«Встреча Волги с Доном»

Говоря о программных произведениях советской музыки, нельзя не вспомнить праздничную симфоническую поэму Сергея Прокофьева «Встреча Волги с Доном». Она создана в 1951 г., и ее первое исполнение по радио было приурочено к открытию Волго-Донского судоходного канала имени В. И. Ленина.

По собственному признанию композитора, тема эта была подсказана ему самой жизнью.

Музыка поэмы искренна и глубоко прочувствована. Она проста, напевна и доступна самой широкой слушательской аудитории. В своем симфоническом произведении Прокофьев отразил образы двух великих русских рек, о которых в народе сложено много песен. После торжественного фанфарного вступления начинает развиваться звуковая картина, похожая на фресковую живопись, монументальная и красочная. Энергичный ритм созидательного труда, смело преобразующего природу, могучее течение полноводных рек, сливающихся воедино, переданы композитором с присущей ему изобразительной силой. Симфоническая поэма полна солнечного оптимизма, радости творческого свершения и воспринимается как гимн трудовому подвигу советских людей.

Когда слушаешь поэму Прокофьева «Встреча Волги с Доном», хочется процитировать его слова: «Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен украшать человеческую жизнь и защищать её. Он прежде всего обязан быть гражданином в своем искусстве...»

Молодые архитекторы БАМу

Весной 1977 г. в поселок Беркакит по путевке ЦК ВЛКСМ прибыла бригада архитекторов. Два лета провели здесь молодые специалисты. Архитекторы Е. Пожарский, В. Валуйских, П. Козлов, Е. Катышев и скульптор В. Викторов разработали генеральный план поселка, спроектировали постройки.

Все новостройки собраны из типовых деревянных щитов. Однако архитекторы настолько изобретательно и остроумно сочетали их виды, что каждое строение выглядит совершенно непохожим на другие. В поселке выросло строгое деловое трехэтажное здание конторы, появились многоэтажные корпуса гостиницы, соединенной переходом с клубом, возник уютный одноэтажный корпус детского сада с большой террасой, крылечком, детской площадкой и оградой. Исчезло ощущение хаоса и неустроенности временного местопребывания людей. Уютны интерьеры клуба, столовой, торгового ряда, украшенные деревянными «клеймами» с резными рельефами, обшитые золотистым, ароматным, теплым и добрым деревом.

Беркакит стал одним из самых красивых поселков БАМа. Архитекторы принесли БАМу свой опыт, свои знания, но и БАМ не остался перед ними в долгу. Надолго останутся у них в памяти встречи с замечательными людьми стройки.

* * *

Старый казах, наигрывая на домбре, тихо пел, щуря глаза.

— Это песня красавицы Целины, — сказал он. — Вот она: «Много тысяч раз зацветал тюльпанами мой наряд. Много тысяч дней вплетала я в косы свои седые ковыли... Много тысяч зим баюкали мой сон бураны и снега... Кто сказал, кто дерзнул мне сказать: «Я тебя покорю, Целина»? Кто посмел потревожить мой многовековой покой? Что хотят эти люди, совсем еще юные, отыскавшие меня в моем далеком далеке? Ведь они и не ведают, как горяч и как крут мой разрушительный суховей... И не знают, как силен, как трескуч мой мороз, как глубоки снега... Только слово, одно только слово смогла я понять прошедшей весной, что звучало на разных языках в адском грохоте тысяч железных тракторов. Это слово звучало все громче и громче... И оно навсегда заворожило меня: слово «хлеб»...»

АЛЬБРЕХТ АЛЬТДОРФЕР (оноло 1480-1538). Битва Александра Македонского с Дарием. 1529. Дерево, масло. 158 x 120. Баварские государственные собрания картин. Старая пинакотека. Мюнхен. Фрагмент.

Август 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   11 12 13 14 15 16 17

Прекрасная природа...

Живописец, рисовальщик, гравер и архитектор, глава так называемой «Дунайской школы», одной из интереснейших пейзажных школ Германии, Альбрехт Альтдорфер обессмертил свое имя еще и тем, что одним из первых создал «чистый» пейзаж.

Современники более всего ценили в Альтдорфере архитектора. Но для последующих поколений его имя неразрывно связано с великолепными произведениями живописи, рисунка и гравюры. Ему присущ широкий тематический диапазон, в котором преобладали сюжеты сказочно-мифологические и аллегорические, бытовые и фантастические. Вместе с тем в каждой работе художника ведущую роль играл пейзаж. Постепенно он перестал быть фоном и превратился в среду, где живут и действуют люди. Часто природа даже главенствовала над человеком, жила своей жизнью и в отдельных случаях могла .обходиться вообще без человека. Такой взгляд на роль природы привел к возникновению самостоятельного пейзажа. Первоначально он появился у художника в рисунках, затем в акварелях и, наконец, в живописи. В созданных между 1520 и 1532 г. двух картинах «Пейзаж с мостом» и «Дунайский пейзаж близ Регенсбурга» природа, неприукрашенная, прекрасная и мощная, стала героем произведения.

В 1529 г. Альтдорфер пишет свое центральное произведение «Битва Александра Македонского с Дарием». В этом огромном полотне нашло отражение космическое мироощущение мастера. На первом плане, удаляясь вглубь, развернулась битва. Тысячи всадников мчатся навстречу друг другу. Поднятые копья, знамена и костюмы образуют яркие цветистые гроздья. В глубине композиции огромный холм, на склонах которого расположен город, а за ним бесконечные просторы величественного пейзажа. Кажется, будто природа является причиной битвы, она сталкивает людей в кровавом сражении. Грозно колышутся почти черные тучи на небе, их в отдельных местах прорывает солнце, написанное настоящим золотом. Солнце освещает небо огненнокрасными бликами. Мощные всполохи темных, красных и золотых тонов противостоят мелким цветистым пятнам на земле. «Битва Александра Македонского с Дарием» стала для Альтдорфера программным произведением.

О театре Шиллера

Двадцатилетний Фридрих Шиллер учился в закрытой военной школе при дворе вюртембергского герцога Карла Евгения, куда был отдан против воли. Жестокий казарменный режим вызывал у юноши бурный протест, и он дал выход своим настроениям, написав драму «Разбойники» — драму протеста, «бури и натиска».

Пьеса была издана анонимно, а в 1782 г. поставлена за пределами Вюртемберга. Каждый спектакль превращался в бурную манифестацию, молодежь горячо приветствовала автора. Герцог подверг Шиллера аресту и специальным приказом запретил ему сочинять... Молодой драматург бежал из Вюртемберга. Второе издание «Разбойников» вышло уже с именем автора и девизом: «На тиранов!»

Молодой Шиллер навсегда связывает свою судьбу с театром. «Заговор Фиеско в Генуе», «Коварство и любовь», «Дон Карлос», трилогия «Валленштейн», «Мария Стюарт», «Орлеанская дева», «Вильгельм Телль» — лучшие произведения Шиллера — ставятся в театрах Мангейма, Гамбурга, Веймара, идут во Франции, быстро завоевывают русские сцены.

Уже в «Разбойниках» определились главные черты театра Шиллера: в центре драмы — исключительный герой-одиночка, который борется и погибает, но и самой смертью утверждает свою правоту и торжество своих идеалов.

Пылкость чувств, истину страстей каждый раз сталкивает Шиллер с бесчеловечным расчетливым рассудком. В накале смертельной вражды происходит схватка братьев Карла и Франца Мооров, крестьянки Жанны д’Арк с хитроумными интриганамипридворными, прекрасной и страдающей грешной королевы Марии Стюарт с «добродетельной» Елизаветой, которая побеждает соперницу, но терпит поражение и обречена на одиночество в своем лицемерии и жестокости.

За год до смерти, в 1804 г., Шиллер написал драму «Вильгельм Телль». Впервые у «великого индивидуалиста» героем драмы становится народ. Шиллер пришел к пониманию, что сила людей — в единении и борьбе за лучшую жизнь.

* * *

Для меня земля — гордое сердце вселенной, искусство — огненное сердце земли, люди искусства — фибры ее сердца.

Покровительницы искусств

В древнегреческих мифах рассказывается, что у «отца богов и людей» Зевса и богини памяти Мне мо зины было девять дочерей, которых называли музами. Святилища этих богинь называли мусейонами, откуда происходит сегодняшнее слово «музей»; слово «музыка» того же происхождения, ибо ее считали чудесным даром муз.

Музы покровительствовали разного рода искусствам и наукам. Терпсихора, Каллиопа и Эрато преуспевали в танцах, эпической и любовной поэзии, предпочитая всем музыкальным инструментам звонкую лиру; Евтерпа, склонная к лирической поэзии и музыке, не расставалась с двойной флейтой. Мельпомена и Талия обитали в театрах, поэтому в руках у первой постоянно находилась актерская трагическая маска, а у второй — комическая. Полигимния увлекалась гимнами и, олицетворяя все искусства, носилд на голове лавровый венок — награду «любимцам муз», лауреатам. Что касается наук, то историей занималась Клио, заносящая сведения о веках и народах в свой бесконечный пергаментный свиток, а Урания, держащая в руках небесную сферу, руководила астрономией.

Наш словарик

Баллада — в первоистоках — танцевальная песня. Впоследствии повествуемое в стихах народное предание фантастического характера. Музыкальная баллада сочетает в себе пластичность и наглядность изображения вымыслов о чудесном с драматичностью выражения конкретных чувств любви и ненависти, страдания и радости, лирическую взволнованность с музыкой спокойного повествовательного характера.

* * *

— Если бы Шекспир жил в наши дни, какой бы известностью он пользовался.

— Еще бы. Ему было бы более 300 лет!

КОРНЕЛИУ БАБА (р. 1906). Возвращение с полевых работ. 1943. Холст, масло. 164 x 129. Музей Брукенталь. Сибиу. Социалистическая Республика Румыния.

Август 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   18 19 20 21 22 23 24

Горячее дыхание жизни

Народный художник Социалистической Республики Румынии, почетный член Академии художеств СССР Корнелиу Баба — один из крупнейших мастеров современной живописи. Искусство К. Баба охватывает жизнь широко, в ее сложности, контрастах и борьбе. В образах румынских крестьян художник подчеркивает их высокое чувство человеческого достоинства и внутреннюю силу, что придает его полотнам суровый, монументальный характер. В своих произведениях художник запечатлел строительство и новой жизни. Его кисти принадлежат также пейзажи родины, натюрморты, галерея замечательных портретов рабочих, крестьян, писателей, артистов...

В таланте К. Баба радует слияние колориста и психолога. Он многому научился у великих итальянских и испанских живописцев и в то же время развивает национальные традиции румынской живописи. Художник вспоминает слова своего учителя Н. Тоницы: «...Попытайся работать четырьмя-пятью красками, это будет для тебя большим откровением... Старые мастера пользовались небольшим количеством красок, и никто не может их упрекнуть в том, что они не были великолепными колористами. Наоборот, пока никто не сумел их превзойти».

В неразрывном единстве смысла и формы К. Баба видит великую тайну постижения жизни искусством. Главное для него — человек. Художник говорит, что, изображая своих героев, «стремился в лице запечатлеть взгляд, а не сами глаза».

Листком был человек

* * *

Когда дни начинают пылиться и краски блекнуть, я беру Грина. Я раскрываю его на любой странице. Так весной протирают окна в доме. Все становится светлым, ярким, все снова таинственно волнует, как в детстве. Грин — один из немногих, кого следует иметь в походной аптечке против ожирения сердца и усталости. С ним можно ехать в Арктику и на целину и идти на свидание...

Народный поэт

Ребенком он видел штурм Бастилии, и образ торжествующего народа навсегда поселился в его сердце. Школа в Перонне, куда отдала мальчика тетка, воспитала из него стойкого республиканца. Возмущенный Беранже-отец забрал сына в Париж. Он мечтал пристроить его пажом к королю, если вернутся Бурбоны. Тетка смеялась: «Берегись, чтобы он не спел им «Марсельезу»».

Юные годы Беранже прошли в труде. Он работал в типографии, меняльной конторе, служил писцом в университете. Жил на гроши, в холодной мансарде. Здесь сочинял для друзей своих песни, озорные, пронизанные здоровым народным юмором.

К песне он пришел не сразу. Сначала пробовал силы в модных тогдажанрах напыщенной оды, эпопеи, пасторали. Но независимый нрав Беранже, его демократизм, любовь к живому французскому языку помогли сделать правильный выбор — он сжег все, что написал, и обратился к песне. Писал он для народа и в народе находил своих героев — бедных, но свободных духом, веселых и хмельных. Гордился: «Мои песни распеваются в кабачках рабочими и солдатами».

Постепенно муза Беранже набирала силу. В его творчестве все отчетливее звучит гражданская, патриотическая нота. Поэт остро переживает вступление иноземных армий во французскую столицу: «Я заплакал при первом взятии Парижа, я лил слезы при втором». За чужими штыками шли Бурбоны, а с ними вернулись в страну старые порядки, спесивые дворяне, мракобесы-иезуиты. Беранже обрушивает на их головы поток едких сатирических песен. Франция распевает «Маркиза де Караба», «Мелюзгу», «Марионеток», «Святых отцов» и десятки других язвительных куплетов. Власти пытались купить голос поэта, сулили чины и звания, но дерзкий .песенник смеялся в ответ.

(Так будет и потом, при других режимах.) Его дважды бросали за решетку, но от этого только росла слава народного поэта.

В июльские дни 1830 г. песни Беранже сражались на баррикадах Парижа.

И хотя Бурбоны пали, поэт видел, что народ ничего не выиграл. К власти пришла свора финансовых воротил, лавочники, мещане-толстосумы — «улитки» и «черви». И новых хозяев Франции — буржуазию — Беранже также пригвождает к позорному столбу. Он верит: народ сметет и этих. Будущее — за ним.

Революционная поэзия Беранже всегда звучала там, где боролись за свободу. Ее знали бойцы Гарибальди и венгерские повстанцы 1848 г., русские декабристы и парижские коммунары. Не зря Карл Маркс назвал Беранже бессмертным.

