоун» Олег Попов и мудрый, человечный Юрий Никулин.

А Карандаш? Он по-прежнему, как значится в афишах, «весь вечер на манеже». И повсюду его выступлениям сопутствует такой успех, о каком могут лишь мечтать артисты.

Более семидесяти лет народному артисту СССР Михаилу Николаевичу Румянцеву. А Карандаш — он по-прежнему молод. Потому что его искусство не только смешит и веселит, оно всегда активно наступательно и публицистично.

Новый цирк в Сочи. Архитекторы Ю. Шварцбрейм и В. Эдемская, инженеры Н. Топилин и П. Карпов

Однажды...

В городе Николаеве был градоначальник Кисселъ, грубый генерал, придиравшийся к Дурову.

Однажды, во время своего выступления в цирке, Дуров вывел свинью, поставил перед ней несколько тарелок с разной едой и среди них тарелку киселя.

Свинья съела содержимое всех тарелок, но, подойдя к тарелке с киселем, понюхала и отошла с хрюканьем прочь.

Дуров объяснил публике: «Даже свинью и ту тошнит от киселя». Цирк разразился бурей аплодисментов. А дело объяснялось очень просто: Дуров влил в кисель немного нашатырного спирта, острый запах которого, естественно, заставил свинью отойти от тарелки.

• 19 ноября — День ракетных войск и артиллерии.
• 23 ноября — 150 лет со дня смерти Ф. Я. Алексеева (р. между 1753-1755 — ум. 1824), русского художника.

ЛУКАС КРАНАХ СТАРШИЙ (1472-1553). Юдифь с головой Олоферна. Ок. 1530. 87x56. Художественно-исторический музей. Вена. Фрагмент.

НОЯБРЬ 25 26 27 28 29 30 1 ДЕКАБРЬ ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

Энгельс первый сказал, что пролетариат не только страдающий класс; что именно то позорное экономическое положение, в котором находится пролетариат, неудержимо толкает его вперед и заставляет бороться за свое конечное освобождение. А борющийся пролетариат сам поможет себе.

несколько цифр

До Октябрьской революции в Туркменистане не было ни одного театра, работало всего б киноустановок (только в городах) и одна публичная библиотека. За годы Советской власти создана широкая сеть культурно-просветительных учреждений не только в городе, но и на селе. Особенно расширилась она в послевоенные годы. В 1940 г. в республике имелось 274 киноустановки, а в 1971 г. — 775; число посещений киносеансов достигло 33 млн. Студия «Туркменфильм», созданная в 1926 г., ежегодно выпускает несколько десятков киножурналов, художественных и документальных фильмов, осуществляет дублирование на туркменский язык лучших советских и зарубежных фильмов.

В Туркменистане в 1971 г. было 6 театров и 2 филармонии.

«Без легенд»

У экскаваторщика Бориса Коваленко была короткая жизнь. Слава его гремела на строительстве электростанций на Волге, на Днепре, на Ниле. Молодым человеком он погиб в авиационной катастрофе, когда возвращался со строительства Асуанской плотины. Несколько лет назад режиссеры Г. Франк, А. Бренч и А. Сажин сделали о нем фильм на Куйбышевской студии кинохроники. Фильм так и называется — «Без легенд». В нем только документальные кино- и фотокадры, интервью с друзьями, с теми, с кем вместе работал Коваленко. Эта работа представляется интересным поиском на новых путях документального кино.

Герой картины — и это ново для документального кино — предстает на экране во всей сложности и противоречивости своей натуры. Талантливый, независимый, упорный и уступчивый в одно и то же время, грубый и нежный — таким был Борис, таким его вспоминают те, кто работал рядом с ним, кто с ним общался, дружил, — известный энергетик Иван Комзин, писатель Константин Лапин, экскаваторщики В. Клементьев и В. Стариков.

Больше славы, больше всего на свете любил Борис свое дело, свою страну. Таким мы его увидели в фильме «Без легенд». Таким он остался в памяти всех, кто его знал.

Трагедия

Трагедия возникла в Древней Греции, выделившись постепенно из сельских ритуальных празднеств в честь Диониса. Дионису в жертву приносили козла, а в состав ритуальных игр входили дифирамбы — песни, в которых оплакивались страдания и гибель Диониса. Страдания и гибель героя с тех времен сделались сущностью трагедии (в переводе с греческого «песнь козла»).

Расцвет древнегреческой трагедии приходится на V-IV вв. до н. э. и связан с именами Эсхила, Софокла и Еврипида. В их произведениях выражены гражданские и нравственные идеалы того времени.

В истории трагедии особое место занимает творчество Шекспира. «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет» сегодняшнему зрителю говорят не меньше, чем зрителям шекспировского театра «Глобус».

Трагедии Шекспира, так же как и древнегреческие, названы по имени центрального героя. Главное в них — многосторонняя, сильная человеческая личность, одержимая могучими идеями и страстями, вступившая в конфликт с окружающим и обреченная на гибель.

В XVIII в. страстными пропагандистами трагедии становятся французские драматурги Корнель и Расин, наиболее последовательно воплотившие в своем творчестве эстетику классицизма. Определяющий конфликт их пьес — конфликт долга и чувства, который всегда разрешается в пользу долга.

Вершина русской трагической драматургии — гениальные произведения А. С. Пушкина «Борис Годунов» и «Маленькие трагедии». В «Борисе Годунове» Пушкин реализовал свое понимание этого жанра как отражение связи судьбы человеческой с судьбой народной.

«КОЛЮ ФИЧЕТО»

Велико-Тырново. Постоялый двор хаджи Николы

Ежегодно архитекторы Болгарии участвуют в конкурсе на лучший проект отдельного сооружения или целого градостроительного комплекса. Достойнейшим из них Союз архитекторов Болгарии присуждает свою высшую награду — «Серебряную медаль Колю Фичето». Для болгарских архитекторов это самая высокая и профессиональная оценка их творчества.

«Колю Фичето» — любовно называет народ крупнейшего зодчего эпохи национального Возрождения Николу Фичева.