* * *

Александр Грин — писатель солнечный и, несмотря на трудную судьбу, счастливый, потому что через все его произведения победно проходит глубокая и светлая вера в человека, в добрые начала человеческой души, вера в любовь, дружбу, верность и осуществимость мечты.

...Я люблю наблюдать совсем молодых людей, впервые читающих «Алые паруса» или такие рассказы, как «Жизнь Гнора». Когда юный читатель отрывается от последней строки, приятно видеть особое выражение светлого потрясения на его лице, блеск глаз, только что заглянувших глубоко-глубоко в мир человеческих чувств.

ЖАН ДОМИНИК ЭНГР (1780-1867). Портрет Жозефа Антуана Мольтедо. Между 1810 и 1815. Холст, масло. 75,3 x 58,1. Музей Метрополитен. Нью-Йорк.

Август 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   25 26 27 28 29 30 31

«Всегда прекрасно то, что правдиво!»

Эти слова адресованы французским художником Энгром своим ученикам; в них прежде всего звучит призыв к молодым художникам быть искренними в искусстве, искать и ценить прекрасное в окружающей жизни.

Жан Огюст Доминик Энгр пользовался при жизни авторитетом признанного мастера живописи и блестящего рисовальщика. Его творческая деятельность обнимает почти семь десятилетий — и каких десятилетий! — в истории Франции.

Когда молодой Энгр осенью 1797 г. пришел учиться в ателье прославленного Давида, в искусстве господствовал гражданственный пафос классицизма, воспевающего дерзновенность революционной эпохи. И хотя поколению Энгра вскоре было суждено пережить недолговечный блеск наполеоновской эпохи, ее крушение и сумрачный период Реставрации, художник навсегда сохранил преклонение перед строгостью античного искусства, питавшего искусство французского классицизма.

Знаменитые энгровские женские портреты — шедевры «музыкальной» живописи. Их сдержанное благородство, выверенное совершенство замкнутой композиции, излюбленные художником мягкие красочные сопоставления кажутся построенными по законам музыкальной гармонии. Чарующей поэзией линий и красок пронизаны Одалиски и Купальщицы, луврская картина «Источник».

Но нельзя не вспомнить и другого Энгра — трезвого, проницательного наблюдателя жизни и людей. Это особенно относится к его мужским портретам. Их сходство с моделью и беспощадный реализм бывали порой настолько сильны, что, по свидетельству современников, после одной из выставок, где был экспонирован портрет Л.-Ф. Бертена Старшего, политического дельца времен Июльской монархии, прохожие на улицах Парижа встречали Бертена возгласами: «Посмотрите, вот идет портрет Энгра!»

К числу таких шедевров реалистической кисти мастера надо причислить эрмитажный портрет графа Н. Д. Гурьева и портрет Жозефа Антуана Мольтедо из музея Метрополитен в Нью-Йорке. Они близки по композиционному решению — и надменный русский аристократ, и французский преуспевающий промышленник изображены на фоне римского пейзажа. Сумрачный колорит пейзажа, чеканный рисунок, строгая красочная гамма придают этим портретным образам внутреннюю значительность — главное качество, всегда привлекавшее Энгра в изображаемых им людях.

О большом художнике
(Из статьи Сергея Герасимова)

В лице Федерико Феллини перед нами предстает не только один из наиболее талантливых и знаменитых кинематографистов современности, но, может быть, и самый сложный, противоречивый.

Обостренный интерес к человеку — вот что дорого в его творчестве, вот нравственная суть, вокруг которой организуются остальные слагаемые его причудливой поэтики, основа, помогающая разобраться в странных, иногда как бы взаимоисключающих чертах его фильмов.

Если бы мы не увидели в произведениях Феллини искреннюю и страстную боль за униженного и оскорбленного человека, если б мы в такой удивительной картине, как «Дорога», не обнаружили яростной ненависти художника к зверю, терзающему забитое жизнью существо, если бы мы не видели, наконец, страшного прозрения звероподобного героя на краю черной пропасти, которую он сам себе вырыл, мы бы прошли мимо этого глубокого и горького фильма.

Феллини не назовешь ласковым художником. В своем искусстве руководящим принципом он избрал лечение общества горькими лекарствами. В «Сладкой жизни», беспощадно обнажающей старый мир, художник создал как бы новый круг Дантова «Ада», в котором обречена маяться современная «светская чернь».

У Феллини всегда были сложные отношения с миром. Жадно стремясь к человечности, чистоте, красоте, он всегда проводил своих героев через искушения и испытания жизни. Низменное, жестокое, горестное постоянно сопутствовало судьбам его героев, будь то Дзампано, гориллоподобный циркач, тупо плетущийся со своим балаганом по дорогам скорби и насилия, будь то уличная девчонка Кабирия, гениально сыгранная замечательной актрисой Джульеттой Мазиной.

Феллини ни одной своей работой не пытался до конца решать вопросы жизни, но ставить их с обостренной и гневной прямотой он может и хочет. И каждый раз он делает это все с новой художественной силой...

Энгр об искусстве

Шедевры существуют не для того, чтобы ослеплять. Они призваны уговаривать, убеждать, проникать через все поры.

* * *

Искусство только тогда достигает высшей степени совершенства, когда оно до такой степени похоже на природу, что его можно принять за самую природу.

Знаете ли вы?

В глубь веков уходит обычай отмечать знаменательные события чеканкой на памятных мемориальных монетах.

Одними из древнейших мемориальных монет следует считать афинские серебряные декадрахмы. Эти монеты в Ю драхм с традиционными изображениями Афины-покровительницы и совы, символизирующей мудрость, были выпущены, как полагают, в честь победы греческого войска над персами у селения Марафон в V в. до н. э.

К мемориальным монетам древности, несомненно, относятся и те, которые отмечали «ввод в строй» значительных архитектурно-художественных и инженерно-технических сооружений римлян. Так, на монетах изображали новые стадионы, дороги и водопроводы, мосты и порты, триумфальные арки и колонны и даже столичные термы — бани.

* * *

К. ФЛАВИЦКИЙ (1830-1866). Княжна Тараканова. 1864. Холст, масло. 245 x 187,5. Третьяковская галерея. Москва.

Сентябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   1 2 3 4 5 6 7

* * *

* * *

Свобода и прогресс — вот цель искусства, так же как и всей жизни.

Замечательная картина

Константин Дмитриевич Флавицкий создал немало работ. Славу принесла ему картина «Княжна Тараканова». Она экспонируется в Государственной Третьяковской галерее и неизменно привлекает внимание посетителей. Около этого полотна подолгу стоят люди, охваченные чувством сострадания к женщине, обреченной на мучительную смерть.

Впервые картина была показана на выставке 1864 г. в Академии художеств и вызвала бурю восторженных откликов в печати, многочисленные восхищенные толки зрителей. Но она вызвала и неудовольствие царя, ибо в столь страстной форме явила всему русскому обществу секрет царской династии, о котором было запрещено говорить, историю молодой самозванки, назвавшей себя дочерью Елизаветы Петровны от тайного брака с А. Г. Разумовским. Тараканова предъявила права на русский престол, была по приказу Екатерины II захвачена в Италии и насильно привезена в Петербург. Она умерла в Петропавловской крепости. Художника привлекла легенда о гибели княжны во время наводнения. В. В. Стасов, страстный защитник демократического искусства, с интересом принял картину. Он писал: «Эта картина была прямой результат тогдашней могучей, самостоятельной литературы и бодрого, смелого общественного настроения. Она — истинный монумент времени и вместе изящный памятник таланта Флавицкого». Картина, действительно, стала памятником Флавицкому. Он умер рано, в возрасте тридцати шести лет.

Вьетнамские лубки

В Социалистической Республике Вьетнам Новый год празднуют по особому календарю, существующему в стране до сих пор наряду с европейским солнечным календарем.

Это самый радостный праздник, потому что он связан с наступлением весны. По традиции, уходящей еще в средние века, в канун Нового года свои дома и ворота вьетнамцы украшают лубочными картинками — чаньтэт. Их же дарят друзьям и знакомым, желая всяческих благ.

Картинки красивы и общедоступны. Это гравюры, отпечатанные на бумаге с клише, вырезанного из дерева хурмы, или же рисунки, выполненные от руки. Печатаются лубки на специальной бумаге — волокнистой, ручного изготовления. Краски также готовятся необычно — с добавлением рисовой соломы, рисового отвара, некоторые краски получают из соков деревьев. Нередко фон картины окрашивается белой, лимонно-желтой или оранжево-красной краской с добавлением в нее толченых перламутровых раковин. Получаемый таким образом переливчатый фон придает лубкам особое очарование..

Назначение лубка как картинки с пожеланием определило круг тем и сюжетов, используемых народными мастерами. Смысл их был понятен каждому вьетнамцу: ведь символика этих благопожеланий была устоявшаяся, набор готовых изобразительных форм таил в себе глубокий смысл. Нередко на лубках можно видеть изображение улыбающегося малыша, держащего в руках петуха или гуся, — это пожелание сыновей, богатства и славы. Изображение свиньи с поросятами следует понимать как пожелание достатка в семье.

В картинках нашла отражение повседневная жизнь народа — сбор плодов кокоса, сцены сельскохозяйственного труда и состязания в традиционной борьбе.

Художественные особенности лубочной графики, ее лаконичный и емкий язык заслуженно снискали любовь вьетнамцев к этому живому виду народного искусства.

Мой первый концерт

Трудно описать, какое настроение было у нас, солдат, после ожесточенных боев осени 1941 г. прибывших на сборный пункт, где должны были формироваться новые части. Пункт расположился в здании одной московской школы. Вдруг там, в зале, я увидел рояль. Пробежался пальцами по клавишам, потом тихонько сыграл ноктюрн Шопена — получилось. Загрубевшие пальцы шофера, а когда-то студента Московской консерватории, оказывается, могли еще извлекать из инструмента звуки.

Затем был Лист, Бетховен... За спиной у себя я почувствовал слушателей. Их было много. Но они стояли тихотихо. Тогда я заиграл Революционный этюд Шопена... Вдохновения игры, подобного тому, больше я не испытывал никогда. В душе происходил какой-то перелом. И мне хотелось, чтобы мое состояние передалось всем, кто был у меня за спиной. И так случилось. Я обернулся, взглянул на лица собравшихся солдат — товарищей и совсем незнакомых мне воинов — и ощутил в них подъем, пришедшее к ним второе дыхание.

Начальник сборного пункта, который тоже заглянул на этот «концерт», вызвал меня к себе. Мы говорили о Бетховене и Шопене, о концертах в Большом зале консерватории. И войны будто не было. А потом, словно стряхнув все нахлынувшие воспоминания: «Ну, а теперь получайте назначение».

С музыкой я простился надолго...

Наш словарик

Сграффито, граффито (итал. sgraffito или graffito, буквально — выцарапанный), разновидность монументальнодекоративной живописи, принцип которой основан на процарапывании верхнего тонкого слоя штукатурки до обнажения нижнего слоя, отличающегося по цвету от верхнего.

* * *

В крупнейшей миланской картинной галерее Брера, где находятся полотна и фрески великих мастеров Возрождения — Рафаэля, Тициана, Веронезе, во время дождя протекают потолки. Государство выделило 200 миллионов лир на ремонт здания галереи. Но в последний момент деньги были переданы на содержание миланской тюрьмы «Сан Витторе».

Т. ПЯЭСУКЕ (р. 1941). Поле и люди. 1974. Холст, масло. 110 x 150. Министерство культуры Эстонской ССР. Таллин.

Сентябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   8 9 10 11 12 13 14

Город на золотых песках

Варна, один из самых значительных городов Народной Республики Болгарии, многолика: это не только центр международного туризма и крупнейший курорт черноморского побережья, но и транспортный и промышленный узел северо-востока страны. Новые жилые комплексы, общественные сооружения, среди которых выделяется Дворец культуры и спорта, современные магистрали, наконец, гордость жителей Варны — великолепный приморский парк — таков облик «жемчужины Черноморья». Сложна и богата история города. Варна — древнейшее поселение Балканского полуострова: его рождение относится ко второй половине четвертого тысячелетия до н. э. Более поздние источники рассказывают об основании здесь греческой колонии Одессос, превратившейся позже в независимый город-государство. Сооружения античного поселения были сосредоточены вокруг площади (агора). Их украшало множество мраморных скульптур. Археологические исследования рассказывают о высоком уровне строительного искусства этого периода. Во времена Римской империи в городе возводится огромное здание терм (античных бань), их площадь составила около 7 тысяч квадратных метров. Каменная летопись, раскрываемая в процессе нового городского строительства, позволяет представить своеобразие планировки города в различные периоды его истории: римской, византийской, средневековой. Сильно укрепленная и изолированная с суши, Варна всегда была открыта застройкой к морю. И сейчас море остается композиционным центром новой Варны, «центром притяжения» городской жизни.

Улыбка Жарова
(Из статьи народного артиста СССР Н. Симонова)

Он мог играть кого угодно: чудака из «Общества изучения деревни» в фильме «Дон Диего и Пелагея», лихого и мрачного Жигана в «Путевке в жизнь», тоскливо веселящегося Кудряша в «Грозе», регрессировавшего героя фильма «Три товарища», умницу матроса Алексея в спектакле «Оптимистическая трагедия», гуляку и черносотенца Дымбу в кинотрилогии о Максиме, Алексашку и в то же время Александра Даниловича Меншикова — соратника Петра Первого, героя чеховского водевиля «Медведь» в маленьком фильме-шедевре, народного любимца дьяка Гаврилу в «Богдане Хмельницком», мужественного воина Глобу в фильме по пьесе К. Симонова «Русские люди», старого партизана Русова в «Секретаре райкома», грозного Малюту Скуратова — «государево око» в «Иване Грозном», кого угодно, но улыбке Жарова всегда находилось место в любой роли. И потому с таким удовольствием, с наслаждением мы, не торопясь, перечисляем замечательные его создания в кино и на сцене театра...

Жаров — актер истинный, способный так глубоко проникать в материал роли, в характер персонажа, что не поймешь, где он, а где его герой. Я хорошо это знаю не только как зритель, но прежде всего как партнер, который легко и радостно входил в контакт с ним — Жаровым и с ним — Меншиковым.

Умеет он быть и героичным, и комедийным, даже фарсовым, и простодушным, и волевым, и глуповатым, и мудрецом, но всегда — от жизни, от правды, от острого, верного наблюдения.

Будет, я уверен в этом, еще много встреч с новыми героями Жарова.

* * *

Молодой, но весьма уверенный в себе тенор сказал как-то Карузо:

— Вчера в опере мой голос прозвучал во всех ярусах театра!

— Да, — ответил Карузо, — я видел, как публика везде уступала ему место.

Неизвестный художник

Древнее искусство

Чосон — «Страна утренней свежести» — так с большой любовью называет Корею ее народ.

Корейский народ создал изящные по форме и изысканные по цветовому решению предметы быта. Изделия корейских гончаров, ювелиров, лаковые изделия украшают коллекции прикладного искусства различных стран Азии, Европы и Америки.

В Корее возникло еще в древние времена производство лаковых изделий. Наиболее характерен для корейских мастеров черный лак, изделия из которого они инкрустируют перламутром красивых оттенков. Прекрасным образцом старых корейских лаков может служить шкаф для домашних вещей (начало XIX в.) из коллекции Музея искусства народов Востока в Москве. Вся поверхность этого большого шкафа с массой ящичков и отделений инкрустирована рисунками, составленными из разноцветных частиц перламутра.

После освобождения Кореи в 1945 г. и образования на севере страны Корейской Народно-Демократической Республики создались благоприятные условия для дальнейшего подъема и развития всех видов художественного творчества корейского народа. Современное прикладное искусство республики успешно развивается в лучших национальных художественных традициях.

H. НЕВРЕВ (1830-1904). Торг. Сцена из крепостного быта. Из недавнего прошлого. 1866. Холст, масло. 48,3 x 61,3. Третьяковская галерея. Москва.

Сентябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   15 16 17 18 19 20 21

* * *

Искусство, если оно искусство, — должно быть доступно всем, а в особенности тем, во имя которых оно делается.

Дружба

Забытые мастера

Мало знаем мы о таких русских композиторах XVIII в., как Даниил Кашин, Федор Дубянский, Василий Пашкевич, Максим Березовский и другие. Известно лишь, что многие из них получили хорошее музыкальное образование за границей, были там признаны и награждены почетными званиями.

В России эти композиторы много сделали для развития национальной музыки. И тем не менее, будучи одаренными и образованными людьми, они оставались на положении крепостных. Находясь в полной зависимости от прихотей своих хозяев, они нередко совмещали музыкальные обязанности с обязанностями кучеров, егерей, лакеев. Такое положение, унижавшее человеческое достоинство, не дававшее полностью проявиться таланту, было причиной многих трагедий и даже гибели некоторых музыкантов.

Такова, к примеру, судьба Максима Березовского. Как и великий Моцарт он блестяще участвовал в конкурсе музыкальной Академии в Болонье и получил там звание академика. Опера русского композитора «Демофонт», поставленная за границей, пользовалась большим успехом. В ней, по мнению современников, соединялись «живость и хороший вкус с музыкальным знанием». Но, вернувшись в Россию, Березовский оказался никому не нужным и не мог найти применения своему яркому таланту. Доведенный до отчаяния, он покончил с собой, — ему было 32 года.

«Торг»

Павел Михайлович Третьяков высоко ценил художника Неврева и решил собрать у себя все лучшие его работы, ' в том числе и те, что были уже проданы. Собиратель и живописец подружились.

Павел Михайлович долго не мог напасть на след картины «Торг», нашумевшей в свое время, потому что смело и гневно клеймила она помещиковкрепостников, их дикие нравы.

Художник изобразил характерную для российских крепостнических порядков сцену. Сидят два барина и торгуются. А «товар» стоит рядом: миловидная крестьянка покорно и горестно ждет решения своей участи. Владелец крепостной, покуривая трубку с длинным мундштуком, еще раздумывает, колеблется. За его спиной на стене висят картины, гравюры. На этажерке видны книги. Значит, этот помещик — «просвещенный» человек. Тем позорнее роль работорговца!

Когда картина появилась на выставке, возле нее не было равнодушных. «Торг» был написан в 1866 г., всего через пять лет после отмены крепостного права. Критик В. В. Стасов сказал: «Посмотришь единую секунду на эту картину, и русская история теснится тебе в душу; долгие столетия и бесчисленные поколения, замученные, не отомщенные и поруганные проносятся перед воображением...» Царское правительство не разрешило отправить картину на Международную художественную выставку в Вену. Крепостники боялись суда передовых людей, страшились возмущения публики. И вот такое острое обличительное и демократичное произведение исчезло.

Третьяков не отступился. Наконец Павел Михайлович узнал, что владелец картины — богатый московский помещик. Третьяков поехал к нему. Хозяин показал знаменитому собирателю свою коллекцию картин. Но «Торга» среди них не было. Третьяков как бы между прочим спросил:

— Я слышал, у вас имеется одна картина Неврева? Хотелось бы посмотреть...

Нехотя помещик приказал слуге принести картину. Ждать пришлось долго. Наконец в гостиную внесли холст: запыленный, покрытый паутиной, прорванный в нескольких местах. Это был «Торг». Оказалось, что помещик велел забросить картину на чердак.

Третьякова душил гнев, но, стараясь быть спокойным, он спросил:

— Я вижу, вам не нужна вещь. Не продадите ли ее мне?

— Только из уважения к вам, — ответил помещик. — А вообще это вредное произведение следовало бы уничтожить...

* * *

Я узнал, наконец, куда я зашел. Этот луг славится в наших околотках под названием Бежина луга... Но вернуться домой не было никакой возможности, особенно в ночную пору; ноги подкашивались подо мной от усталости. Я решился подойти к огонькам...

Я ошибся, приняв людей, сидевших вокруг тех огней, за гуртовщиков. Это просто были крестьянские ребятишки из соседней деревни, которые стерегли табун...

Я сказал мальчикам, что заблудился, и подсел к ним. Они спросили меня, откуда я, помолчали, посторонились. Мы немного поговорили. Я прилег под обглоданный кустик и стал глядеть кругом. Картина была чудесная: около огней дрожало и как будто замирало, упираясь в темноту, круглое красноватое отражение; пламя, вспыхивая, изредка забрасывало за черту того круга быстрые отблески; тонкий язык света лизнет голые сучья лозняка и разом исчезнет; острые, длинные тени, врываясь на мгновенье, в свою очередь добегали до самых огоньков: мрак боролся со светом. Иногда, когда пламя горело слабее и кружок света суживался, из надвинувшейся тьмы внезапно выставлялась лошадиная голова, гнедая, с извилистой проточиной, или вся белая, внимательно и тупо смотрела на нас, проворно жуя длинную траву, и, снова опускаясь, тотчас скрывалась. Темное, чистое небо торжественно и необъятно высоко стояло над нами со всем своим таинственным великолепием. Сладко стеснялась грудь, вдыхая тот особенный, томительный и свежий запах — запах русской летней ночи. Кругом не слышалось почти никакого шума... Лишь изредка в близкой реке с внезапной звучностью плеснет большая рыба и прибрежный тростник слабо зашумит, едва поколебленный набежавшей волной... Одни огоньки тихонько потрескивали.

А. КУПРИН (1880-1960). Осенний букет. 1924. Холст, масло. 94 x 79. Третьяковская галерея. Москва.

Сентябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   22 23 24 25 26 27 28

Подарок

Переход от лета к осени плавный, почти незаметный. А вот этот переход — от осени к зиме — и скор, и крут, и резок. Зима (не раз уже такое случалось) может заявиться в одночасье.

Заполдень. Я иду из школы. Еще на подходе к горе Катаихе полоснул меня дождь со снегом. Потом снег отстал, а когда спустился узким еловым коридором к ручью Кичёмке, и дождь оборвался внезапно.

Я думал, вот и хорошо, что и снег и дождь отстали от меня, и совсем не думал о подарке, который поджидал меня всего в каких-то двухстах метрах от Кичёмки.

Через все небесные завалы пробилось солнце и сразу обновило день. Но пока я выходил из леска на проселочную дорогу, скрылось солнце. Даже как-то еще неуютней стало, чем было до солнца.

Слева от дороги развороченное картофельное поле с кучками почти черной ботвы и справа — то же самое. Лишь по межнику зеленела трава, взлохмаченная, устало полегшая.

И вдруг за одинокой искривленной в стволе березой я увидел' на меже синюю-синюю бабочку, она слегка раскачивалась на стебельке. Ближе, ближе — василек. Василек! В полном расцвете. Лепестки у него были мокры или от растаявшего снега, или от дождя, а скорее всего, от дождя и снега. Но какая дерзкая голубизна исходила от него! И какой же он был отчаянный, этот василек, может, один-единственный на все это поле!

Теперь я приглядывался к межнику и скоро получил еще один подарок — три цветущие полевые ромашки остановили меня. Середочки — глазки желтые, лепестки белее снега, все-все, как полагается. Только июля не было. И жаворонки не пели им... У ромашек был сосед — запутался в траве крохотный желтый цыпленок — одуванчик.

Вот так подарок! И я подумал, что ни одна рука не потянется к этим поздним цветам. Их нужно было любить только здесь.

«Прометей»

Весной 1911 г. в симфоническом концерте впервые прозвучал «Прометей» — («Поэма огня») А. Н. Скрябина, одно из своеобразнейших программных сочинений для оркестра. Музыка произвела на слушателей ошеломляющее впечатление новизной и остротой гармонии, психологической напряженностью, необычностью тембровых сочетаний и сопоставлений.

Наряду с грандиозным составом оркестра Скрябин использовал в «Прометее» фортепиано (солирующий пианист) к хор, поющий без слов. Для усиления эстетического воздействия он ввел в партитуру специальную строчку — «световой клавир». По его замыслу исполнение музыки должно было сопровождаться красочной игрой света. Художник-новатор, обладавший беспредельно смелой фантазией, Скрябин мечтал о синтезе искусств, о слиянии музыки с «симфониями» цвета и света, с движущейся архитектурой, о музыке, завершающейся в слове, в пластике жеста.

На создание «Поэмы огня» композитора вдохновил прекрасный и гордый древнегреческий миф о Прометее. Титан похитил с неба огонь и подарил его людям, выведя их из мрака зависимости и незнания, обучил людей искусствам и ремеслам. Но за свою доброту он жестоко поплатился: разгневанный Зевс приказал приковать Прометея к скале, к которой каждое утро прилетал огромный орел и терзал героябогоборца.

Скрябин воплотил образ Прометея в музыке лучезарной и страстной, зовущей к борьбе за высокие гуманистические идеалы.

Первый снег

Портрет крестьянского вождя

В запасниках Владимиро-Суздальского музея-заповедника хранится любопытный портрет. Долгие годы он находился в самом людном заведении старого Суздаля — в трактире, затем попал в музей. Только при большом воображении можно было различить на закопченном до черноты картоне черты человеческого лица. На эту странную картину обратил внимание известный владимирский краевед А. Варганов. Он тщательно промыл портрет и обнаружил под слоем копоти изображение человека с выразительными глазами. Его лицо и поза напоминали иконописный шаблон, по которому рисовались святые мученики. На человеке был необыкновенного вида головной убор. Его украшали витиеватые узоры, вытянутые в одну линию. При внимательном рассмотрении они оказались буквами — славянской вязью, и краевед прочитал: «Емельян Пугачев».

Попрощаться с теплым летом...

И. РЕПИН (1844-1930). Белорус (Портрет крестьянина С. Шаврова). 1892. Холст, масло. 102 x 71. Русский музей. Ленинград.

Сентябрь Октябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   29 30 1 2 3 4 5

Мастера искусств о Репине

...Репин — реалист, как Гоголь, и столько же как он глубоко национален. Со смелостью, у нас беспримерной, он... окунулся с головою во всю глубину народной жизни, народных интересов, народной щемящей действительности.

...Репин был не просто выдающимся художником, а художником-гражданином... Он принадлежал к подлинным светочам человечества, имеющим право сказать о себе вместе с Пушкиным:

И долго буду тем любезен я народу,
Что чувства добрые я лирой пробуждал...

Горение души

«Некоторые пишущие о художниках называли меня казаком — много чести. Я родился военным поселянином украинского военного поселения. Это звание очень презренное», — писал о себе И. Е. Репин.

Много было в старой России «презренных званий». Мальчиком видел Репин, «как человеческое мясо, отскакивая от шпицрутенов, падало на землю», как обливалась солдатской кровью «изящная, чистая, с золотым кольцом рука начальства». А юношей увидел Репин в Петербурге, как везли на казнь человека, решившегося за все страдания народные поднять руку на самого царя. Это был измученный пытками Каракозов. «Только крепко сжатые тонкие губы говорили об остатке застывшей энергии»...

«Жизнь, жизнь ловить!..» — так с юношеских лет определил свой долг художника Репин. И пишет бывший военный поселянин Илья Репин «темное, сальное какое-то, коричневое пятно» — впряженных в барку вместо скота бурлаков. Бурлака Канина ставит он во главе этой человечьей упряжки. И вот уже более ста лет тянет Канин свою барку, рассказывая о страшной доле русского труженика, пробуждая в людских сердцах гнев, протест и восхищение своей богатырской силой...

Всю жизнь Репин жадно вглядывается в лица тех, кто борется против царизма — «власти без разума».

«Сходка». Рыжеволосый человек в красной, полыхающей, словно огнем, рубахе говорит товарищам пламенные слова, соединяющие их воедино, как клятва.

«Арест пропагандиста». Дюжие руки держат человека, дерзнувшего вынести эти же пламенные слова из узкого круга народников-революционеров действительно в народ.

«Под конвоем». Увязая колесами в грязи, бесконечно медленно тащится по дороге телега. Двое жандармов с шашками наголо сопровождают арестованного революционера.

«Отказ от исповеди перед казнью». В темную, холодную камеру пришел поп. Он стоит, громадный и неподвижный. А навстречу ему поднято гордое, умное лицо бесстрашного человека, находящего высшую поддержку в силе освободительных идей даже перед лицом самой смерти.