Подъем революционно-освободительного движения во второй трети XIX в. против турецкого ига, рост национального самосознания, бурное развитие общественной жизни вызвали оживленное строительство зданий гражданского назначения: школ, торговых и промышленных сооружений, постоялых дворов, мостов, изменявших во многом еще средневековый облик городов страны. Мастер-строитель Никола Фичев — автор наиболее значительных построек этого типа. Он родился в 1800 г. в городе Дряново и прошел путь строителя-ремесленника: от ученика до подмастерья и мастера. Вместе со своими учителями — болгарскими и итальянскими строителями — он работает в Болгарии и за ее пределами, накапливая большой творческий опыт. Получив, наконец, звание мастера, Никола Фичев с его большим, самобытным талантом обеспечивает себе право на самостоятельное творчество. Высокое мастерство отличает одну из его крупнейших построек — постоялый двор (караван-сарай) в городе Велико-Тырново (1858 г.). Здание удачно отвечает своему назначению: в первом этаже — склады и хранилища, во втором и третьем — жилые комнаты. Облекая эту простую схему в камень и кирпич, зодчий превращает постройку в произведение искусства. Тяжелый и массивный первый этаж, сложенный из грубого местного камня, несет ярусы верхних этажей с галереями-аркадами. Необходимые в условиях южного климата выносные галереи, затеняющие жилые помещения, зрительно облегчают здание и делают его очень живописным. Мастерское сочетание целесообразного и прекрасного, конструктивной ясности и эмоциональной образности — черты, отличающие народное искусство, вместе с технической смелостью и опытом составляют содержание творчества Фичева. В 60-х гг. XIX в. он построил мост через реку Янтру близ города Бяла. Уже тот факт, что турецкие власти поручили строительство моста болгарскому мастеру-самоучке, говорит о его большой и заслуженной популярности. Мост длиной в 276 м имеет 14 арочных пролетов шириной в 13 ж каждый. Он был построен из камня, вручную, без применения строительной техники. Мост совершенен с точки зрения инженерного мастерства и, благодаря чистоте и классической ясности пропорций, мягким и величавым очертаниям, прекрасно вписывается в пейзаж и служит образцом большого искусства.

однажды...

Немецкий поэт-коммунист Эрих Вайнерт часто рассказывал такой случай: это было в канун 1933 г. Он шел по берлинской улице Унтер ден Линден, когда навстречу ему показался парнишка, весело насвистывавший мелодию «Красный Веддинг». Слова этой боевой рабочей песни, посвященной берлинскому пролетарскому кварталу, принадлежали Вайнерту.

Когда Эрих Вайнерт приблизился к нему, парнишка перестал насвистывать и гневно обрушился на него: «Что, франт, не по душе тебе эта песенка?» «Нет, почему же?» — опешил Вайнерт. «Твое дело!» — независимо бросил мальчуган и, продолжая насвистывать, гордо зашагал дальше.

Н. Баталов. Статьи, воспоминания, письма. М., «Искусство», 1971. Р. БЕНЬЯШ. Без грима и в гриме. Театральные портреты. Изд. 2. Л., «Искусство», 1971. Б. ФИЛИППОВ. Актеры без грима. М., «Сов. Россия», 1971.

• 26 ноября — 50 лет со дня провозглашения (1924) Монгольской Народной Республики.
• 24 ноября 1820 — Родился Фридрих Энгельс.
• 25 ноября 1945 — Провозглашена Федеративная Народная Республика Югославия (теперь Социалистическая Федеративная Республика Югославия). Национальный праздник Югославии.
• 29 ноября — 30 лет со дня освобождения (1944) Албании от фашистских оккупантов. День освобождения Албании.
• 29 ноября — 50 лет со дня смерти Джакомо Пуччини (1853-1924), итальянского композитора.

Д. БУТОРИН (1891-1960). У лукоморья. 1934. Шкатулка. Папье-Маше, яичная темпера, золото, серебро, лак. 11x16,5x4. Музей палехского искусства. Палех.

ДЕКАБРЬ 2 3 4 5 6 7 8 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

В разнообразии национальных форм советской социалистической культуры все заметнее становятся общие интернационалистские черты. Национальное все больше оплодотворяется достижениями других братских народов. Это прогрессивный процесс. Он отвечает духу социализма, интересам всех народов нашей страны. Именно так закладываются основы новой, коммунистической культуры, которая не знает национальных барьеров и в равной мере служит всем людям труда.

50 ЛЕТ ПАЛЕХА

Начало современному палехскому искусству положили художники-иконописцы — хранители многовековых традиций, в совершенстве владевшие своим искусством.

Палешане издавна были известны не только в пределах России, но и за ее рубежами. Большой интерес к их искусству проявлял великий Гете.

После Великой Октябрьской революции палехские мастера стремились сохранить уникальную живописную культуру и в то же время искали новые формы ее применения. В 1924 г. была организована «Артель древней живописи». С этого момента Палех начинает новый, советский период своей жизни.

Появились произведения современной тематики, большого идейного звучания. Это «Заседание волисполкома» А. В. Котухина, «Изба-читальня» И. М. Баканова, «Революционная деревня» И. П. Вакурова, «Октябрь в деревне» и «Первое мая в деревне» И. И. Зубкова, «Комсомол» Н. М. Зиновьева, многие композиции на сюжеты о Красной Армии, письменный прибор И. И. Голикова «Десять лет Октября» и его же «III Интернационал». Одновременно палешане создавали произведения и на сюжеты сказок, былин, народных песен, русской и зарубежной литературы.

Художники Палеха много и успешно работают в иллюстрировании книг, оформлении театральных постановок, занимаются стенной росписью, росписью фарфора.

Теперь большинства зачинателей советского Палеха нет в живых. Новое поколение художников — воспитанников Палехского художественного училища — успешно продолжает и развивает их дело. Первоначально «Артель древней живописи» объединяла 7 человек. В настоящее время коллектив палешан насчитывает 170 художников.

Искусство Палеха приобрело мировую славу.

«Можно ли было думать, что через иконопись... консервативнейшее ремесло... мастера Палеха... придут к... современному отличному мастерству, которое вызывает восхищение даже в людях, избалованных услужливостью живописцев». В этих словах А. М. Горького выражено восхищение великой жизненной силой народного искусства.

Сама душа нашего народа в этом искусстве, и поэтому можно с уверенностью сказать, что палехское искусство — это не только прошлое, но и настоящее и будущее.

Е. КАРМАНОВ. Пряха. Деталь композиции «Беларусь»

Белорусская керамика

Керамика — наиболее древнее, распространенное по всей Белоруссии искусство. Его истоки относятся к эпохе неолита. Гончарное производство достигает значительного развития уже в X-XII вв.

Мастера-керамисты, выходцы из Белоруссии, украшали цветными изразцами дворцы и храмы, строившиеся в Подмосковье и в Москве в XVII-XVIII вв. Белорусскими мастерами были изготовлены многоцветные изразцы для царских палат Московского Кремля.

Наряду с бытовой и архитектурной керамикой производилась керамическая скульптура, игрушка.

В годы Советской власти, особенно в последнее десятилетие, мастера-керамисты создают замечательные произведения — мозаичные композиции, вазы, декоративную скульптуру и бытовую утварь. Они используют современные материалы, сочетая керамику с металлом, деревом. Цветной мозаичной плиткой украшены вестибюль подземного перехода у привокзальной площади Минска, павильон ВДНХ БССР, гостиницы, магазины, рестораны.

Особенно интересны керамические композиции художников Евгения Карманова, Михаила Беляева, Федора Зильберта и Тараса Порожняка.

Искусство, рожденное Октябрем

Национальная киргизская кинематография — детище социализма.

Первенец киргизского игрового кино — фильм «Салтанат» вышел на экраны в конце 1955 г. По общему признанию он был создан художниками, глубоко познавшими жизнь киргизского народа. Успех картины послужил толчком для производства художественных фильмов. С этой целью в конце 1958 г. Фрунзенская студия хроникально-документальных фильмов была преобразована в республиканскую студию художественно-документальных фильмов.

Ныне киргизское национальное кино — это полнокровное искусство, впитавшее в себя лучшие традиции отечественного и мирового кинематографа. Ярким явлением в развитии нашего кино стало обращение его мастеров к произведениям национальной литературы.

Особую роль здесь сыграло творчество Чингиза Айтматова. Суровый реализм его произведений, в центре которых всегда стоит человек с ярким своеобразным характером, насыщенность драматическими конфликтами — все это делает повести и рассказы Ч. Айтматова удивительно кинематографичными. И не случайно такие фильмы, как «Зной», «Материнское поле», созданные по его произведениям, стали событиями в киргизском кино.

Фильмы «Выстрел на перевале Караш» Б. Шамшиева, «Засада» и «Материнское поле» Г. Базарова свидетельствуют о принципиально новых стремлениях киргизских кинематографистов к глубокому, вдумчивому отношению к жизненным явлениям, к созданию ярких характеров, к постановке больших социальных проблем.

С. КРАСАУСКАС. Голос

В рабочем клубе

Задушевные, знакомые с детства мелодии льются над притихшим залом. Песни о красе родного края и его седых горных вершинах, о первой любви и радости труда, о крепкой горняцкой дружбе.

Еще звучат заключительные аккорды, переливаются звонкие девичьи голоса, а зал уже взрывается дружными аплодисментами — зрители долго не отпускают со сцены крепильщика Михаила Энукидзе, слесаря Джуду Ломтадзе, учетчицу Этери Гоголадзе, железнодорожника Ушанги Ганидзе и других участников самодеятельного эстрадного ансамбля, созданного в рабочем клубе Чиатурского рудоуправления имени В. И. Ленина.

Добытчики марганца любят песню, давно сдружились с ней. Вот почему они так горячо встречают каждое выступление своего ансамбля, в репертуаре которого грузинские, русские, украинские песни, песни народов мира.

В рабочем клубе многие рудокопы приобщаются к прекрасному миру искусства. Одни участвуют в работе народного театра, осуществившего такие постановки, как «Сказки об Италии» А. М. Горького, пьесы грузинских драматургов — «Медея» В. Саникидзе и «Чинчрака» Г. Нахуцришвили, «Пэпо» — классика армянской литературы Г. Сундукяна. Другие посещают занятия хореографической студии, постигая тайны стремительных и грациозных грузинских танцев. Многих привлекает музыкальный кружок, где можно научиться игре на национальных инструментах чонгури и пандури, под аккомпанемент которых так напевно звучат родные мелодии...

• 5 декабря — День Конституции СССР.
• 5 декабря — 50 лет со дня (1924) создания Художественнопроизводственных мастерских в Палехе.
• 5 декабря — 70 лет со дня рождения (1904) М. Г. Дерегуса, украинского советского художника.

Т. САЛАХОВ (р. 1928). Новое море. 1970. Холст, масло. 267x267. Министерство культуры Аз.ССР. Баку.

ДЕКАБРЬ 9 10 11 12 13 14 15 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

несколько цифр

Армянский театр имеет более чем 2000-летнюю историю. В Советской Армении в 1971 г. действовало 14 театров, в том числе Академический театр оперы и балета им. А. Спендиарова, Академический драматический театр им. Г. Сундукяна и др.

В 1971 г. в республике действовало 34 музея.

В Армении до революции не было ни одной киноустановки. В 1940 г. их число уже достигло 168, а в 1972 г. — 752. Первый художественный фильм «Намус» был создан в 1925 г.

КИМ ДОНГ. Гончарная мастерская

ЛАКОВАЯ ЖИВОПИСЬ ДРВ

В Демократической Республике Вьетнам успешно развиваются национальные виды искусства. Один из них — живопись лаковыми красками. Она происходит от народных декоративноприкладных росписей лаком по дереву.

Вьетнамский лак получают из сока дерева «кэй-сон», растущего в провинции Виньфу (Северный Вьетнам). После сбора лаковую смолу помещают в бамбуковые сосуды и хранят в темном месте от трех до шести месяцев. За это время на разных уровнях образуются различные сорта лака. Слои лака накладывают на отшлифованный грунт несколько раз. Каждый слой предварительно высушивается и шлифуется пемзой. Лаковые краски обладают сильной вязкостью и быстро высыхают, поэтому их накладывают очень быстро, не смешивая одну с другой.

В 30-е годы XX в. вьетнамские художники впервые попытались применить лаковые краски для создания тематических картин, отражающих повседневную жизнь народа. Но здесь художникам пришлось столкнуться со многими трудностями, особенно технического характера. Краски очень быстро застывали, немногие красители могли смешиваться с лаком. Поэтому основной задачей художников, работающих в этой технике, стало получение новых красок.

Последние два десятилетия художники ДРВ успешно работают над усовершенствованием этой сложной живописи. Необычайно расширилась палитра их произведений. Наряду с традиционными красным, черным и коричневым вьетнамские мастера используют синий, зеленый, розовый, фиолетовый лаки. Для усиления декоративного эффекта широко применяют золотой и серебряный порошок, инкрустацию сусальным золотом и переливчатым перламутром.