Арестованных и приговоренных к казни отважно писал Илья Ефимович Репин — первый художник, решившийся в картине «Иван Грозный и сын его Иван» изобразить царяубийцу с руками, омытыми в крови, с полубезумным лицом, тоже запятнанным кровью.

А в 80-х гг. Репин написал картину, которая словно вырвалась за рамки искусства и привлекла к себе внимание и любовь тех, кто до сих пор искусством не интересовался. Она изображает возвратившегося из ссылки революционера. «Не ждали» — назвал свой холст Репин. А картину как раз ждали. Она необходима была всем смелым и думающим. О революционном подвиге, в единственно возможной в условиях цензуры форме, рассказывает это полотно.

Да, картина точно выразила мысль художника. Она не только вобрала в себя горение его души, но и передала этот огонь другим. Это высокое горение души художника ощущала вся Россия.

Репинская керамика

Находясь в качестве стипендиата Академии художеств в Париже, Репин с конца 1875 г. стал посещать керамическую мастерскую художника Е. А. Егорова. Илья Ефимович расписал несколько блюд и тарелок. Тема его росписи — «русские и исторические народные типы».

В своих письмах Репин упоминает лишь о трех работах: о блюде «Иванушка-дурачок», о тарелке с изображением чухонца и о самом удачном, по его словам, блюде, «которое у него взяли, да денег не отдали».

В Нижнетагильском музее изобразительных искусств хранится одно из блюд работы И. Е. Репина. В центре его — молодая женщина восточного типа. По краю блюда — растительная орнаментальная кайма, переходящая в верхней части в арабскую вязь.

Еще одна керамическая работа И. Е. Репина хранится в фондах Государственного Русского музея в Ленинграде. Это фаянсовая тарелка с изображением крестьянина в треухе. Яркое пятно малинового шарфа, задорно вздернутый наушник треуха, поднятый воротник бараньего тулупа и улыбающееся лицо крестьянина создают ощущение морозного дня. В левом нижнем углу тарелки подпись художника, дата — 1876 и три буквы Р. К. М., значение которых не установлено. Возможно, это и есть тарелка с головой чухонца.

Особый успех выпал на долю блюда, на котором художнику «...пришло в голову сделать дурачка Иванушку». Выполнил он этот маленький шедевр всего за два часа, работая вечером при лампе. «Иванушка-дурачок» пришелся по душе В. В. Стасову. Он долго уговаривал художника продать ему блюдо, но безрезультатно. Высоко оценил эту работу и М. Горький: в 1917 г. он поместил цветную ее репродукцию в литературном сборнике для детей «Елка». Где теперь находится эта работа, к сожалению, неизвестно.

О. САВОСТЮК (р. 1927), Б. УСПЕНСКИЙ (р. 1927). Город коммунизма. Из серии плакатов «Москва — сердце Родины». 1977. Бумага, темпера. 165 x 130,

Октябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   6 7 8 9 10 11 12

В соответствии с коммунистическим идеалом «Свободное развитие каждого есть условие свободного развития всех» государство ставит своей целью расширение реальных возможностей для применения гражданами своих творческих сил, способностей и дарований, для всестороннего развития личности.

Я счастлив
(Отрывок)

«Советский Таджикистан»

Среди интересных работ таджикских монументалистов выделяется фреска молодых художников С. Курбанова и М. Нурматова «Советский Таджикистан» в зале Дома политпросвещения (архитектор Э. Ерзовский) в Душанбе. Эта работа, созданная к юбилейной дате — 50-летию образования республики и Компартии Таджикистана, привлекает значительностью идейно-художественного содержания, зрелостью и своеобразием исполнения. Идея росписи — достижения Советской власти в республике за 50 лет.

Фреска делится на три части. Ее центральную наиболее выразительную часть занимает композиция из трех крупных фигур. В центре — символическая фигура женщины, которая устремляется вперед, как бы увлекая за собой рабочего и колхозника. В левой й правой частях росписи авторы намечают основные этапы становления и развития Советской власти в Таджикистане. С одной стороны — изображения, повествующие о первых шагах Советской власти: сжигание паранджи, борьба с басмачами, школа ликбеза, первый трактор. С другой — ряд сцен, более близких нашим дням, характеризующих гигантский рост экономики в республике. Здесь сюжеты, рисующие подписание договора о социалистическом соревновании, сменяются рассказом о добыче полезных ископаемых в горах Таджикистана, о новостройках химической промышленности, работе хлопкоуборочного комбайна, строительстве Нурекской плотины.

Песня дутара

В памяти народной эта легенда сохранилась так: в минуту затишья перед боем один седовласый воин снял с тетивы лука шнур, натянул его между ветвей пустотелого дерева и тронул пальцем тугую толстую струну. В мир вошла музыка...

Минуло время. И прошло его столько, сколько раз могучая Амударья меняла свое русло, пока искусные руки умельца придали части дерева грушевидную форму, приладили гриф. Запел дутар с тех пор многочисленными ладами да двумя струнами...

Нет равнодушных, когда играют на дутаре. Дрогнут струны, и не понять, то ли метель песчаная летит в кромешном мраке, то ли вскачь поток несется с гор. Не было у туркмен более популярного инструмента, чем дутар. Известна прелесть музыки: один раз услышишь, и покорит она на всю жизнь... Так и случилось. В мозолистых руках крестьянина Веллека Губалыева лет сорок назад впервые появился дутар. Самодельный. С каждым годом оттачивалось мастерство умельца. А как ушел он на пенсию, то всецело отдался любимому занятию. Делает дутары Губалыев сам и музыку сочиняет сам.

— Хорошая мелодия, — говорит мастер, — сама запомнится, в душе останется. Это все равно, что имя свое помнить. Люби музыку — тогда никакая болезнь не пристанет, старость мимо пройдет...

Четвертая ступень

Для людей моего поколения новая Советская Конституция — четвертая по счету. Четыре исторические ступени развития страны — этапы и моей биографии.

Первая наша Конституция была принята в 1918-м. С этим годом совпал крутой поворот в моей судьбе. До этого я учился в гимназии, но начавшаяся гражданская война прервала занятия. В 1918 году, хотя мне исполнилось всего тринадцать лет, пришлось идти работать.

Был продработником. Гонялся за бандами, терроризировавшими Дон до 1922 года, а банды гонялись за нами. Все шло как положено. Приходилось бывать в разных переплетах. И, может, не всегда мы об этом задумывались, но выходит, что тогда и мы отстаивали главное право нашей изумительно юной страны — право на жизнь.

Факт моей биографии и гарантированное право на труд. Я хорошо помню, как в двадцатых годах выстаивал в очередях безработных на бирже труда в Москве, на Малой Бронной. Мне везло на работу: направляли грузчиком, чернорабочим, каменщиком и даже делопроизводителем в домоуправление... Шли годы. И в конце двадцатых я с восторгом читал в газетах о последних безработных в стране, о закрытии навсегда бирж труда.

Как-то мне попалась книжка американского публициста Роберта Уилтона «Агония России». Помнится, она вышла в 1919 году. Автор рубил сплеча: с экономической точки зрения, примерно так писал он, продолжение существования советского режима невозможно, с политической точки зрения — это абсурд. Я припомнил эти слова, когда читал проект новой Конституции СССР. История опровергла американского пророка. Новая Конституция закрепляет такие достижения, которые не сразу охватывает и писательское воображение. Но ведь дело не только в этом. Дело в перспективе. И она в Конституции сформулирована просто и жизненно — построение бесклассового коммунистического общества.

Наши четыре Конституции произрастают из одного зерна — стремления к человеческой справедливости и миру. Во имя этого было употреблено более шестидесяти лет многотрудного, мозольного, а в военные годы и кровавого пути в социализм. В этом — практический опыт, гуманизм, пафос и обаяние Октябрьской революции.

ВИЛЛИ НОИБЕРТ (р. 1920). Сталевар. 1968. Холст, масло. 145 x 125. Государственный совет. Берлин. Германская Демократическая Республика.

Октябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   13 14 15 16 17 18 19

Певец-трибун

Он ровесник века, и биография его — живая история борьбы немецкого рабочего класса, передового немецкого искусства против фашизма и реакции. Сочетающий в себе талант публициста, поэта, певца и драматического актера, Эрнст Буш стал олицетворением несгибаемой воли и творческого духа своего народа.

Дебют Буша как певца состоялся в 1907 г., когда семилетний сын потомственного пролетария на маевке социал-демократической партии в Киле пропел строфу «Интернационала». В семнадцать лет Буш становится во главе заводского комитета Социалистической рабочей молодежи.

Личность Буша формируется в обстановке революционного подъема после первой мировой войны. Он поет на митингах, демонстрациях, собраниях рабочих. Песни, созданные композиторами Хансом Эйслером и Паулем Дессау на слова поэтов Бертольта Брехта и Эриха Вайнерта, превратились в боевое оружие трудящихся. Хлесткие слова песен, энергичный ритм, страстность исполнителя захватывали самую массовую аудиторию. Благодаря исполнению Буша «Песня единого фронта» (слова Б. Брехта, музыка X. Эйслера) стала своеобразным антифашистским гимном. Ее пели стачечники Рура, демонстранты Берлина, бойцы интернациональных бригад в Испании, узники гитлеровских концлагерей. Человек разнообразных дарований, Эрнст Буш выступал и на драматической сцене, снимался в кино.

С 1937 г. Буш — боец Интернациональной бригады, вдохновлявший песней борцов за народную Испанию.

Однако в 1939 г. Буш попал в руки гестапо; он оказался в фашистском застенке. Освобожденный в 1945 г. Советской Армией, Э. Буш возвратился в Берлин и горячо взялся за работу. Его голос звучал по берлинскому радио; он давал концерты, создавал новые песни, играл на драматической сцене. В 1957 г. во время гастролей театра «Берлинер ансамбль» в Москве и Ленинграде советские зрители увидели неповторимые образы, созданные Эрнстом Бушем в пьесах Брехта «Жизнь Галилея», «Мамаша Кураж и ее дети», «Кавказский меловой круг». Могучий и оригинальный художник, Эрнст Буш отдал весь свой талант строительству культуры новой Германии, идеям братства и солидарности народов, его заслуги отмечены международной Ленинской премией «За укрепление мира между народами».

Художник кинематографа

В 1923 г., оставив службу в армии, боец отряда венгров-интернационалистов — большевик Евгений Еней приходит на киностудию «Севзапкино» в Петрограде, и с той поры до последних дней жизни самое молодое и самое массовое искусство стало неотъемлемой частью его биографии. Евгений Еней видел задачу художника кино не только в том, чтобы подготовить эскизы декораций или выбрать натуру для съемок будущего фильма, но и в том, чтобы вместе с режиссером и оператором воссоздать конкретную картину жизни.

Лучшие свои работы Евгений Евгеньевич создал в творческом союзе с режиссерами Григорием Козинцевым и Леонидом Траубергом. В фильме «Шинель» (1926) ему удалось при помощи мелких, будто случайно попавших в кадр деталей — фонарей, вывесок, шлагбаумов — передать атмосферу Петербурга Гоголя и Достоевского. В «Новом Вавилоне» (1929), посвященном героям Парижской коммуны, броскость, гротескность декораций позволяют создать зрительный образ двух Парижей — пролетарского города, где царствуют чувства сильные, простые, и Парижа нуворишей и палачей. Мало кто из зрителей догадывался, что основные съемки проходили на улицах Одессы.

Огромный вклад внес Еней как художник в создание выдающихся историко-революционных картин «Юность Максима» и «Возвращение Максима». В эскизах к этим шедеврам советского кино он передал и ужасающую нищету окраин капиталистического города, и показную мишуру вывесок и реклам буржуазных кварталов.

Он принимал активное участие в постановке получивших мировое признание фильмов Г. Козинцева «Дон Кихот» (1957) и «Гамлет» (1964). В этих картинах художник нашел такое живописно-графическое оформление, которое отвечало стилю великих произведений литературы, положенных в их основу. Один только пример. «Дон Кихот» снимался в Крыму. Наверное, художнику приятно было читать в одной из зарубежных статей, что авторы, видимо, снимали картину в Испании...

* * *

Яворовская резьба

Пожалуй, ни один район Львовской области не может сравниться по богатству и, если можно так выразиться, комплексности народного творчества с Яворовщиной. Здесь есть все: песни, танцы, костюмы, вышивка, керамика, роспись по дереву, ткачество, детская игрушка, лозоплетение... Недаром Алексей Толстой в своем раннем очерке «По Галиции» уделил много внимания промыслам Яворовщины.

Возникновение яворовской резьбы — интересный пример эволюции местной художественной традиции в наши дни. Создатель этой резьбы Иосиф Станько взял за основу растительную орнаментику яворовской росписи по дереву. Поверхность, предназначенная для работы, полируется и тонируется в глубокий черный, зеленый, темно-вишневый цвет, на фоне которого четко выделяется рисунок резьбы. Сама резьба плоская, неглубокая, что определяет ее тонкий ажурный характер. Мастера создают оригинальные композиции, украшающие настоящим резным кружевом шкатулки, блюда, адресные папки и другие изделия. Сейчас яворовская резьба — один из предметов, преподаваемых в Ивано-Франковском промышленно-техническом училище, расположенном в Яворовском районе.

Наш словарик

Полифония (от греч. poly — много и phone — звук, голос; буквально — многоголосие) — многоголосие, объединяющее в одновременном звучании несколько мелодий; каждая из этих мелодий имеет самостоятельное выразительное значение.

И. ЛЕВИТАН (1860-1900). Сумерки. Луна. 1899. Холст, масло. 49,5 x 61,3. Русский музей. Ленинград.

Октябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   20 21 22 23 24 25 26

Молодой Чехов
(По воспоминаниям В. Г. Короленко)

Передо мною был молодой и еще более моложавый на вид человек, несколько выше среднего роста, с продолговатым, правильным и чистым лицом, не утратившим еще характерных юношеских очертаний. В этом лице было что-то своеобразное, что я не мог определить сразу и что впоследствии, по-моему, очень метко определила моя жена, тоже познакомившаяся с Чеховым. По ее мнению, в лице Чехова, несмотря на его несомненную интеллигентность, была какая-то складка, напоминавшая простодушного деревенского парня. И это было особенно привлекательно. Даже глаза Чехова... лучистые и глубокие, светились одновременно мыслью и какой-то, почти детской, непосредственностью. Простота всех движений, приемов и речи была господствующей чертой во всей его фигуре, как и в его писаниях. Вообще в это первое свидание Чехов произвел на меня впечатление человека, глубоко жизнерадостного. Казалось, из глаз его струится неисчерпаемый источник остроумия и непосредственного веселья, которым были переполнены его рассказы. И вместе угадывалось что-то более глубокое, чему еще предстоит развернуться... Мне Чехов казался молодым дубком, пускающим ростки в разные стороны, еще коряво и порой как-то бесформенно, но в котором уже угадывается крепость и цельная красота будущего могучего роста.

* * *

Все мы народ, и все то лучшее, что мы делаем, есть дело народное.

Мелихово

В Мелихове жил Чехов. И сегодня дом писателя, сад с громадными тополями, посаженными еще самим Антоном Павловичем, пруд, флигель, луг, тенистые аллеи — все напоминает об этом. «Благодаря озеру и саду в лунные ночи и закатные вечера Мелихово было очень красиво и волновало фантазию. Здесь Чехов писал «Чайку», и много подробностей «Чайки» навеяно обстановкой Мелихова», — писал Немирович-Данченко.

В Мелихове Чехов написал более 40 самых значительных произведений, в том числе «Палату № 6», «Дом с мезонином», «Человека в футляре», «Чайку», «Дядю Ваню», «Крыжовник»...

Мелиховский музей, один из самых известных в Подмосковье, начинается с памятника А. П. Чехову. Он был воздвигнут в 1951 г., в год открытия музея. Перед домом — пионы. Их много — белые, розовые... Чеховы любили пионы. И когда врачи посоветовали Антону Павловичу перебраться в Ялту, Антон Павлович увез семена мелиховских пионов с собой.

Директор мелиховского музея — заслуженный работник культуры РСФСР Ю. К. Авдеев. Это его руками, его усилиями создан музей. Около 30 лет назад вместе со своими коллегами Юрий Константинович начал поиск экспонатов. Исходил рее окрестные села, выспрашивал крестьян, собирал документы. Постепенно в будущем музее появились вещи Антона Павловича, его автографы, фотографии. Они заполнили комнаты: кабинет, гостиную, спальню...

В гостиной стоит рояль. Здесь вечерами пела Лика Мизинова и играл на скрипке писатель Потапенко. В левом крыле дома, в угловой комнате, жила Мария Павловна...

А писал Антон Павлович не здесь. Он предпочитал уединяться в специально выстроенном флигеле. Здесь и сейчас все так, как при Чехове...

«...Ты поразил меня, как пейзажист»

...Особенно близок Антону Павловичу был Левитан. Товарищ Николая (брата А. П. Чехова, — Ред.) по училищу живописи, он сразу как-то вошел в семью Чеховых и стал в ней своим человеком, большим другом. Ближе всего он сошелся с Чеховым по окончании училища, когда Чеховы проводили лето в имении Бабкино, недалеко от Москвы. Левитан поселился вначале в полутора верстах, в деревушке Максимовке, но скоро затем перебрался в Бабкино к Чеховым.

Бабкино упрочило дружеские отношения между писателем и художником; они продолжались и в дальнейшем. Взаимно уважая и ценя друг друга, Левитан и Чехов неоднократно встречались затем в городе и деревне, ранней весной ходили на тягу, предавались любимой рыбной ловле.

Неравнодушные к природе, оба они предпочитали «скромные, но зато задушевные тона нашего севера», тонко чувствовали его прелесть и мастерски его изображали.

Левитан высоко ценил «гениального Чехова», внимательно следил за развитием его таланта, по нескольку раз перечитывал его рассказы, видя в них не только взыскательного художника, но и тонкого мастера в изображении северного русского пейзажа.

Он писал: «...я внимательно прочел еще раз твои «Пестрые рассказы» и «В сумерках», и ты поразил меня, как пейзажист. Я не говорю о массе очень интересных мыслей, но пейзаж в них это — верх совершенства, например, в рассказе «Счастье» картины степи, курганов, овец поразительны...» Высокохудожественные минуты переживал Левитан и от чтения драматических произведений Чехова. «Хорошо, очень хорошо», — отзывался он, посмотрев в театре чеховскую «Чайку». Чехов в свою очередь очень любил Левитана, ценил его как лучшего русского пейзажиста и, восхищаясь его картинами на выставках, называл Левитана «королем» по сравнению с французскими пейзажистами; в Левитане видел он «огромный самобытный и оригинальный талант», проникнутый человечностью, не чуждый общественным проблемам.

Б. ИОГАНСОН (1893-1973). Рабфак идет (Вузовцы). 1928. Холст, масло. 132 х 109. Музей русского искусства. Киев.

Октябрь Ноябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   27 28 29 30 31 1 2

* * *

Миллионы юношей и девушек показывают образцы мужества, стойкости, верности идеалам Октября. С большим энтузиазмом они работают всюду, где проходит фронт коммунистического строительства, активно борются за выполнение напряженных планов развития страны. Во всякое дело они вносят свой особый романтический порыв и, я бы сказал, молодую окрыленность. За все это спасибо комсомолу, спасибо всем молодым людям Советской страны!

По слову Ленина

Полный вперед, «Северянка»!

Известная и в Архангельской области, и за ее пределами «Северянка» — агиттеатр города Северодвинска. Обслуживает он рабочих, строителей, тружеников сельского хозяйства, моряков. Зрители привыкли к команде «Северянки» — тут и строгий капитан, и бывалый боцман, матросы Ботиков и Клотиков и, конечно, юнга Тюлькин.

Около ста разных программ показала «Северянка» более чем за 20 лет существования. Всегда находилось в них место и критике, и похвале, всегда содержали они отклик на важнейшие события, внутренние и международные. Видно, это и есть секрет успеха «Северянки». Ее девиз: «Злоба дня и гуща жизни».

Алый стяг Охлопкова

Знамя — гигантское алое полотнище — в разных эпизодах спектакля меняло свои очертания: то оно было приспущено, как огромный парус, то натягивалось, двигалось, как бы жило, то траурно сникало в сцене казни молодогвардейцев, то взлетало в финале легким шелком, победно развевающимся на ветру во весь «горизонт» сцены. И колорит его менялся: стяг прозрачно алел, освещался мрачным заревом, был трагически траурным или празднично пламенел, как в эпизоде «Седьмое ноября»... Алое знамя, символ Родины, которая не покидает своих сыновей в самые страшные мгновения, символ самого главного в нашей жизни, — таков был образ спектакля «Молодая гвардия», поставленного Николаем Охлопковым в 1947 г.

Подвиг молодогвардейцев, описанный в романе А. Фадеева, становился в спектакле Охлопкова обобщением подвига всего народа в Великой Отечественной войне. Союзниками режиссера выступали исполнители главных ролей — Е. Самойлов, Т. Карпова, Б. Толмазов, А. Ханов: живые характеры героев были слиты с главенствующим в спектакле образом алого знамени. В финале спектакля зримо воплощалась идея бессмертия героев: погибшие, они поднимались, касаясь знамени, и застывали живым памятником.

В «Молодой гвардии» Охлопков как режиссер проявился с максимальной силой: спектакль заставлял вспомнить его постановки 30-х годов в Реалистическом театре — «Мать» по Горькому, «Железный поток» по Серафимовичу, «Аристократов» Н. Погодина — с их могучим ощущением народной стихии, тягой к театру монументальному, публицистическому, героико-романтическому.

От «Молодой гвардии» явственно протягиваются нити к последним крупным работам режиссера в Московском театре имени Вл. Маяковского — «Гамлету», «Грозе», «Иркутской истории», «Океану», «Медее».

Охлопков всю жизнь мечтал о театре максимально активного идейного и эстетического воздействия, мечтал о театре, в котором зрителю не было бы покойно — он должен был волноваться, страдать, сопереживать героям. Мечтал — и создавал такой театр, пройдя долгий и трудный путь исканий. Спектакль «Молодая гвардия» был его лучшим и вдохновенным завоеванием на этом пути.

Добрая традиция

Есть в Восточной Грузии маленький городок Кварели. Это родина выдающегося режиссера, основоположника грузинского советского театра Константина (Котэ) Александровича Марджанишвили. Здесь находится дом-музей его имени, и сохранился в этом доме старый марани — винный погреб, а в нем — небольшая сцена. В 80-х годах прошлого века гимназист Котэ ставил здесь свои первые спектакли. Благодарные потомки сохранили это место как напоминание о начале пути в большое искусство будущего режиссера.

Каждый раз с наступлением нового учебного года приезжают в Кварели профессора, преподаватели и студенты Грузинского государственного театрального института имени Шота Руставели, чтобы совершить здесь торжественный ритуал посвящения первокурсников в студенты. Это стало традицией.

В один из солнечных дней собирается здесь много народа. Со сцены обращается к первокурсникам со словами приветствия, с добрым напутствием в долгий и трудный путь ректор института. Тепло поздравляют первокурсников профессора, студенты старших курсов, почетные гости, лучшие люди Тбилисского станкостроительного завода имени С. М. Кирова: не первый год узы дружбы связывают кировцев с коллективом театрального вуза.

Студенты-отличники старших курсов вносят на сцену знамя. Звучит запись торжественной музыки из знаменитого спектакля по пьесе Лопе де Вега «Овечий источник» («Фуэнте овехуна»), поставленного К. А. Марджанишвили. Этот спектакль сыграл большую роль в истории рождавшегося советского театра.

Затем начинается ритуал принятия клятвы верности избранной профессии. Один из профессоров зачитывает текст клятвы. «Клянемся, клянемся, клянемся!» — торжественно и строго повторяют за ним студенты. Хорошая, добрая традиция утвердилась в Грузинском театральном...

В. СЕРОВ (1910-1968). В. И. Ленин провозглашает Советскую власть. 1962. Холст, масло. 320 x 247. Третьяковская галерея. Москва.

Ноябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   3 4 5 6 7 8 9

Красивое нужно сохранить, взять его как образец, исходить из него, даже если оно «старое». Почему нам нужно отворачиваться от истиннопрекрасного, отказываться от него, как от исходного пункта для дальнейшего развития, только на том основании, что оно «старо»!

Художник-коммунист

Зимний... Роскошная Иорданская лестница пустынна. Перед нами двое: красногвардеец-рабочий в кожанке и бородатый солдат-крестьянин. В крепких, натруженных руках винтовки. Патруль. Только что отгремел бой, и наконец в минутную передышку можно перекурить.

«Зимний взят». Кто не знает это замечательное полотно Владимира Александровича Серова, создавшего великолепный цикл картин, посвященных Великой Октябрьской революции, народу-победителю и его гениальному вождю Ленину!

В. А. Серов уже в первой своей крупной работе «Сибирские партизаны» предстал как превосходный художник-реалист и с той поры неуклонно, из года в год, добивался все большей простоты и пластического совершенства.

«Меня всегда тянуло на картины из народной жизни, на темы народные», — часто говорил художник. И не только говорил. Серов всем своим огромным темпераментом бойца-коммуниста, всем своим творчеством дал замечательный пример служения партии, народу, великой Стране Советов.

«В. И. Ленин провозглашает Советскую власть», «Ходоки у В. И. Ленина», «Декрет о земле», «Декрет о мире», «Ждут сигнала (Перед штурмом)» — эти и многие другие полотна заслужили поистине всенародное признание.

Вершины творчества
(Из книги М. Туровской, В. Медведева «М. М. Штраух»)

Впервые к проблеме создания средствами театра и киноискусства образа Ленина советские художники подошли в 1937 г. — в год 20-летия Октябрьской революции. Появились первые пьесы о Ленине: «Человек с ружьем» Н. Погодина, «Правда»

А. Корнейчука, киносценарий «Ленин в Октябре». Над воплощением образа Ленина начали работать выдающиеся мастера советского театра М. Штраух и Б. Щукин.

Художественный руководитель Театра Революции Н. Петров в 1937 г. предложил Максиму Максимовичу Штрауху начать работу над образом Ленина в пьесе А. Корнейчука «Правда».

«Потрясенный величием образа Ленина, я был в растерянности, — вспоминал Штраух, — и не знал, что делать, с чего начать, как «прикоснуться» к нему... Но эпоха воспитывает нас быть смелыми, учит дерзать». И Штраух приступает к работе. «Я искал живых свидетелей, мучил их расспросами, — рассказывал он, — подолгу бродил по чудесным залам Ленинского музея, смотрел кинохронику кадр за кадром, ловил по пластинкам интонации Ленина, тембр его голоса, изучал его образ в живописи, скульптуре, поэзии».

«Меня поразили записки Ленина, написанные им в острые, напряженные политические моменты, — писал Штраух, — например текст письма членам ЦК 6 ноября 1917 года о начале восстания. Какая динамика в построении фраз, в их ритме, в расстановке знаков препинания. Они дают мне даже зрительные ощущения колоссальной динамической устремленности...»

Вскоре Штрауха приглашают сниматься в роли Ленина в кинофильме «Человек с ружьем» (сценарий Н. Погодина). Режиссер картины С. Юткевич записывает в своем дневнике в марте 1938 г.: «Еще в ноябре видел Штрауха в «Правде»... очень хорошо». Снова наступила для актера пора исканий. Центральным эпизодом фильма была сцена встречи и беседы Ленина с героем картины — фронтовиком Иваном Шадриным. Штрауху удалось в этой сцене схватить суть и характер ленинских «расспросов».

За «Человеком с ружьем» Штраух снимался в «Рассказах о Ленине», удостоенных Ленинской премии, в фильме «Ленин в Польше».

Н. КАСАТКИН (1859-1930). Раненый рабочий. 1892. Холст, масло. 182,5 x 122,5. Туркменский музей изобразительных искусств. Ашхабад.

Ноябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   10 11 12 13 14 15 16

Все, чего мы достигли, показывает, что мы опираемся на самую чудесную в мире силу — на силу рабочих и крестьян.

Песня Коммуны

Такие стихи вырвались из сердца журналиста и поэта Василия Князева, потрясенного героической гибелью молодых коммунистов, не дрогнувших перед белогвардейскими пулями. Они отдали свои жизни за идеи революции. Погибли, но не отступили от своих убеждений. Это было в 1918 г.

Василий Васильевич Князев (1887-1937) родился в Тюмени. Учился в Петербургской учительской академии. На всю жизнь запомнил студент Князев Кровавое воскресенье 9 января 1905 г. — расстрел беззащитных рабочих, женщин, детей. Это событие во многом сформировало его мировоззрение. После Великой Октябрьской революции Князев активно сотрудничает в большевистской печати. Когда началась гражданская война, он стал военным корреспондентом и часто выезжал из прифронтового Петрограда на передовую... Там и написал он «Песню коммуны» .

Ее любил Владимир Ильич Ленин. «Читаешь ему, бывало, стихи, — вспоминает Н. К. Крупская, — а он смотрит задумчиво в окно на заходящее солнце. Помню стихи, кончающиеся словами: «Никогда, никогда коммунары не станут рабами». Читаешь, точно клятву Ильичу повторяешь, — никогда, никогда не отдадим ни одного завоевания революции...»

А в 1919 г. стихи Князева стали песней. Музыку написал Александр Сергеевич Митюшин.

Народный художник
(Из статьи заслуженного деятеля искусств РСФСР В. Журавлева)

На выставках передвижников Николай Алексеевич Касаткин начал выступать с 1890 г. Сперва это были превосходные по живописи небольшие бытовые картины: «За хворостом», «Соперницы», «Осиротели», «Шутка», «Трамвай пришел», «Клевета». Но уже спустя несколько лет в центре его внимания — рабочий класс России.

Касаткин посвящает жизни рабочих картины «Семья рабочего», «Раненый рабочий», «Перед отправлением в воспитательный дом (Перед разлукой)», а затем берется за тему, совершенно нетронутую тогда в русском искусстве, — труд шахтеров. Условия, в которых работали шахтеры, были ужасающими. Из-за частых обвалов, взрывов газа, затопления шахт они всегда находились под угрозой смерти или увечья.

Касаткин несколько раз приезжал в Донбасс и в течение 1894-1896 гг. создал серию работ из жизни углекопов: картину «Сбор угля бедными на отработанной шахте», портреты и «Шахтерку» — первое в русском искусстве изображение женщины-работницы. Тогда же Касаткин написал сложную монументальную композицию «Углекопы. Смена».

Бурные революционные события 1905 г. вдохновили художника, расширили его тематику. Он создает картины: «Рабочий-боевик», «Атака завода работницами», «После обыска», акварель «Лихая ткачиха», рисующую образ бунтарки-работницы.

В последние годы жизни Касаткин с особенной любовью работал над изображением советских людей. Таковы картины «Вузовка», «Комсомолка-рабфаковка», «За учебу. Пионерка с книгами», «Селькорка».

В 1923 г. Н. А. Касаткин одним из первых получил почетное звание народного художника Республики.

«Все на оборону!»

Огромную агитационную роль играли плакаты Д. Моора в годы иностранной военной интервенции и гражданской войны. «Я стремился к тому, — говорил автор, — чтобы язык художника звучал наравне с речью политического оратора. Такой трибуной для меня явился революционный плакат».

Содержанием плаката «Советская Россия — осажденный лагерь. Все на оборону!» стали партийные лозунги и призывы периода, когда Страна Советов оказалась зажатой в кольце фронтов.

Плакат, состоящий из отдельных картинок, дает развернутый сюжетный рассказ. В центре красной пятиконечной звезды — рабоче-крестьянская оборона. Между лучами — 5 отдельных рисунков с краткими поясняющими текстами: большевик указывает врага и ведет в бой, рабочий кует оружие, крестьянин везет хлеб, женщина заменяет ушедшего бойца, молодежь обучается военному делу.

В верхних углах плаката — символическое изображение того, что несут с собой империалисты и белогвардейцы — рабство и голод.

Эмоциональную напряженность плаката усиливает цвет: в сюжетах, рисующих рабоче-крестьянскую оборону, преобладают красные тона, а рабство и голод даны черным цветом.

Силой «Мастерка»

Мичуринск — город небольшой, и у каждого здесь — почти полгорода знакомых. А вот с «Мастерком» знаком не только весь город — слава его далеко ушла. С первых же дней создания агитбригады «Мастерок», организованной при «Мичуринсксельстрое», девиз «Время, вперед!» стал как бы движущей силой и постоянной темой каждой новой программы его выступлений. Часто после смелых, по-рабочему боевых выступлений «Мастерка» в тресте — экстренное заседание: «Как же так? Наши, мол, производственные изъяны в «Мастерок» попали!»

Коллектив «Мастерка» — теперь уже народный — называют «лучшей бригадой строителей» Мичуринска.

В. СУРИКОВ (1848-1916). Портрет неизвестной на желтом фоне. 1911. Холст, масло. 51 x 44. Русский музей. Ленинград.

Ноябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   17 18 19 20 21 22 23

* * *

В каждом, кто встречался с В. И. Суриковым, живо воспоминание об удивительной силе его индивидуальности...

Редкая сила воли и необычайная страстность составляли основные свойства этой могучей натуры.

«Каждого лица смысл...»

В. И. Суриков оставил нам галерею чудесных портретов. В них нашла отражение вся его любовь к своему народу, к Родине.

— Каждого лица хотел смысл постичь, — рассказывал художник. — Мальчиком еще, помню, в лица все вглядывался — думал: почему это так красиво? Знаете, что значит симпатичное лицо? Это то, где черты сгармонированы. Пусть нос курносый, пусть скулы, — а все сгармонировано. Это вот и есть то, что греки дали — сущность красоты... Женские лица русские я очень любил, не попорченные ничем, нетронутые...

Гармония, которую искал Суриков в лицах людей, всегда была связана для него с внутренней сущностью человека. Само наслаждение красотой рождало в нем тот подъем духа, то ощущение удальства, молодечества, жажду свободной, вольной жизни, которую он так ценил в людях, которую изобразил и в своем творчестве. Ведь, в сущности, все его полотна обращены к теме силы народной, ее роли в истории, раскрывают свободолюбивый дух русского народа.

Истоки этих настроений — в детстве художника, привыкшего гордиться своим «более чем двухсотлетним казачеством», происхождением от донских казаков, первопроходцев Сибири, участвовавших и в основании Красноярска. Огромным удовольствием были для него поездки с матерью к родственникам, жившим за Енисеем, в селе Торгашине. «Там самый воздух казался старинным. И сестры мои двоюродные — девушки совсем такие, как в былинах поется про двенадцать сестер. В девушках была красота особенная: древняя, русская. Сами крепкие, сильные. Волосы чудные. Все здоровьем дышало... Песни старинные пели тонкими, певучими голосами».

Представления о красоте крепко связались у художника с поэзией сказок и былин, с жизнью вольной, среди полей и лесов, на необозримых просторах земли. И в его творчестве мы находим утверждение именно такой красоты, страстные поиски ее в современной ему действительности.

Чуковский о Блоке

Из поэтов его поколения никто так не верил в мощь революции. Она казалась ему всемогущей. Он предъявлял к ней огромные требования и не усомнился ни на миг, что она их исполнит. Только бы она пришла, а уж она не обманет. Этою оптимистическою, безмерною верою в спасительную роль революции исполнены его последние статьи. В одной из этих статей говорится: «Рано или поздно — все будет по-новому, потому что жизнь прекрасна». Эти слова можно поставить эпиграфом ко всем его книгам. Жизнь втайне прекрасна, мы не видим ее красоты, потому что она загажена всякой дрянью. Революция сожжет эту дрянь, и жизнь предстанет перед нами красавицей. Меньшего Блок не хотел. Никаких половинных даров: все или ничего. «Жить стоит только так, — говорил он, — чтобы предъявлять безмерные требования к жизни: все или ничего; ждать нежданного; пусть сейчас этого нет и долго не будет. Но жизнь отдаст нам это, ибо она — прекрасна».

* * *

Несколько выдающихся представителей интеллигенции признало необходимым работать под руководством Советской власти. Между ними известный поэт А. Блок и худ. Петров-Водкин. Они поставили себе задачу борьбы с позорным для интеллигенции саботажем и привлечения к общественной деятельности широких ее кругов...

Из статьи «Интеллигенция и пролетариат». Известия ЦИК и Петроградского Совета, 1917, № 261, 28 декабря

Записи Л. Блока

22 апреля 1917 г.

Все будет хорошо. Россия будет великой. Но как долго ждать и как трудно дождаться.

19 октября 1917 г.

...Один только Ленин верит, что захват власти демократией действительно ликвидирует войну и наладит все в стране.

18 января 1918 г.

...Вот что я еще понял: эту рабочую сторону большевизма... Крылья у народа есть, а в уменьях и знаньях надо ему помочь. Постепенно это понимается. Но неужели многие «умеющие» так и не пойдут сюда?

25 февраля 1918 г.

Рабочих созывал ночью Ленин.

1 марта 1918 г.

Революция — это: я — не один, а мы.

Строки Блока

* * *

Из поэмы «Двенадцать»

Наш словарик

Штрих — одно из изобразительных средств в рисунке. Каждый штрих представляет собой линию, проведенную одним движением руки. Приемы работы штрихом разнообразны. Используются штрихи разной силы, длины и частоты, положенные в различных направлениях. Они могут выглядеть как отдельные линии или сливаться в сплошное пятно.

X. ЯКУПОВ (p. 1919). Золото Татарии. 1974. Холст, масло. 146 х 275. Министерство культуры РСФСР. Москва.

Ноябрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   24 25 26 27 28 29 30

Об Энгельсе

...Энгельс стремился читать литературу других народов в подлиннике. Он не уставал изучать все новые и новые иноземные языки. Даже самый точный перевод казался ему не более чем гербарием, в котором лежали засушенные, а не живые цветы.

Накануне Крымской войны Энгельс принимается за изучение русского языка. Одновременно он занимается и персидским. Датская война заставила Энгельса познакомиться с речью народов, населяющих Скандинавию. Истинный полиглот, Энгельс говорил и писал на двенадцати, а читал на двадцати языках. Знание различных языков помогало Энгельсу в его деятельности в I и II Интернационалах. Им создано несколько ценнейших трудов по лингвистике и сравнительному языкознанию. Русский ему особенно полюбился. В его литературном наследстве сохранились переведенные им на немецкий пятнадцать строф из «Евгения Онегина», а также записи, связанные с чтением в оригинале «Медного всадника» и «Горя от ума». Русская литература глубоко интересовала Энгельса. Помимо Пушкина и Лермонтова ему были хорошо знакомы произведения Державина, Салтыкова-Щедрина, Добролюбова, Чернышевского. О русском языке Энгельс говорил, что он «...всемерно заслуживает изучения как сам по себе, ибо это один из самых сильных и самых богатых живых языков, так и ради раскрываемой им литературы...».

Энгельс основательно изучал труды русских ученых, экономистов, статистиков, революционеров. Огромное уважение питал он к Чернышевскому и многим другим ярким представителям русской общественной мысли. Лопатин, Степняк-Кравчинский, Ковалевский, Русанов, Засулич, Плеханов были связаны личной дружбой с Энгельсом, переписывались с ним, учились у него, обсуждали насущные вопросы революционной стратегии. В свой черед Фридрих Энгельс любил Россию и внимательно следил за тем, что в ней происходило. Маркс и он предвидели грядущую пролетарскую революцию именно в России. Десятки русских книг всегда лежали на рабочем столе Энгельса.

Воинствующий художник

Начало творческой жизни Серафимы Германовны Бирман связано с МХАТом. Ее дарование актрисы гротесковой, резкой характерности, со знаменитыми ее гримами, раскрылось рано. Она была беспощадна к своим отрицательным героиням. А. В. Луначарский восхищался ее игрой в роли ключницы Улиты в спектакле «Тень освободителя» (по мотивам М. Салтыкова-Щедрина).

Непрестанный интерес Бирман к психологии, к внутреннему миру человека и социальным проблемам, аналитический склад ума приводят ее в режиссуру. Много лет работала она над постановкой и исполнением главной роли в «Вассе Железновой» М. Горького, отделывая и изменяя образ.

Ставит «Живой труп» Л. Толстого, «Нашествие» Л. Леонова и многие другие спектакли.

Позднее в ее актерских работах начинают появляться иные акценты.

Бирман сыграла мадам Сент-Экзюпери в спектакле «Жизнь Сент-Экзюпери» Л. Малюгина, мать венгерского коммуниста Марию Эстераг в пьесе «Мой сын» Ш. Гер гея и О. Литовского, Мать в пьесе А. Афиногенова «Салют, Испания!» и Фанни Ферелли в пьесе Л. Хелман «Семья Ферелли теряет покой». Кто-то из критиков очень точно сказал, что она сыграла «талант материнства». Одной из лучших работ актрисы стала майор Анна Греч из пьесы К. Симонова «Так и будет».

Серафима Германовна Бирман осталась в истории театра, в воспоминаниях друзей, товарищей, учеников и зрителей как яркая, своеобразная актриса, талантливый режиссер и педагог, яростный пропагандист искусства театра и его лучших традиций. Остались ее статьи по самым разным вопросам искусства и этики, воспоминания о ее учителях — Станиславском, Сулержицком, Вахтангове, о Горьком и Афиногенове, об Эйзенштейне и книги «Труд актера», «Путь актрисы», «Судьбой дарованные встречи».

Музыка

* * *

5 ноября 1827 г. состоялась распродажа нот и рукописей недавно скончавшегося Бетховена. Ни одна публичная библиотека не заинтересовалась этим. Секретарь суда записывал первоначальную оценку и продажную цену рукописей: партитура Четвертой симфонии, 4 флорина (6 флоринов 40 крейцеров), Шотландские песни, 40 крейцеров (1 флорин), Пятая симфония, 5 флоринов (6 флоринов), отрывок из «Эгмонта», 20 крейцеров (50 крейцеров). При всей своей сухости документ этот больше, чем самые патетические комментарии, поведал нам, как быстро забыли Бетховена современники.