Художники обращаются в своих работах к теме героической борьбы вьетнамского народа. В их картинах нашли свое отражение и трудовые будни и природа Вьетнама.

Художник Хоанг Тик Тю в работе «Бригада взаимопомощи за посадкой риса» воспевает радость и поэтичность труда.

Другой известный современный художник Ким Донг работает в традиционной манере, он использует, как правило, киноварь, разнообразные оттенки коричневой краски и золотой лак. Широко применяет он инкрустацию. В такой манере выполнена его картина «Гончарная мастерская».

Национальная лаковая живопись продолжает развиваться и совершенствоваться. Это искусство пользуется огромной любовью и популярностью у вьетнамского народа и известно широко за пределами страны.

А. ГАДЖИЕВ. Вдали от берега (Из серии линогравюр «Каспий»)

ПРОТИВ ЦЕРКВИ

Альбом офортов «Капричос» выдающегося испанского художника Франсиско Гойи часто называют зеркалом клерикальной Испании.

В начале 1799 г. в газете «Диарио де Мадрид» появилось сообщение о продаже серии из 80 офортов. Продавали «Капричос» всего две недели: художник вынужден был изъять гравюры, так как инквизиторы начали против него дело, длившееся несколько лет. «...Инквизиция, доживавшая тогда последнее свое время, и поэтому особенно подозрительная и злая, скоро догадалась о том, что... крылось в красивых гравюрах Гойи, — писал В. В. Стасов. — Она стала его преследовать, уже распустила над ним когти, собиралась притянуть его к ответу, и тут бы ему, конечно, несдобровать... Король объявил, что «он сам заказал Гойе его Капричос», и потому потребовал к себе все доски и отпечатанные с них гравюры... Инквизиция, скрежеща зубами, принуждена была отступиться от своей жертвы».

На рубеже XVIII и XIX вв. трудно было найти страну, в которой католическая церковь так безраздельно господствовала бы над умами людей, как в Испании. Огромная свора духовенства беззастенчиво грабила народ. Свирепствовали трибуналы инквизиции, душившие малейшие проявления свободомыслия. В этих условиях «Капричос» Гойи прозвучали как страстный, смелый и гневный политический памфлет, направленный против королевской семьи и аристократии, против католической церкви и «святой инквизиции».

Вот испуганная женщина с плачущим ребенком упала на колени перед мрачным пугалом. На сучья дерева, как на распростертые руки, натянута огромная монашеская сутана. Из-под нее вылетают отвратительные чудовища. Пугало заполняет собой весь лист, и все же это только пугало. «Чего не сделает портной!» — так называется этот офорт, в котором художник воплощает свои представления о лживости и пустоте религии, о страхе народа перед пугалом католицизма.

В другом листе группа чудовищ, одетых в монашеские рясы, с восхищением склоняется перед попугаем, вещающим с кафедры. «Какой златоклюв!» — подписал этот офорт художник. Это прямой намек на одного из отцов церкви — Иоанна, которого за его проповеди называли Златоустом.

Сады и парки

В наше время сады и парки не только декоративное украшение города, они выполняют оздоровительные и культурно-просветительные функции.

Основным композиционным приемом наших парков остается сочетание регулярной и пейзажной планировки. Регулярная часть удобна для проведения массовых мероприятий. Обычно здесь располагают аттракционы, площадки для шумных забав и игр. Пейзажный парк часто устраивают в зеленом массиве, прилегающем к новым районам. В нем размещают зоны тихого отдыха.

Создание Центрального парка культуры и отдыха имени М. Горького в Москве знаменовало собой появление парков нового типа — общественно-социального. В 1923 г. заброшенный пустырь на берегу Москвы-реки расчищают для павильонов Всероссийской сельскохозяйственной выставки. Регулярная часть парка протянулась вдоль набережной. Она органично слилась с садом «Нескучное» (бывший дворцовый парк усадьбы Демидова), имевшим свободную пейзажную планировку.

Интересно распланирован тбилисский парк в районе Ваке. Регулярная часть парка расположена на равнинном участке, а пейзажная — на склоне горы Мтацминда.

После Великой Отечественной войны возникли мемориальные парки-памятники мужеству и героизму советского народа. Строительство парков носило массовый характер.

Московский парк Победы в Ленинграде заложен 7 октября 1945 г. (архитектор В. Кирхоглани и другие). На том месте, где проходила линия обороны, разбиты Комсомольская аллея, названная в честь строителей, аллея Дважды Героев. Оставшимся на территории парка котлованам, траншеям, воронкам строители придали причудливые живописные формы и заполнили их водой.

С. НЕЛЬС. Андреев-Бурлак. Корифеи русской и зарубежной сцены. М., «Искусство», 1971. Г. ПОЛЯНОВСКИЙ. Мои встречи с Н. А» Обуховой. М., «Сов. композитор», 1971. Михаил Астангов. Статьи и воспоминания о М. Ф. Астангове. М., «Искусство», 1971.

ПАБЛО ПИКАССО (1881-1973). Мать и сын. 1905. Холст, гуашь. 90x71. Государственная галерея. Штутгарт.

ДЕКАБРЬ 16 17 18 19 20 21 22 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

МАСТЕРА ЗАРУБЕЖНОГО КИНО

Невена Коканова в фильме «Будь счастлива, Ани!»

Кинематография народной Болгарии

Победа народной власти в Болгарии в сентябре 1944 г. положила начало новому периоду истории болгарского народа, его культуры. В 1948 г. все кинотеатры, фильмофонд и техническая база болгарского кино перешли в руки государства. В конце 40-х — начале 50-х годов выпускники Института кинематографии в Москве и киношкол Чехословакии и Польши вместе с мастерами старшего поколения начали закладывать основы нового болгарского кино.

Большую помощь оказали болгарским друзьям их опытные советские коллеги. Один из постановщиков знаменитого «Чапаева» Сергей Васильев снял совместный советско-болгарский фильм «Герои Шипки». Много дал им и опыт совместной работы с советским режиссером Львом Арнштамом, поставившим в Болгарии «Урок истории» — фильм о Георгии Димитрове.

К началу 60-х годов болгарская кинематография уверенно вышла на мировую арену.

На II Международном кинофестивале в Москве фильм режиссера Б. Желязковой «Как молоды мы были» получил Золотой приз. Среди лучших фильмов 60-х годов — «Похититель персиков», «Царь и генерал», «Инспектор и ночь» и многие другие. Среди более поздних — «Отклонение», «Запах миндаля». Набирает силу и болгарская мультипликация.