РОЖЕ СОМВИЛЬ (р. 1923). Шахтеры шахты Фернан. Боринаж. 1954. Холст, масло. Бельгия.

Декабрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   1 2 3 4 5 6 7

Театр Эдуардо

В Италии этот театр любовно называют Театром Эдуардо. Замечательный актер и режиссер, выдающийся итальянский драматург Эдуардо Де Филиппо много лет возглавляет в Неаполе театр «Сан-Фердинандо». Его творчество восходит к традициям народного неаполитанского театра и проникнуто духом демократизма.

Де Филиппо родился в Неаполе и уже мальчиком, вместе с братом и сестрой, начал выступать в театре. Его любимым героем на всю жизнь стал Пульчинелла — один из персонажей древней комедии дель арте, олицетворяющий неаполитанскую веселость, юмор и грусть.

Советские зрители увидели и полюбили Де Филиппо в фильме «Неаполь — город миллионеров». Он поставил фильм по своей пьесе и так сыграл в нем рабочего Дженнаро, что нам стал близок неказистый, бесхитростный человек, обладающий неисчерпаемым запасом жизненной энергии и оптимизма.

Велика роль Эдуардо Де Филиппо в развитии итальянского театра. События его пьес только кажутся удаленными от больших событий жизни. Зрителям разных стран близки их нравственность, демократизм, жизнелюбие. Драматург и артист утверждает веру в человеческую ценность своих героев, простых людей Италии. Трудна жизнь безработного Винченцо («Де Преторе Винченцо»), вынужденного стать вором, так как он не смог найти работу! Не легче и жизнь Пеппино, главы семьи, о трех днях жизни которого рассказывает пьеса «Суббота, воскресенье, понедельник».

Незабываемы спектакль Московского театра имени Евг. Вахтангова «Филумена Мартурано» и итальянский фильм по этой же пьесе Де Филиппо — «Брак по-итальянски». Рубен Симонов и Цецилия Мансурова, София Лорен и Марчелло Мастроянни донесли до зрителей накал страстей в семье Филумены, женщины нелегкой судьбы, воспитавшей без мужа сыновей и вынужденной притвориться умирающей, чтоб заставить мужа узаконить их двадцатипятилетнюю совместную жизнь.

От «кокай» до «тохо»

«Кокай» и «тохо» — «а» и «я» лаосского алфавита. Алфавит лаосского письма был создан около X в. на основе письменности мон, восходящей в свою очередь к пали, возникшей в начале нашей эры. Но несмотря на древнюю письменность, 90 процентов населения бывшей вьентьянской зоны было неграмотно.

Народная власть объявила войну этому наследию колониализма. В сегодняшнем социалистическом Лаосе весь народ сел за парты. Начальные школы есть теперь во всех тассенгах (коммунах) страны; в каждом провинциальном и многих районных центрах открылись средние школы и профессионально-технические училища.

Одной из важнейших задач народная власть считает развитие образования среди национальных меньшинств. Революция открыла дорогу к знаниям для тех, кого при старом режиме презрительно называли «кха» — «темными рабами».

Молодежь и взрослые жадно тянутся к знаниям. Школьники старших классов от руки переписывают учебники для малышей, во время каникул студенты выезжают в отдаленные районы обучать грамоте жителей горных деревень. И если раньше люди гордились тем, что у них в деревне появилась своя пагода, то теперь предметом такой гордости стала своя школа. Показательная примета нового!

Восстанавливаются памятники

Народная власть взяла под охрану ценнейшие памятники истории и архитектуры Лаоса. Так, в бывшем королевском дворце в Луангпрабанге создан национальный музей.

Всегда многолюдно в другом музее — пагоде ват Пакео, что означает «Изумрудный Будда», во Вьентьяне. Это шедевр архитектуры эпохи Лансанг, как в древности назывался Лаос (XIV — XVII вв.). Здесь развернута экспозиция буддийского искусства.

Реставрируется храм Тхат Луанг во Вьентьяне — бесценный памятник лаосской архитектуры второй половины XVI в.

За мир и труд

Творчество бельгийского художника-коммуниста Роже Сомвиля обращено к главнейшим, насущным проблемам современности. Не случайно мастер выбирает «большую форму» — монументальную живопись, гобелен. Так полнее и масштабнее решаются его замыслы.

Тема борьбы за мир звучит в огромном гобелене «Триумф мира» (его размер составляет 75 квадратных метров). Ладья с людьми, символизирующая все прогрессивное человечество, вырывается к солнцу из мрака, побеждая силы войны.

Подобная же символика присутствует в другом известном полотне Сомвиля «Америка, я пишу твое имя: «Вьетнам, 1968!»». Здесь фигура солдата в каске, расстреливающего мирных жителей, воплощение тупого, нерассуждающего механизма войны, прямо перекликается с образами Гойи и Пикассо.

Сомвиль обращается к гротесковой, экспрессивной форме, резким, дисгармоничным цветовым аккордам, чтобы заставить зрителя увидеть и понять все отталкивающее и уродливое в окружающей его капиталистической действительности. Это проявляется и в графике Сомвиля, особенно в большом цикле рисунков под общим названием «Посвящается Бертольту Брехту».

Значительное место в творчестве художника занимает тема труда. Художник создает образы шахтеров, рабочих, крестьян. В них он видит силу, способную противостоять силам мрака.

Серия портретов шахтеров относится к середине 50-х годов. Особенно выразительно полотно «Шахтеры шахты Фернан. Боринаж». Герои картины исполнены достоинства, благородства, их лица освещены умом и чувством юмора.

А. АБДУЛЛАЕВ (p. 1918). Портрет хлопкороба Назарали Ниязова. 1950. Холст, масло, 108 x 137. Музей искусств Узбекской ССР. Ташкент.

Декабрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   8 9 10 11 12 13 14

...Творчество, если оно стало кровью художника, бегущей по жилам... не даст стареть чувствам, скудеть мыслям.

Память Старого Изборска

Струны тихо запели, мелодию бережно взяли певцы, и задумчивое повествование осторожно вошло в зал:

В сорок первом году на рассвете
Потемнела от дыма заря...
 

В Старом Изборске (Псковская область) звучит песня-баллада «Их забыть нельзя». Исполняет ее струнный оркестр, созданный еще в довоенные времена. Украсил тогда оркестр крестьянскую жизнь. Давали концерты, собирали танцоров. На вечера народ шел даже из ближних деревень.

...Многие изборяне не вернулись с фронта. Без них поднимался колхоз «Красный Изборск». Без них возрожденный оркестр был в Москве и звучал со сцены Большого театра, в Ленинграде получил диплом лауреата. Не узнают они, как танцуют их внуки в Доме культуры; не увидят спектаклей односельчан; не услышат новых, светлых и радостных песен. Все это они сберегли для нас. И тем живы они для людей, живы в песне-балладе!

Она летит над мирной пашней,
Звучит в вечерней полутьме,
Как память вечная о павших,
Как гимн живущим на земле.
 

Не поэтом-профессионалом писаны стихи, не композитором сочинена музыка; их друг и товарищ Алексей Александрович Вашкевич создал балладу о павших.

Пишите баллады о павших! Кантаты пишите, песни. В этой музыке, в этой памяти они будут всегда рядом с нами.

* * *

Это необычайное панно площадью 620 квадратных метров сложено из двух с половиной миллионов кусочков разноцветной смальты. Оно украсило главный корпус спортивного комплекса «Трудовых резервов», который возведен в столице Узбекистана в Ташкенте. В здании находится демонстрационный зал, где проводятся состязания и спортивные праздники. Рядом разместились тренировочные залы для боксеров, гимнастов, борцов, штангистов.

* * *

На одной из площадей Чикаго воздвигнута скульптура. Она представляет собой огромную, высотой более 30 метров, бейсбольную биту. Изготовлена скульптура из стали. Весит 20 тонн. Сенатор У. Проксмайер, который учредил ежемесячный иронический приз за наиболее бессмысленное расходование денег налогоплательщиков, присудил скульптуре апрельский приз 1977 г.

Мыслить на сцене...
(Из воспоминаний режиссера Бориса Захавы)

Михаил Федорович Астангов был художник творчески богатый, инициативный, ищущий, страстный и беспокойный в работе, требовательный в равной степени и к режиссеру, и к партнерам, и к самому себе. Он умел радоваться любой находке, независимо от того, кому она принадлежала: ему самому или режиссеру.

Вспоминаю астанговского Пастухова из «Первых радостей». Какой это великолепный образ! Стоит мне закрыть глаза, и он как живой возникает в моем воображении. Его художественное достоинство — в необычайной сложности характера, в органическом сочетании самых противоречивых качеств. Пастухов Астангова одновременно и талантлив и ничтожен, щирок и ограничен, дерзок и труслив — все в нем перемешано, все сочетается и спорит друг с другом, — очень интересный, своеобразный и в то же время такой знакомый, такой типичный образ! Сибарит, барин, сноб, «избранная натура» и в то же время обыватель, стремящийся отстранить от себя все, что угрожает его спокойной, комфортабельной жизни, — таков астанговский Пастухов. Но от реальности не уйдешь. И Астангов с блестящим комедийным мастерством показывал, как нестерпимо раздражает Пастухова малейшая необходимость вмешиваться в жизнь.

Невозможно забыть доведенную Астанговым до артистического совершенства сцену допроса Пастухова жандармским полковником Полотенцевым.

С одной стороны — какое сознание своего человеческого достоинства! Сколько умной иронии в каждой реплике! Как плавно и спокойно текут фразы! Сколько в них сарказма, какая независимость и свобода!

А с другой стороны — какой смертельный во всем этом испуг! Какой ужас просвечивает сквозь эту сложную ткань тончайшей маскировки! Какой страх за свою такую устроенную, обеспеченную и комфортабельную жизнь!

Ах, как это превосходно было сыграно!..

В борьбе с неграмотностью

«В целях предоставления всему населению Республики возможности сознательного участия в политической жизни страны Совет Народных Комиссаров постановил: 1) Все население Республики в возрасте от 8 до 50 лет, не умеющее читать или писать, обязано обучаться грамоте...» — так начинался декрет о ликвидации безграмотности среди населения РСФСР, подписанный В. И. Лениным 26 декабря 1919 г. Принятие декрета в условиях войны и разрухи было продиктовано суровой необходимостью: более 75% населения России было неграмотным. Нужно было поднять просвещение масс, сделать рабочих и крестьян самостоятельными участниками строительства новой жизни, а «...в стране безграмотной, — как указывал В. И. Ленин, — построить коммунистическое общество нельзя...».

Два образных плаката художника А. Радакова: «Неграмотный — тот же слепой. Всюду его ждут неудачи и несчастья» и «Знание разорвет цепи рабства» — агитируют и мобилизуют массы на выполнение поставленной партией задачи. Созданы они в 1920 г. Графический рисунок плакатов скуп, но красноречив. Первый плакат изображает крестьянина, глаза которого закрывает пелена неграмотности. Его нога занесена над пропастью, в которую срываются камни. На другом плакате стопа книг, прогнувшая и готовая разорвать тяжелые кованые цепи.

Плакат, особенно плакат революции, требует самых насыщенных цветов, поэтому так ярки здесь краски. Художник нашел форму агитации, понятную многомиллионным слоям населения, его плакаты были нужны, они тоже были оружием.

Наш словарик

Камертон — источник звука, представляющий собой изогнутый и закрепленный посредине металлический стержень, концы которого могут свободно колебаться. Служит эталоном высоты звука при настройке музыкальных инструментов и в пении. Обычно употребляют в тоне а¹ (ля первой октавы).

В СССР с 1 дагваря 1936 г. действует общесоюзный стандарт с частотой а=440 герц.

Е. САМСОНОВ (p. 1926). Рыцари труда. 1972-1977. Холст, масло. 200 x 215. Министерство культуры РСФСР. Москва.

Декабрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   15 16 17 18 19 20 21

* * *

Раньше весь человеческий ум, весь его гений творил только для того, чтобы дать одним все блага техники и культуры, а других лишить самого необходимого — просвещения и развития. Теперь же все чудеса техники, все завоевания культуры станут общенародным достоянием...

Монумент рабочей славы

Руки рабочего-ткача крепко сжимают древко красного знамени. Одухотворенное лицо, напряженное и решительное. В этой фигуре из бронзы запечатлена суть характера русского революционного пролетариата. Непреклонная вера в победу, воля, мужество и самоотверженность — вот что хотели передать скульптор Д. Рябичев, архитектор Е. Кутырев и художник М. Малютин. Двухфигурная скульптурная композиция «Знамя пролетариата — знамя революции» — центральная часть памятника первому в России Совету рабочих депутатов в Иваново-Вознесенске. Монумент воздвигнут на одной из площадей города Иванова и называется «Борцам революции».

Скульптурная композиция образует единое целое с пантеоном. На громадном пилоне взвился отлитый из бронзы Вечный огонь — символ революции. А внутри пантеона горит яркая мозаика. Рельефы на его стенах запечатлели драматические эпизоды стачки иваново-вознесенских рабочих.

Мемориал в Иванове отличается ясной логикой построения ансамбля в целом. Сравнительно небольшой по размерам, он поражает своим эмоциональным воздействием на зрителя. Это объясняется тем, что зритель, рассматривая композицию, как бы втягивается в то, о чем она рассказывает, и все больше и больше ощущает себя причастным к героике событий, мужеству и вдохновенному революционному порыву борцов революции.

Дворец книги

Тяга к прекрасному, любовь к поэзии — давняя, из глубин веков идущая традиция туркменского народа. В старые времена безграмотные скотоводы и земледельцы знали наизусть сотни и тысячи стихотворных строк. Пользовались особой популярностью творческие состязания народных певцов — бахши. Поэтому неудивительно, что одной из заветных национальных реликвий в республике считается рукописный сборник произведений двадцати двух туркменских поэтов прошлых веков. Недавно эта жемчужина получила соответствующую оправу — она хранится в сокровищнице, достойной ее поэтических красот, — в Туркменской Государственной библиотеке имени К. Маркса, получившей новое здание.