...В конце 1972 г. в Москве и других городах СССР проводилась Неделя болгарского фильма. Успех ее — лучшее свидетельство возросшего мастерства болгарских кинематографистов.

Далеко за пределами своей страны известна популярная болгарская актриса Невена Коканова. Актриса театра, она дебютировала в кино в 1956 г. «Будь счастлива, Ани», «Конец Никотианы», «Похититель персиков», «Запах миндаля», «Галилео Галилей», «Отклонение» — вот только несколько названий из трех десятков фильмов, в которых снялась Невена Коканова. Актрисе лирико-драматического дарования больше всего удаются роли искренних, порывистых, внутренне значительных женщин.

Кадр из фильма «Голый остров»

Торжество гуманности

В огромном потоке кинопродукции Японии время от времени появляются произведения удивительной жизненной правды и выдающегося художественного мастерства. Среди них фильмы Канэто Синдо.

Он начинал как сценарист и декоратор.

В 1951 г. Канэто Синдо пришел в режиссуру. Истинное признание он получил после выхода на экраны фильма «Дети Хиросимы» (1952), с трагической силой рисующего последствия атомной войны. Этой же теме посвящен и следующий фильм режиссера «Трагедия Счастливого дракона», повествующий о гибели японских рыбаков, пораженных радиацией после американских атомных испытаний.

В 1960 г. Канэто Синдо ставит фильм, который уже сегодня прочно вошел в историю мирового кинематографа, — «Голый остров».

Ритм монтажа, композиционная завершенность кадров, лаконизм изображения, музыка, заменяющая речь, — делают «Голый остров» выдающимся произведением искусства.

Советские зрители видели эту ленту, и нет нужды пересказывать ее сюжет. Напомним лишь, что на II Международном кинофестивале в Москве «Голый остров» был удостоен Главного приза.

На VII Московский международный фестиваль Канэто Синдо привез фильм «Сегодня жить — умереть завтра», посвященный проблемам японской семьи и молодежи.

Фильм этот — гневное обвинение капиталистическому миру, где человек одинок, где роскошь соседствует с нищетой, где бесправие, унижение, насилие — норма жизни.

— Когда и какие бы фильмы я ни ставил, — говорит Канэто Синдо, — я всегда особое внимание обращал на социальные проблемы, ибо от того, в каких условиях живет человек, во многом зависит его судьба, его поступки, его мироощущение. Всю суть моей работы можно выразить двумя словами: человек и общество.

Кадр из фильма «Козара»

Фильмы о незабываемом

Зарождение и развитие югославской национальной кинематографии связано с национально-освободительной и социальной борьбой, которую вели народы этой страны. И по сей день лучшие югославские фильмы — фильмы патриотического содержания.

Ленты о борьбе против фашизма уже в 50-е годы приносят Югославии международное признание. «Большой и маленький», «Не оглядывайся, сынок», «Долина мира» демонстрируются на экранах многих стран, получают призы на Международных кинофестивалях.

Растет и новое поколение югославских кинематографистов. Среди режиссеров этого поколения видное место принадлежит Велько Булайичу.

Булайич родился в 1928 г. В кино пришел в 1952-м. Начинал с ассистента режиссера. Лишь спустя семь лет он поставил свой первый фильм — «Поезд вне расписания» — о жизни крестьянской бедноты.

Уже следующий фильм режиссера — «Война» — был удостоен Национальной премии на традиционном кинофестивале в Пуле. Потом была лента «Клокочущий город» (1961) и один из лучших фильмов югославской кинематографии «Козара» (1962) о партизанском движении в годы второй мировой войны.

Велько Булайич успешно пробует свои силы и в документальном кино. Его фильм «Скопле, 1963» о землетрясении, разрушившем этот цветущий город, был награжден призом Золотого льва на XV Международном конкурсе документальных фильмов в Венеции.

Наиболее значительной работой Булайича следует считать фильм «Битва на Неретве» — это героическая эпопея о борьбе с фашизмом. Для участия в ней режиссер привлек многих видных актеров из разных стран мира. У него снимались и советские мастера кино — Сергей Бондарчук и Олег Видов.

Йон Попеску-Гопо

Йон Попеску-Гопо

Мультипликационные фильмы принесли Социалистической Республике Румынии большое количество призов и наград. Успехи румынской мультипликации во многом связаны с именем Йона Попеску-Гопо.

Воспитанник Академии изящных искусств, иллюстратор книг для детей, известный карикатурист, Йон Попеску-Гопо с детства мечтал о мультипликации, которой увлекался (правда, без особого успеха) еще его отец. В 1950 г. Гопо организовал в Румынии студию рисованных фильмов, а сам уехал учиться в Москву, на студию «Союзмультфильм».

Фильм «Краткая история» (1957) принес Попеску-Гопо «Золотую пальмовую ветвь» Каннского кинофестиваля.

Безымянный смешной человечек с цветком — герой «Краткой истории» — сделал «шумную кинокарьеру». Фильмы «Семь искусств» и «Homo Sapiens» с его «участием» принесли Гопо около сорока международных премий.

И вдруг режиссер удивляет всех, ставя полнометражный игровой фильм-памфлет «Украли бомбу». Позднее он ищет равновесие между игровыми и мультипликационными средствами кино. Так появляются фильмы «Шаги к Луне», «Если бы я был Белым арапом...», «Фауст XX».

Йон Попеску-Гопо — вице-президент Международной ассоциации мультипликационного кино.

• 22 декабря — День энергетика.

К. БРЮЛЛОВ (1799-1852). Портрет сестер Александры Афанасьевны и Ольги Афанасьевны Шишмаревых. 1839. Холст, масло. 281x213. Русский музей. Ленинград.

ДЕКАБРЬ 23 24 25 26 27 28 29 1974 ПН ВТ СР ЧТ ПТ СБ ВС

СВЕРКАЮЩАЯ КИСТЬ

Брюллова называли «Карлом Великим», «Новым Микеланджело». О нем писали Пушкин, Герцен, Белинский и Чернышевский. Гоголь говорил о нем: «Кисть его можно назвать сверкающей, прозрачной». И в основе его успеха лежала работа.