В библиотеке собрано более 4 миллионов книг, ее фонд включает в себя издания на русском, туркменском и других языках народов СССР, а также большое количество зарубежной литературы. Но для среднеазиатского города кроме наличия книг весьма существенно и создание условий, позволяющих плодотворно работать с ними. А в новом здании библиотеки имени К. Маркса хорошо работается.

Из любого читального зала второго и третьего этажей для отдыха или для продолжения занятий можно выйти на просторные галереи. Эти галереи имеют теневые навесы и декоративные отверстия в стенах, создающие интенсивное движение воздуха. С галерей открывается вид на уютные внутренние дворики.

Расположенные на разных уровнях и сообщающиеся между собой фонтаны и бассейны не только ласкают взор, но и увлажняют сухой ашхабадский воздух. На стенах двориков выполнены тематические рельефы.

Заполярная «Третьяковка»

В якутском поселке Тикси, на берегу моря Лаптевых, действует самый северный народный художественный музей.

Интересна история его создания. Все началось с приезда в Якутию большой группы живописцев и графиков — участников пятого Всесоюзного фестиваля изобразительного искусства, проходившего под девизом: «Художники — флоту Севера».

Итоги работы художников подводились в Тикси. Туда приехал и заслуженный работник культуры РСФСР И. Рубан. Творчество Игоря Павловича, удостоенного звания почетного полярника, тесно связано с людьми, которые трудятся в высоких широтах. Длительное время он работал в Арктике и Антарктиде, пользовался там изобретенными им красками, не замерзающими на 50-градусном морозе. На сей раз И. Рубан привез свои новые картины — «Дорога к полюсу» и «Одинокая стоянка», посвященные суровому краю. Передавая их в дар тиксинцам, написал на оборотной стороне одной картины: «Пусть эта вещь станет первой ласточкой в будущей картинной галерее поселка». А позже обратился к мастерам кисти с призывом помочь создать музей «на краю земли».

В Тикси постоянно приходят бандероли и посылки из различных районов нашей Отчизны. Собранные экспонаты, а их уже триста пятьдесят, украшали всесоюзные и различные зарубежные выставки, а теперь авторы с удовольствием подарили их северянам. Среди них есть работы Ф. Решетникова, Е. Моисеенко, М. Куприянова, В. Ефанова и многих других известных мастеров.

Мордовская пословица

Соловей за песни ценится.

Дагестанская пословица

Песню рождает сердце, поэта — народ.

* * *

Нельзя вырастить полноценного человека без воспитания в нем чувства Прекрасного.

Поет Марк Бернес

Неизвестный нидерландский художник первой половины XVI в. (МАСТЕР ЖЕНСКИХ ПОЛУФИГУР). Музыкантши. Дерево, масло. 53,2 x 37,5. Эрмитаж. Ленинград.

Декабрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   22 23 24 25 26 27 28

Симфонический оркестр

Развитие музыкального искусства привело к появлению различных оркестров. Существуют оркестры народных инструментов, духовые оркестры, различные эстрадные и танцевальные оркестры. Все они — активные участники музыкальной жизни, однако наибольшее значение в развитии музыкальной культуры имеет симфонический оркестр. Именно для него написаны самые значительные произведения великих композиторов прошлого и наших современников.

Зародившись на рубеже XVI — XVII вв., он прошел длительный путь развития. К концу XVIII в. сложился классический оркестр, называемый также малым симфоническим. Последующее его развитие шло по пути расширения состава и увеличения числа исполнителей.

В настоящее время в симфоническом оркестре объединяются все лучшие музыкальные инструменты, созданные и усовершенствованные в течение многих веков. Они разделяются на группы, в каждую из которых входят инструменты, родственные по характеру звучания, но различные по высоте звука. Такая группа обладает единством тембра и охватывает широкий диапазон звуков. Это дает возможность ей звучать как самостоятельно, так и вместе с другими группами.

* * *

Группа струнных смычковых инструментов включает в себя скрипки, альты, виолончели и контрабасы. Нежный, мягкий и певучий звук этих инструментов ставит смычковую группу на первое место по своей выразительности. В то же время очень высоки и технические возможности смычковых инструментов, их способность к быстрому движению. Давая высокую оценку струнной группе, М. И. Глинка писал: «От смычковых инструментов зависит и прозрачность и настоящая сила оркестра».

Превосходные по своим тембровым качествам, струнные инструменты по силе звука заметно уступают духовым. Поэтому в оркестре каждую партию струнных исполняют несколько инструментов, играющих в унисон. Таким образом, в большом симфоническом оркестре имеется: 16-20 первых скрипок, 14-18 вторых скрипок, 12-16 альтов, 10-14 виолончелей, 8-12 контрабасов.

* * *

Группу деревянных духовых инструментов составляют флейты, гобои, кларнеты и фаготы. Если все струнные инструменты устроены одинаково, обладают единым тембром, то каждый из деревянных духовых несколько отличается от других своим устройством и прежде всего способом извлечения звука, а поэтому и тембром. Взятая в целом, группа деревянных духовых уступает струнным в смысле единства и монолитности звучания. Зато флейты, гобои, кларнеты и фаготы — превосходные солисты в оркестре, обогащающие его звучание своими ярко индивидуальными звуковыми красками.

В оркестре используется обыкновенно парный состав деревянных духовых, то есть 2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета и 2 фагота, однако часто требуется тройной, четверной и даже еще больший состав группы. В этих случаях обычно в оркестр включаются так называемые видовые инструменты — малая и альтовая флейты, английский рожок (альтовый гобой), малый и басовый кларнеты и контрафагот. Иногда в оркестр вводится и семейство саксофонов — инструментов, родственных деревянным духовым.

* * *

В группу медных духовых входят валторны, трубы, тромбоны и туба. Они обладают ярким и блестящим звуком и способны придать ббльшую силу звучанию всего оркестра. Медные духовые давно вошли в симфонический оркестр, но все они, за исключением тромбонов с их особым устройством, долгое время обладали существенным недостатком: на них невозможно было сыграть полностью всю гамму звуков. Лишь в середине прошлого столетия с изобретением вентильного механизма этот недостаток труб и валторн был устранен, и музыканты получили возможность извлекать из них все нужные звуки.

Обычный состав медной группы таков: 4 валторны, 2-3 трубы, 3 тромбона и туба. В необходимых случаях этот состав увеличивается.

* * *

Последнюю группу симфонического оркестра составляют ударные инструменты. Они очень разнообразны по устройству и характеру звучания, но всех их можно разделить на два вида. Одни из них издают звуки, имеющие определенную высоту. Таковы, например, ксилофон и вибрафон. На них можно сыграть мелодию или взять аккорд. Звуки других определенной высоты не имеют, и их скорее можно считать шумом, который мы слышим, ударяя, например, в барабан.

Первым ударным инструментом, который вошел в симфонический оркестр, были литавры, издавна применявшиеся в военной музыке. В составе оркестра композиторов-классиков пара литавр в течение долгого времени была единственным представителем группы ударных. Постепенно, однако, интерес к ударным инструментам возрастал и их применение в оркестре расширялось. В наше время в симфоническом оркестре имеется большая и очень разнообразная по составу группа ударных.

* * *

В современный симфонический оркестр нередко вводятся еще некоторые инструменты, не входящие в его основные группы. Таковы арфа и фортепиано, а в последнее время — некоторые электроинструменты. Иногда вместе с оркестром играет орган, который по богатству и мощи звучания сам является своеобразным оркестром.

Таково строение современного большого симфонического оркестра. Общая численность музыкантов в нем может доходить до ста и даже более человек. На концертной эстраде они располагаются в определенном порядке. Эта посадка оркестра может быть различной, но в последнее время чаще всего применяется следующая:

Как показывает само название, симфонический оркестр предназначается для исполнения симфоний и других произведений симфонической музыки на концертах. Но тот же самый симфонический оркестр используется и в опере, и в балете. Здесь он вместе с певцами и хором — равноправный участник спектакля. Для того чтобы не мешать сценическому действию, театральный оркестр располагается в особом углублении перед сценой, которое называется оркестровой ямой.

Удивительный художник

В первой половине XVI в. в Антверпене, в ту пору одном из важнейших центров Нидерландов и первом торговом городе Европы, работал удивительный художник. Его творчество не отличалось большим разнообразием, его не увлекали сложные сюжетные композиции, драматические коллизии, сильные эмоции. С редкостным постоянством он писал небольшие картины, населенные полуфигурными изображениями молодых женщин, коротающих свой досуг за чтением, беседой, музыкой. Имя этого живописца не сохранилось, и потому он вошел в историю искусства как «Мастер женских полуфигур».

Одно из произведений этого художника, «Музыкантши», хранится в коллекции Эрмитажа. Изображены три молодые дамы. Две из них играют на музыкальных инструментах, а третья поет, держа в руках нотный свиток. Глаза всех троих опущены вниз, на ноты, где на французском языке воспроизведен текст хоровой арии. Это ария XVI в. на музыку композитора Клодена де Сермизи и стихи поэта Клемана Маро.

Очарование этой картины — в любовном изображении юных и нежных лиц. Оно в том, как рассеянный свет, проникающий из окна с узорчатым стеклом, освещает нежную кожу. Оно — в красоте колористической гаммы и мягком сиянии красок.

Н. ТОМСКИЙ (р. 1900). Волгоградский рабочий. 1956. Мрамор. Выс. 50. Третьяковская галерея. Москва.

Декабрь 1980 Понедельник Вторник Среда Четверг Пятница Суббота Воскресенье   29 30 31

Образ рабочего
(Из книги Н. В. Томского «В бронзе и граните»)

В городе-герое Волгограде — дело вскоре после войны было — я пошел на легендарный тракторный завод. Лицо одного из рабочих мне очень понравилось. В нем чувствовался яркий характер, хотя в самой внешности не было ничего необычного, броского. Спокойная уверенность, чувство собственного достоинства во всем облике, в жестах, в движении, в голосе, во взгляде.

Мы познакомились, я предложил ему позировать. Разные люди: скромные, застенчивые, тщеславные — по-разному воспринимают подобные предложения. Одни охотно соглашаются, другие смущенно отвечают: мол, за что такая честь, мы же самые обыкновенные. Мой волгоградец в ответ на предложение позировать ответил очень просто, без тени смущения или удивления, но и без поспешной угодливой готовности и рисовки:

— Пожалуйста, если это нужно для дела.

Весь смысл своего ответа он вложил в последнее слово. Да, именно дело — главное в жизни человека, оно его славит и красит. Как выяснилось потом, мой знакомый оказался человеком, уважаемым в рабочем коллективе, и мне было приятно лепить его портрет. Во время сеансов разговаривали, касаясь самых различных тем и вопросов. Меня поражали эрудиция этого рабочего, независимость в суждениях, высокая внутренняя культура, которую иногда называют интеллигентностью. Но главное, что мне в нем нравилось, — он рассуждал о международных делах и о внутренней жизни страны как хозяин, как государственный деятель. Передо мной сидел новый тип советского рабочего. Таким я его и вылепил. Считаю, портрет удался. На выставках и в каталогах он значится «Волгоградский рабочий», поэтому я не называю здесь его собственного имени.

Солнечное дерево

У Арсена Почхуа две профессии — он музыкант и художник. Оба призвания дополняют и обогащают друг друга.

Более тридцати лет назад студент класса альта Тбилисской консерватории увлекся народным орнаментом. Произведения молодого музыканта однажды увидел прославленный Ладо Гудиашвили и признал в нем высокий дар. С тех пор он внимательно следил за творчеством А. Почхуа, помогал ему советом.

Резьба по самшиту, несколько веков назад распространенная в Грузии, к нашему времени прочно забылась, и Арсену пришлось начинать практически заново: конструировать инструменты, создавать технологию, вырабатывать приемы. Он остановился на гой породе самшита, которая растет лишь в одном месте на Кавказе, в ущелье бурной Бзыби. Ее древесина тверда — резец из лучшей стали скоро сдает, точно режут им не дерево, а камень. К тому же она так плотна, что годовые кольца неразличимы. Солнечный, нежно-желтый цвет бзыбского самшита — теплый и ласковый. На ощупь он мягкий и гладкий, как кожа человека: в холод теплый, в жару прохладный...

Творчество А. Почхуа глубоко национально, оно близко и понятно каждому.

* * *

Быть не последним бойцом в борьбе за прекраснейшее счастье человечества — вот почетнейшая задача и цель,

С именем Ленина
(Отрывок)

«Тамара»

Милий Алексеевич Балакирев, замечательный композитор, пианист и дирижер, сыграл выдающуюся роль в становлении русского музыкального искусства. Человек незаурядной творческой воли и обаяния, он в конце 50-х — начале 60-х. гг. прошлого столетия возглавил группу молодых высокоодаренных музыкантов, которая впоследствии получила название «Новой русской музыкальной школы» или «Могучей кучки». В кружок входили М. Мусоргский, Н. Римский-Корсаков, А. Бородин, Ц. Кюи. Балакирев и его друзья боролись за правду, глубину идей и народность в искусстве. Одной из их основных художественных установок была программность музыки, ее связь с определенным литературным сюжетом или текстом.

В числе ярких программных сочинений композиторов «Могучей кучки» — симфоническая поэма Балакирева «Тамара», созданная под впечатлением одноименного стихотворения Лермонтова:

В глубокой теснине Дарьяла,
Где роется Терек во мгле,
Старинная башня стояла,
Чернея на черной скале...
 

В одном из писем к В. Стасову композитор признавался, что Лермонтов ему ближе всех других русских поэтов, что мироощущение их совпадает во многом. Симфоническая поэма «Тамара» — дань его любви к Лермонтову, к Кавказу. Он работал над произведением с перерывами более пятнадцати лет и вложил в него весь свой творческий темперамент, все свое искусство тонкого колориста, всю силу своей фантазии.

А. ПЛАСТОВ (1893-1972). Бабье лето. 1970-1971. Холст, масло. 160 x 247. Министерство культуры РСФСР. Москва.