Карл Брюллов был принят в Академию в 9 лет. В 11 лет он копировал обнаженные фигуры, твердо и точно вырисовывая кисти рук, стопы ног и игру мускулов спины. В 13 лет рисовал натурщиков так, что ему позавидовал бы зрелый художник. О его усидчивости можно говорить языком цифр. Он сорок раз нарисовал скульптурную группу Лаокоона, несколько раз писал копии с портрета папы Иннокентия X Веласкеса. Свою программную работу Брюллов переписывал восемь раз, и в день окончания Академии художеств вынес из актового зала «целую пригоршню» медалей.

Когда он ехал в Италию и останавливался по дороге в немецких городах, министры и вельможи «просили сделать им честь» и написать их портреты. Но и в Италии художник продолжал учиться. Он выбрал для копии «Афинскую школу» Рафаэля и почти три года писал семьдесят фигур этой фрески на холсте величиною в пять сажен. Пушкин об этом подвиге ученичества сказал: «...Брюллов, усыпляя нарочно свою творческую силу, с пламенным и благородным подобострастием списывал Афинскую школу Рафаэля. А между тем в голове его уже шаталась поколебленная Помпея, кумиры падали, народ бежал по улице, чудно освещенной волканом». И эта жестокая школа оправдала себя. Его «Последний день Помпеи», стал «для кисти русской первым днем».

Но в такой же степени, как этот холст, его прославили портреты. Человек в его творчестве горд и прекрасен. Портреты Брюллова поражают проникновенностью характеристики и поэтичностью настроения: А. Н. Струговщиков, В. А. Жуковский, баснописец И. А. Крылов. «Он не пишет портреты с людей, — говорили о живописце современники, — а пишет с них картины, в которых бывают изображены взгляд, душа, характер человека».

В какой-то мере эти слова относятся и к парадным портретам — «Всадница», «Сестры Шишмаревы». В этих картинах — радость и красота жизни. Человек у Брюллова, по словам Гоголя, «является для того, чтобы показать всю красоту свою, все верховное изящество своей природы».

ВЕРНАЯ ПРАВДЕ

Много талантливых артистов и артисток дала русскому театру провинциальная сцена. Такой артисткой была и Екатерина Павловна Корчагина-Александровская, народная артистка СССР. В Костроме в семье провинциальных актеров Корчагиных в 1874 г. родилась девочка, нареченная Екатериной. С детских лет маленькая Катя участвует в спектаклях, где играют ее родители Корчагины, по сцене Ольгины. Трудный путь провинциальной актрисы прошла Екатерина Павловна, прежде чем она стала играть на столичной сцене — в театре Веры Федоровны Комиссаржевской Это был театр демократической интеллигенции Петербурга. За три года работы в нем обогатился и окреп талант актрисы. В репертуар Корчагиной-Александровской в это время входят роли из пьес Островского, Чехова, Горького, Ибсена.

В 1915 г. актриса с успехом дебютирует в Александрийском театре, и ее принимают в труппу. До конца жизни остается она на сцене этого прославленного театра — впоследствии Ленинградского академического театра драмы имени А. С. Пушкина.

Очень много самых разнообразных ролей пришлось сыграть актрисе за свою долгую сценическую жизнь. В начале пути это были, в основном, роли подростков. Живость, простота и непосредственность артистки пленяли зрителей. Но вскоре самыми яркими образами в ее репертуаре стали характерно-бытовые роли пожилых женщин. «В тридцать лет я начала приобретать известность как присяжная «старуха»» — вспоминает Екатерина Павловна. С глубоким проникновением в психологию, с реалистической убедительностью и тонким юмором создала актриса такие замечательные образы русского классического репертуара, как Пошлепкина в «Ревизоре» Гоголя, Кукушкина в «Доходном месте» и Домна Пантелевна в «Талантах и поклонниках» Островского; артистка находит и резкие сатирические краски для образов, созданных Салтыковым-Щедриным: Живоедова в «Смерти Пазухина», Улита в кинокартине «Иудушка Головлев». На склоне лет актриса создала яркий, проникнутый политической страстностью образ старой большевички Клары («Страх» Афиногенова). Искренностью, задушевностью, патриотизмом наполнены такие замечательные образы, как санитарка Христина Архиповна из «Платона Кречета» Корнейчука и Демидьевна из «Нашествия» Леонова.

«Чудесной, талантливейшей Екатерине Павловне, — писал К. С. Станиславский на дарственной фотографии, — от восторженного поклонника ее простоты и большой фантазии».

Кадр из фильма «Ленин в Польше»

Разгадка поэзией

Так назвал одну из своих книг известный кинорежиссер и теоретик кино народный артист СССР Сергей Юткевич.

Разгадка поэзией... Думается, это кредо художника вполне подходит ко всем его картинам, а не только к фильмам о В. И. Ленине, которым посвящена книга.

За полвека творческой деятельности Юткевич поставил немало картин, вошедших в золотой фонд советского киноискусства. Начав как художник и сценарист, Сергей Иосифович довольно быстро стал одним из ведущих режиссеров молодого советского кино. Уже в своей картине «Кружева», поставленной в 1928 г., Юткевич коснулся острой проблемы того времени — борьбы с хулиганством. В 1931 г. Юткевич ставит один из первых советских звуковых фильмов «Златые горы» — о росте революционного сознания у рабочих царской России в предоктябрьские годы. А через год вместе с Фридрихом Эрмлером он делает фильм «Встречный» — поэтический рассказ о тех, кто в годы первой пятилетки закладывал основы социалистической индустрии.

Режиссер выступает в разных жанрах. Достаточно назвать социальную драму «Шахтеры» и биографические фильмы о Свердлове, Пржевальском, Скандербеге, антифашистскую эксцентрическую комедию «Новые похождения Швейка» и музыкальную комедию «Здравствуй, Москва!», экранизацию шекспировского «Отелло» и кукольную картину «Баня» (по В. Маяковскому).

Особое место в творчестве Сергея Иосифовича занимает работа над фильмами о Ленине. Еще в 1937 г. при создании фильма «Человек с ружьем» началось творческое содружество режиссера с актером Максимом Штраухом — одним из первых исполнителей роли Ленина на экране.

Позднее Юткевич вновь возвращался к работе над ленинской темой (фильмы «Рассказы о Ленине» и «Ленин в Польше»). И вновь в этих картинах роль Ленина играл Штраух.

Своеобразен фильм «Ленин в Польше». Юткевич и сценарист Евгений Габрилович вместе со Штраухом сумели показать, что и вдали от родины, в эмиграции, Владимир Ильич был неразрывно связан с партией, с революцией. Мы видим Ленина размышляющего, Ленина, готовящегося к великой битве. Успех картины «Ленин в Польше» у зрителей многих стран мира, картины новаторской, — заслуженная победа мастера, пролагающего новые пути в воссоздании средствами самого массового искусства образа бессмертного вождя Великого Октября.

Казахские косторезы

В Казахстане, где население в основном из поколения в поколение занималось скотоводством, народные мастера использовали рога и кости для украшения предметов домашнего обихода. Были большие мастера-косторезы, имена которых не сохранились, но искусство их дошло до наших дней, передаваясь от отца к сыну.

Очень красивыми были изделия из дерева, инкрустированные костью: чаши для кумыса, половники, молотки для колки сахара, шкатулки для мелких предметов, вспек (взбивалки для кумыса), посудные тумбочки, кровати, подставки для сундука и постельных принадлежностей, седла.

Кость применяли и для внутренней отделки юрты.

В основном использовали верблюжью кость — ребра и лопатки. Чтобы подчеркнуть ажурность рисунка, казахские мастера набивали костяные пластинки на фольгу, на разноцветные ткани (бархат, сукно и кожу). Немаловажное значение придавалось подкраске и тонировке кости. Мастер сначала делал пластинки: треугольные, прямоугольные, полукруглые и т. д. Затем этими пластинками с выгравированным или прорезанным орнаментом он покрывал полностью или частично поверхность предмета. Это замечательное народное искусство дошло до наших дней.

• 23 декабря — 100 лет со дня рождения Е. П. Корчагиной-Александровской (1874-1951), советской актрисы, народной артистки СССР.
• 23 декабря — 175 лет со дня рождения К. П. Брюллова (1799-1852), русского художника.
• 28 декабря — 70 лет со дня рождения (1904) С. И. Юткевича, советского кинорежиссера.

Г. АЙТИЕВ (р. 1912). Чабаны. 1960-1961. Холст, масло. 120x176. Киргизский музей изобразительных искусств. Фрунзе.

ДЕКАБРЬ 30 31   1974 ПН ВТ

несколько цифр

В столице Советской Эстонии городе Таллине — 5 театров. Профессиональные театры есть также в городах Тарту, Пярну, Вильянди, Раквере. В Таллине работает Государственная филармония. Широкой известностью пользуется Государственный академический мужской хор под руководством народного артиста СССР профессора Г. Эрнесакса. Таллин славится сдвоим Певческим полем с крупнейшей эстрадой для проведения народных певческих праздников, в которых участвуют десятки тысяч певцов и до двухсот тысяч зрителей.

— Вы вызывали трубочиста? Рис. С. Волкова

так снимается кино

На двадцатое октября была назначена съемка бури в фильме «Верные друзья».

В этом фильме есть такой эпизод, когда его героев ночью настигает непогода. Как-то так случилось, что об этой сцене совсем позабыли и, к великому нашему неудовольствию, вспомнили только, когда погода стала холоднее. Осень, настоящая осень...

Пришли мы утром на берег реки, сели на плот, разделись, оставили на себе только трусики, а сверху накинули пальто, прижались друг к другу, чтобы теплее было, и поплыли на съемку. Причалили. Перед нами стояли пожарники в блестящих касках, держали в руках брандспойты и весело посматривали на нас.

— Сейчас пробовали дождь, очень хорошо получается...

— Получается все-таки? — теряя последнюю надежду, спросили мы у режиссера.

— Хорошо получается! — ответил он. — И ветер тоже хорош. — Он указал на два спортивных самолета.

— Ну что же, давайте начинать, — сказал режиссер.

— Начали! — закричал он в жестяной рупор.

Один за другим стали загораться голубоватым светом прожектора. С треском и воем завертелись пропеллеры самолетов, и сильный, резкий ветер подул с берега, подымая круглые волны. А вот заморосил и редкий, слабый дождик.

— Ну, так-то не страшно, — приободрились мы, снимая пальто и выскакивая из шалаша. Но только ступили мы на скользкие бревна плота, как дождь вдруг хлынул с удесятеренной силой. Твердые струйки воды до боли хлестали нас по голому телу. Холод пронизывал нас до костей. Невольно выкрикивали мы какие-то не очень ласковые слова по адресу нашего режиссера. И в то же время не забывали актерского дела: играли свою сцену, старались провести ее как можно лучше.

— Конец! Конец! — обрадованно закричали мы друг другу, кинулись в шалаш, завернулись в свои полупромокшие пальто.

А в это время с берега прозвучал громкий довольный голос режиссера:

— Хорошо! Очень хорошо! Давайте еще раз!

И снова подул ветер, пошел дождь, и снова мы, задыхаясь от холода, играли эту злополучную сцену.

Через день нас пригласили посмотреть снятый эпизод. Что же мы увидели? Дождь на экране шел только лишь над нашим плотом, а в пяти метрах от него расстилалась покойная гладь реки, которую не потревожила ни одна капля.

И что же? Пришлось снова снимать этот эпизод. Только теперь на помощь пожарным машинам к месту съемок пришел и пожарный пароход, стал недалеко от плота и принялся поливать нас из своих пяти могучих насосов.

ДМИТРИЙ КАБАЛЕВСКИЙ

Необычайно многогранен талант Дмитрия Борисовича Кабалевского... Один из самых выдающихся мастеров музыкального искусства XX в., педагог, воспитавший несколько поколений композиторов, ученый и публицист, автор многих книг и статей по узловым проблемам современной музыки, энергичный общественный деятель и подлинный просветитель, неутомимо пробуждающий любовь к прекрасному...

Пожалуй, с молодежью Кабалевского связывают особенно тесные узы — ей посвящает он не только творчество, но и кипучую свою организаторскую и просветительскую деятельность. Недаром именно он избран почетным президентом Международного общества по музыкальному воспитанию.

Кабалевский — художник широкого интеллектуального размаха. Лучшие страницы его творчества пронизаны эмоциональной живостью, непосредственностью, не только по содержанию, но и интонационно тесно связаны с советской действительностью. Мы находим в его музыке и философское раздумье, и проникновенную лирику, и героический пафос, и блестки неподдельного остроумия.

Поистине невозможно в небольшой заметке не только рассказать о произведениях Кабалецского, но даже назвать все лучшие из них. Мне хочется лишь посоветовать многочисленным читателям почаще слушать его музыку.

Во многих театрах нашей страны идут оперы Дмитрия Борисовича, и в том числе одно из лучших его созданий — опера «Кола Брюньон» по повести Ромена Роллана, за вторую редакцию которой он был удостоен Ленинской премии; постоянно звучат его Четвертая симфония и инструментальные концерты, «Реквием» на стихи Р. Рождественского, 24 фортепианные прелюдии, романсы на стихи Шекспира, Блока, Расула Гамзатова, музыка к кинофильмам и пионерские песни, а также новые сочинения, которыми почти ежегодно радует нас Дмитрий Борисович. Словом, творчество этого замечательного композитора составляет неотъемлемую часть музыкальной культуры нашего времени, находя горячий отклик в сердцах людей всего мира.

Фрагмент фрески

Интересная фреска

Эпоха Высокого Возрождения в Италии открыла и воспела Человека как меру всех вещей.

Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело воплотили в своих гениальных творениях гармоническую красоту личности, освобожденной от сковывающих пут средневековых догм. Но уже в первой половине XVI в. ренессансная культура вступает в полосу кризиса.

В это время как полноправный наследник великих мастеров на художественной арене появляется Якопо Карруччи, прозванный Понтормо (1494-1557), художник огромного дарования, громкую славу которому пророчили Рафаэль и Микеланджело.

В 1519 г. нескольким художникам было поручено украсить фресками летнюю резиденцию герцога Медичи в Поджо-а-Кайано близ Флоренции. Среди них был 26-летний Понтормо.

На его долю выпала труднейшая задача — расписать полукруглую часть стены (люнет), прорезанную круглым окном. Сохранившиеся подготовительные рисунки позволяют нам проникнуть в процесс выбора темы и ее композиционное «вписывание» в столь неудобное пространство.

Наконец художник останавливается на мифологическом сюжете, рассказывающем о любви древнеримского божества садов Вертумна к прекрасной богине плодов Помоне. Понтормо раскрывает в своих образах красоту земной любви, ликующей природы, гармонического бытия.

Окно люнета, увитое ветвями ивы, явилось как бы стержнем всей композиции. В левой части фрески на невысокой ограде сидит обнаженный Вертумн, истомленный жарким полуденным солнцем. У подножия ограды — двое крестьян с собакой. В правой части — три женщины, одна из которых (Помона) с легкостью перескальзывает через ограду. Возле окна — четверо озорных мальчишек. Не выделяя главных героев, Понтормо как бы приобщает зрителя к радостному празднику природы.

Понтормо не смог в дальнейшем противостоять напору католической и придворной реакции. Именно поэтому «Вертумн и Помона» остается для нас последним гениальным всплеском ренессансной культуры Италии.

• 30 декабря 1947 — Румыния провозглашена народной республикой. С 1965 г. — Социалистическая Республика Румынии.
• 30 декабря 1922 — I Всесоюзный съезд Советов принял Декларацию и Договор об образовании Союза Советских Социалистических Республик.
• 30 декабря — 70 лет со дня рождения (1904) Д. Б. Кабалевского, советского композитора.

Гуцульская ярмарка. Войковская свадьба. Отдых молодежи. М. БИЛАС (р. 1924). 1964. Аппликации из цветной бумаги. 105x105 каждая. Музей этнографии и художественного промысла АН УССР. Львов.	1975
	ЯНВАРЬ ПН     6 13 20 27 ВТ     7 14 21 28 СР  1  8 15 22 29 ЧТ  2  9 16 23 30 ПТ  3 10 17 24 31 СБ  4 11 18 25    ВС  5 12 19 26    ФЕВРАЛЬ ПН     3 10 17 24 ВТ     4 11 18 25 СР     5 12 19 26 ЧТ     6 13 20 27 ПТ     7 14 21 28 СБ  1  8 15 22    ВС  2  9 16 23    МАРТ ПН     3 10 17 24 31 ВТ     4 11 18 25 СР     5 12 19 26 ЧТ     6 13 20 27 ПТ     7 14 21 28 СБ  1  8 15 22 29 ВС  2  9 16 23 30 АПРЕЛЬ ПН     7 14 21 28 ВТ  1  8 15 22 29 СР  2  9 16 23 30 ЧТ  3 10 17 24    ПТ  4 11 18 25    СБ  5 12 19 26    ВС  6 13 20 27    МАЙ ПН     5 12 19 26 ВТ     6 13 20 27 СР     7 14 21 28 ЧТ  1  8 15 22 29 ПТ  2  9 16 23 30 СБ  3 10 17 24 31 ВС  4 11 18 25    ИЮНЬ ПН     2  9 16 23 30 ВТ     3 10 17 24 СР     4 11 18 25 ЧТ     5 12 19 26 ПТ     6 13 20 27 СБ     7 14 21 28 ВС  1  8 15 22 29	ИЮЛЬ ПН     7 14 21 28 ВТ  1  8 15 22 29 СР  2  9 16 23 30 ЧТ  3 10 17 24 31 ПТ  4 11 18 25    СБ  5 12 19 26    ВС  6 13 20 27    АВГУСТ ПН     4 11 18 25 ВТ     5 12 19 26 СР     6 13 20 27 ЧТ     7 14 21 28 ПТ  1  8 15 22 29 СБ  2  9 16 23 30 ВС  3 10 17 24 31 СЕНТЯБРЬ ПН  1  8 15 22 29 ВТ  2  9 16 23 30 СР  3 10 17 24    ЧТ  4 11 18 25    ПТ  5 12 19 26    СБ  6 13 20 27    ВС  7 14 21 28    ОКТЯБРЬ ПН     6 13 20 27 ВТ     7 14 21 28 СР  1  8 15 22 29 ЧТ  2  9 16 23 30 ПТ  3 10 17 24 31 СБ  4 11 18 25    ВС  5 12 19 26    НОЯБРЬ ПН     3 10 17 24 ВТ     4 11 18 25 СР     5 12 19 26 ЧТ     6 13 20 27 ПТ     7 14 21 28 СБ  1  8 15 22 29 ВС  2  9 16 23 30 ДЕКАБРЬ ПН  1  8 15 22 29 ВТ  2  9 16 23 30 СР  3 10 17 24 31 ЧТ  4 11 18 25    ПТ  5 12 19 26    СБ  6 13 20 27    ВС  7 14 21 28

ДМ. КАБАЛЕВСКИЙ. Частушка.
Из новых пьес для детей

ПАУЛЬ ХИНДЕМИТ. Песня

Г. СВИРИДОВ. Парень с гармошкой